The Afrosound Of Colombia Vol. 1 (Vampisoul)

I più maliziosi magari penseranno al cartello di Medellin o alle imprese sportive dei nazionali Higuita e Valderrama, ma anche in Colombia di musica da perder la testa se ne è prodotta.

Eccome. A fare ordine ci pensa nuovamente l’iberica VampiSoul, che potendo attingere ad una sterminata collezione di singoli, mette in piedi una raccolta che ha del sensazionale. Il ritmo latino sottostà alle leggi dell’afro-beat ed una ubriacante festa su stratosferici ritmi funk ha luogo. Oltre due ore e mezza di musica, con brani risalenti sia agli anni '60 che '70, estrapolati dal florido catalogo della Discos Fuentes label operativa nel paese sudamericano. 43 tracce che battono il dancefloor in un irresistibile melange di salsa, cumbia, boogaloo, tropical funk e chicha...

Cruciale la figura di traghettatore di Julio Ernesto "Fruko" Estrada, boss della Disco Fuentes, che ha fatto in modo di importare il sound africano nel proprio paese, cogliendo le sottili analogie che legavano l’incessante ritmo dell’afro-beat al suono delle aree caraibiche. Ritmo e melodia che sono cibo per l’anima, questo lo spot con cui ha tirato su il suo piccolo impero discografico.

Ci eravamo già resi conto nella recente raccolta di Now Again Black Man’s Cry – dedicata all’ambasciatore dell’afro-funk Fela Kuti – di come in Colombia esistessero dei seguaci insospettabili di quel movimento. Nella sua varietà stilistica AfroSound Of Colombia è dunque un manifesto del medesimo villaggio globale, che al centro non mette certo l’etnia, quanto il fuoco sacro della pulsione più autentica. Una musica in primis fatta di sentimenti ed artistica spinta sovversiva.

Le estese note che accompagnano il booklet della raccolta targata Vampisoul sono a cura dell’esperto Pablo Yglesias altrimenti noto come DJ Bongohead.

V/A - Cumbia Beat Volume 1 (Vampisoul Records)

La cumbia peruviana, altrimenti nota come "chicha", ha avuto il pregio di mettere insieme numerosi stili tropicali, favorendo le tradizioni di paesi come la Colombia e Cuba, attingendo peraltro agli stimoli delle musiche occidentali: il beat degli anni '60 ed il rock psichedelico in primis. Ovviamente a condire il tutto melodie indigene che avessero a cuore la tradizione andina e quella della giungla amazzonica.
Emotivamente imbattibile, la miscela risuona ancora ad oggi distinta e vibrante, favorendo così la curiosità di una nuova audience, che oggi ama ritrovarsi nei luoghi in cui il sound è tornato prepotentemente di moda. Da Londra a New York passando per Madrid non si contano più le serate capaci di riproporre l'intensità di quei momenti.

La raccolta della Vampisoul si presenta con un esteso libricino a colori di ben 36 pagine, con tanto di note in lingua inglese e spagnola. Il periodo di riferimento è riconducibile ad una stagione piuttosto lunga: compresa tra il 1966 ed il 1978. Dopo la progressiva decadenza del mambo nella metà degli anni '50 una serie di nuovi ritmi si sono infatti imposti nel paese sudamericano: merengue, guaguancó, cha cha cha, joropo, guaracha, rumba e la stessa cumbia, apparsa in sordina proprio al volgere del nuovo decennio.

La Sonora de Lucho Macedo ed i Los Pacharacos sono stati tra i primi ad imporre questo stile, inserendolo nelle classiche tessiture folkloriche del proprio paese. Ci sono 25 pezzi in cui perdersi letteralmente, ritmicamente disparati, talmente freschi da rinvigorire un qualsiasi dancefloor dei giorni nostri. Silvestre Montez y Sus Guantanameros, Grupo Celeste, Los Mirlos, Los Beta e Los Atomos De Paramonga sono solo alcuni dei protagonisti per cui perdere letteralmente la testa!

Finalmente ristampato il favoloso album di debutto delle Raincoats

Fairytale in the Supermarket

The Raincoats | Video musicali MySpace

Chiunque abbia avuto un’illuminazione durante la stagione delle riot grrrls, non può certo prescindere da chi – in sordina – aveva iniziato tutto il movimento. Ad ascoltarlo ora - il debutto omonimo delle Raincoats – sappiamo esattamente a chi restituire crediti e la palma di cosiddette antesignane. Fuori catalogo da diversi anni il primo album del gruppo inglese viene ristampato sia in cd che in vinile, per We ThRee, marchio inaugurato dalle stesse Raincoats. Un disco omonimo che è stato una via romantica e più casalinga alle invettive del punk inglese, un album che ha lasciato un segno importante, spostando avanti le lancette di un suono, grazie ad un rinnovamento intrinseco. Fedeli comunque all’estetica del do it yourself, con una forte iniezione di sixties sound ed arrembanti motivetti folk rumorosi le ragazze presero tutti alla sprovvista nel 1979, con un disco che presto diverrà pietra miliare del post-punk e delle new wave. Usciva per un’influentissima Rough Trade e veniva prodotto da due mamma santissima come Geoff Travis e Mayo Thompson dei Red Krayola, all’epoca consulente artistico della label londinese. Negli ultimi 10 anni il disco è stato oggetto di culto, tanto che l’ultima ristampa in digitale – sponsorizzata da Geffen con tanto di liner notes di buon’anima Kurt Cobain – era già finita nel dimenticatoio. Ana da Silva, Gina Birch, Palmolive e Vicky Aspinall non hanno fatto altro che anticipare il movimento riot tutto, pur avendo sempre prediletto un approccio trasversale alla materia lirica. Dopo 30 anni il loro debutto omonimo mantiene inalterate le sue caratteristiche, gioiosa rappresentanza di una grande epoca di passaggio, celebrata anche attraverso una serie di date che ne ufficializzano la ricostituzione.

"I really don’t know much about The Raincoats except that they recorded some music that has affected me so much that whenever I hear it I’m reminded of a particular time in my life when I was (shall we say) extremely unhappy, lonely and bored. If it weren’t for the luxury of putting on that scratchy copy of The Raincoats first record, I would have had very few moments of peace” (Kurt Cobain)

Nuove ristampe per Betty Davis

Light in The Attic completa il programma di ristampe dedicato a Betty Davis. Ancora edizioni extra-lusso con booklet eccezionali, che attraverso curiosità e foto esclusive descrivono il percorso di una delle più grandi eroine nere dei seventies. Entrambi i dischi sono stati masterizzati dai nastri originali, mentre l’originale artwork è stato preservato grazie ad una stampa in digipack. Le note sono di due luminari della musica black, giornalisti e studiosi del settore come Oliver Wang (Soul Sides, che si occupa dell’inserto di Is It Love Or Desire) e John Ballon (una delle penne più note del magazine Wax Poetics ). Nasty Gal è il terzo album di Betty Davis. Uscito in origine nel 1975, rappresentò la prima uscita lunga per l’etichetta Island, dopo un promettente sette pollici. Il tiro è ancora eccezionale, distillato di iconoclasta furia rock e rovente soul music. Betty Mabry che sposò il trombettista Miles Davis nel 1968, per poi separarsene l’anno successivo dopo una burrascosa relazione, è stata a lungo una musa, capace di ispirare non solo uno dei più celebri jazzisti contemporanei, ma anche in grado di urlare al mondo intero il ruolo di indipendent woman, ben prima delle eroine punk e delle nipotine riot.

Un carriera fulminea la sua, con una manciata di album pubblicati a cavallo tra prima e seconda metà degli anni ’70. Betty – a cui viene anche accreditato un celebre flirt con il chitarrista di Seattle Jimi Hendrix – prendeva a piene mani dal funk-rock di scuola Sly & The Family Stone, per proiettare le sue piccanti liriche oltre la dimensione del puro intrattenimento.

Chanteuse e modella – frequento spesso le passerelle dopo lo split con Miles – Betty realizzò con Nasty Gal forse uno dei suoi album più aggressivi, una sorta di hard funk, che a ben vedere poteva rappresentare la risposta nera e femminea ai Black Oak Arkansas di Jim Dandy

Is It Love Or Desire del 1976 è in realtà un titolo meno celebrato nella discografia della nostra, non per questo un disco meno cruciale. L’album è stato inciso presso gli In The Country studios della Louisiana, distante da occhi indiscreti. Quello che sin dalle prime note si presentava come il lavoro più personale della Davis, per via di una rinnovata cifra stilistica che metteva da parte gli ardori del debutto per focalizzarsi su una forma canzone comunque ineccepibile, diverrà ben presto un disco fantasma. A causa di insanabili divergenze con la propria etichetta discografica – la Island – il quarto album di Betty rimarrà per sempre nei polverosi archivi della label. Ma spesso anche le chimere trovano la via più luminosa per riemergere. Ad oltre 30 anni dal suo concepimento il disco è finalmente disponibile per il grande pubblico.

Ava Cherry - The Astronettes Session

Ava Cherry è stata una delle figure più caratteristiche dei seventies inglesi, in parte per la sua immagine sconvolgente, in parte per le sue preziose frequentazioni. Non propriamente una vocalist dalla sfavillante carriera solista, ma nemmeno una comune corista. Bollente e trascendentale a seconda dei casi. E comunque una personalità che con tocco davvero felino ha lasciato un’ impronta decisa nella storia del glamour britannico.
Ovviamente c’è un tramite importante in questa storia. Il duca bianco: David Bowie. Del cui entourage Ava Cherry faceva parte nella prima metà degli anni ’70. Possiamo parlare di shock visivo per la nostra, una sensuale ragazza di colore con capigliatura biondo platino, un gioco trasgressivo che anticipa vertiginosamente le mosse di una Grace Jones o – in tempi più recenti – della Skin di Skunk Anansie. Per la prima volta viene fatto ordine nella discografia di questa artista, che tra numerose apparizioni ha messo da parte una serie indicativa di performance. Con The Astronettes Sessions la nostra è protagonista in prima ed in seconda fila (a seconda dei casi assurge al ruolo di voce solista, altrove i suoi squillanti vocalizzi rimangono dietro le quinte), sono incisioni risalenti al novembre del 1973 ed immortalate presso gli Olympic Studios Barnes di Londra (eccezion fatta per God Only Knows di Brian Wilson, catturata presso gli storici Electric Ladyland Studios di New York, nel 1974). Gli Astronettes sono una sorta di gruppo vocale, con Ava ci sono i non meno brillanti soul men Geoff MacCormack e Jason Guess. Il repertorio cui lavorano è fatto di cover eccezionali. Tra i musicisti che prendono parte alle registrazioni c’è lo stesso Bowie, del quale vengono riprese in chiave quasi black I Am A Laser, I Am Divine, Things To Do e People From Bad Homes. Lo stuolo dei musicisti da studio è arricchito anche da una figura mitica come il batterista Aynsley Dunbar (un uomo che ha suonato praticamente con tutti: da Jeff Beck a Frank Zappa, passando per i Jefferson Starship), oltre che da illustri turnisti quali Mike Garson, Herbie Flowers, Mark Prichard e Luis Ramirez.
Le altre cover in scaletta non sono meno dinamitarde: da Seven Days di Annette Peacock a Highway Blues di Roy Harper, passando per Spirtis In The Night di Bruce Springsteen. Terminata la sua liason artistica (qualcuno vociferava anche sentimentale) con Bowie, la Cherry partirà per gli States, dove sul finire dei ’70 si unirà al grande cantante soul di Philadelphia Teddy Pendergrass. Per ora un’occasione irrinunciabile di riscoprire una madrina del più graffiante e groovy rock al femminile contemporaneo.

Don Cherry - Finalmente viene ristampato Music/Sangam

L’incisione di Music/Sangam risale al giugno del 1978, ma la sua disponibilità sul mercato è stata sempre affare per pochi eletti. Per la prima volta in digitale grazie ai nastri originali forniti dall’allora produttore Martin Messonnier questo piccolo/grande capolavoro etno jazz vede finalmente la luce per la label francese Heavenly Sweetness. Dopo aver partecipato ad alcune delle più intense session in ambito di jazz libero – su tutte la partecipazione al quartetto storico di Ornette Coleman (con la sezione ritmica di Charlie Haden ed Ed Blackwell) ed i lavori con Albert Ayler (memorabile Spirtis, senza nulla voler togliere ad altri rinomati album) – ed aver licenziato per Blue note dischi fondamentali come Symphnoy For The Improvisers, Complete Commuinon o Where’s Brooklyn, Don Cherry scopre progressivamente le sue origini. In questo si avvicina alle musiche ed agli strumenti esotici della tradizione indiana, brasiliana, africana, indonesiana e cinese. Siamo agli albori di quella che sarebbe poi divenuta l’obsoleta pratica della world music, in una miriade di fraintendimenti e falsi storici.
Ustad Ahmed Latif Kahn un membro del Delhi garana (una dinastia di musicisti indiana) ed abile percussionista, incontra Cherry durante un tour europeo appositamente schedulato da Martin Messonnier, nonostante i due non abbiano mai provato assieme. Nulla di artificioso dunque, i due musicisti s’incontrano sullo stesso terreno, condividendo le rispettive esperienze ed addirittura un buon senso dell’umorismo. Il termine Sangam vuole dire luogo d’incontro in sanscrito.
Don Cherry unitamente alla celebre pocket trumpet suona il gran piano, un organo Hammond b3 e dei timpani cromatici. Latif adeguandosi in parte agli stilemi occidentali, velocizza il suo approccio ed arriva anche a sovraincidere alcune parti di tabla al fine di rendere ancora più ricche ed articolate le intelaiature ritmiche.
E’ un disco fantastico quello che tornerete ad ascoltare. Ricco di sfumature, ritmi dispari e l’idea di mettere faccia a faccia culture diverse. Un disco trascendentale a distanza di 30 anni e più!

Dolemite For President!

Rudy Ray Moore nasce nel 1937 a Fort Smith, Arizona. Se negli anni 50 e 60 è stato Redd Foxx (proprio il celebre protagonista della sit-com Sanford & Son) a catturare le attenzioni di un audience smaliziata, coi suoi dischi all’insegna della più genuina party music, sarà Rudy Ray Moore a raccoglierne lo scettro per buona parte dei ’70, aumentando sensibilmente il tiro con testi espliciti e partecipazioni a film di genere a mezza via tra la blaxpoitation ed il soft porno. Personaggio scomodo anche durante gli anni della rivoluzione sessuale, Moore costruirà una serie di personaggi indimenticabili, almeno nella sfera dei più accesi seguaci di b-movies. A mezza via tra un gangster ed un santone, con tanto di abbigliamento regal/vampiresco in onore al maestro Screamin’ Jay Hawkins, Moore si fece largo a spallate nel mondo della celluloide.
Ristampato da Traffic Entertainment per la prima volta in digitale, il trittico composto da This Pussy Belongs To Me, Return Of Dolemite e Dolemite Is Another Crazy Nigger è un tripudio di doppi sensi e contagiose musichette a cavallo tra acid funk e proto-rap. Assieme ad Iceberg Slim, Moore può essere additato ad esempio da molti mc dei primi anni 80, col suo stile che anticipa prepotentemente anche le virtù della slam poetry. Tre dischi che conservano inalterato il fascino originale, risultando in una miscela black ad oggi ancora peccaminosa. Rudy è venuto a mancare nell’ottobre del 2008, quale migliore occasione per celebrarne l’ambigua stella?

Rodriguez Live

“Oggi, finalmente recuperato, suona ancora come un colpo di genio di folk psichedelico sporcato di soul e di blues” - XL

“In po’ Arthur Lee, un po’ Jose’ Feliciano, Rodriguez è un misconosciuto songwriter messicano di Detroit che nei primi anni ’70 pubblicò un paio di album patrocinati e prodotti da Mike Theodore e Dennis Coffey. La sensazione è che il culto possa finalmente dispiegare appieno le sue ali: ottimi songwriting, ambientazioni folk originali (oggi di gran moda) e arrangiamenti bizzarri e (a tratti) sonic” – BLOW UP

“Un genio riscoperto 30 anni dopo. Mentre stava lavorando in cantiere. Non è difficile contestualizzare l’album in quel periodo in cui anche gli Stones davano l’impressione di comporre seduti su un marciapiede, in esilio sulla Main Street; più sorprendente è la guizzante inquietudine dell’ex ragazzo di origine messicana, la sua disponibilità a farsi attraversare da mood psichedelici e folk, rock e blues”- ROLLING STONE

“Di che si tratta? Di pop e folk, Dylan e psichedelia, critica sociale e visionario realismo di strada, riuniti in dodici canzoni che hanno del miracoloso per come riescono a evocare quei tempi e quei luoghi con una nitidezza incredibile, suonando tuttora stupende” - RUMORE

“Se sul serio l’iniziale Sugar Man sembra sottratta a un Arthur Lee in stato di grazia, Only Good For Conversation scodella chitarre al fuzz da Ed Hazel al top. Se in Crucify Your Mind Bob Dylan incontra Van Morrison e in Inner City Blues chiama alla collaborazione Rovert Kirby, in Hate Street Dialogue Fred Neil flirta con il garage e Tim Hardin, salvo piazzare poco dopo una Everybody’s Talkin’ punto minore intitolata I Wonder" – IL MUCCHIO

“E’ il debutto (inedito da noi) di Rodriguez, misconosciuto autore di origini messicane con all’attivo solo un paio di LP (questo è il debutto, del 1970): strane incursioni pop nel soul psichedelico, con testi che oggi definiremmo urbani" – IL VENERDI’ di Repubblica

“Nel pieno di quel grande casino conosciuto con gli anni sessanta, Rodriguez non riesce a entrare nell’esercito, ascolta qualsiasi disco della Motown e poi Dylan, i Beatles, Leonard Cohen e tante altre cose. Un giorno incotra due tipi: Dennis Coffey, il chitarrista dei leggendari Funk Brothers, la band di studio della Motown e Mike Theodore, il suo partner in crime nel mondo della musica. Quei due lo portano in studio e nel marzo del 1970 la Sussex pubblica “Cold Fact”, il primo, bellissimo album di Rodriguez. qualche buona recensione, qualche passaggio radiofonico e nulla più. Ora quel disco è stato ripubblicato. è bellissimo. Ora tocca a voi, cioè a noi" - SUPERFLY

Limbo "Early Works"

I Limbo nascono nel febbraio del 1984 per merito di Gianluca Becuzzi, ad oggi una delle eminenze grigie della scena elettronica peninsulare. Dal momento della fondazione, con la sigla Limbo ha pubblicato ben dodici album, due mini, un box ed una cassetta, senza peraltro dimenticare raccolte a tema in cui compariva con tracce inedite. La frenetica attività discografica ha funzionato come trampolino di lancio per quella concertistica, con apparizioni dal vivo frequenti anche in Germania, Svizzera ed Austria.

Un esistenza discografica e artistica tormentata quella di Limbo, con repentini cambi di stile, personale ed etichetta. Un’unica costante riconoscibile: il distinto approccio oscuro ed elettronico. L’opera dei nostri è caratterizzata da una possente ricerca ritmico/timbrica e dal carattere altamente drammatico sia del mood sonoro che dei temi in essere: tecnologia e misticismo, scienza e neoprimitivismo, tanatologia e pratiche erotiche estreme. La qualità estetica, la coerenza concettuale e formale così come la continuità dei linguaggi sviluppati, hanno determinato lo status di culto che circonda il nome Limbo nel circuito underground internazionale.

Nel settembre del 2005 la rinata Spittle Records (già responsabile nel 1986 della stampa del mini-LP di debutto “IN LIMBO”) chiede agli ormai sciolti Limbo di pubblicare tutto il loro primo materiale: il demo d’esordio, il primo mini-LP ed una manciata di brani apparsi dai magazzini sotterranei della stessa label. Il risultato è “Early Works 1984-1987”, doppio-CD che include una versione digitale rimasterizzata e ripulita dell’intera produzione musicale di Limbo nei suoi primi anni.

Il remastering è stato curato da Diego Loporcaro (aka D. Loop), musicista già nell’ultima incarnazione dei Limbo, nonché produttore dell’album “Compendium: The Light Fall”, canto del cigno della formazione toscana. L’artwork è invece opera di Gianluca Becuzzi e Marco Formazioni: l’intero concept grafico di “Early Works 1984-1987” è basato sul materiale visivo originariamente utilizzato nelle due prime release della band.

Nonostante i Limbo appartengano alla storia, la loro eredità musicale è tale da segnare un passo importante nella crescita della scena underground di seconda metà anni ’80, la loro un’influenza estesa a buona parte dell’Europa continentale

RODRIGUEZ - Cold Fact

Cosa rende un disco un classico immediato? La sua reperibilità? Il fatto che sia stato citato a destra e a manca da musicisti più o meno illustri? L’idea di aver lasciato una traccia indelebile nella storia trasversale e macroscopica della pop music?

Per Cold Fact di Rodriguez valgono tutte le indicazioni di cui sopra ed un ulteriore – affatto trascurabile – dettaglio: il disco è stato per lungo tempo una rarità assoluta, quello che spesso ci affrettiamo a considerare come holy grail.
Ma mettiamo ordine in questa storia, che se non ha dell’eccezionale poco ci manca.

Sixto Diaz Rodriguez nasce nel 1942 da genitori messicani in quel di Detroit, Michingan, la motorcity altrimenti detta. Il suo album di debutto viene registrato nel corso del 1969, anno simbolo negli States con tutto il suo corollario di rivoluzioni politico-culturali. Vede la luce soltanto nel marzo del 1970. Cold Fact è un disco che nei suoi contenuti riflette tutto il fermento dell’epoca con storie di vita vissuta, amore ed emancipazione, senza per questo rinunciare alle contraddittorie riflessioni sulla nuova cultura delle droghe.

Il disco era co-prodotto dal chitarrista Dennis Coffey, leggenda vivente della black music tornata in auge dopo i ripetuti campionamenti ad opera di Beastie Boys e Mos Def. I Funk Bos. – mitologico combo che spesso funzionava come backing band nelle incisioni Motown (più precisamente negli anni compresi tra il 1959 ed il ’72, prima del trasferimento della label a Los Angeles) - fornivano la spinta necessaria a mandare in orbita le canzoni di Rodriguez, tinte con forti colori folk-psichedeleci. E non a caso la West Coast sembrava il territorio più affine musicalmente al nostro, che in alcuni segreti annuari della musica occupava un ruolo di tutto rispetto al fianco di Bob Dylan, Doors, Love, Shuggie Otis e Jimi Hendrix.

Un segreto anche la vita reale di Rodriguez, presto destinato a divenire una primula rossa delle scene rock. Non amava esibirsi in pubblico, tanto che ad uno showcase per soli addetti ai lavori pensò bene di mostrare le spalle durante tutto l’arco dell’esibizione. Un malessere che presto lo portò a tagliare i ponti con il mercato discografico ufficiale. Il personaggio era ingestibile ed ulteriori investimenti non furono certo avallati dalla sua etichetta. Che lentamente assiste alla sua scomparsa, praticamente nel nulla.

Destino analogo per Cold Fact che cade presto nel dimenticatoio. Almeno negli States…Dall’altra parte del mondo il disco è un successo, inseguendo una logica di mercato del tutto imprevedibile. Disco d’oro in Australia – dove sfonda il tetto delle 100.000 copie vendute – e sorte analoga in Sud Africa, dove in piena Apartheid l’album diviene anche una sorta di manifesto, con le sue impertinenti storie di rivalsa sociale.

Nonostante il conforto dei numeri Rodriguez diviene un’enigma, il suo abbandono è oggetto di mille congetture. Qualcuno lo vuole morto per overdose da eroina, altri parlano di una morte cruenta sul palco in fiamme. Altri – più ragionevolmente – lo vogliono in un istituto di igiene mentale.

Leggende, appunto. Rodriguez si affaccia in Australia in due occasioni, per brevi mini tour, nel 1979 e successivamente nel 1981. In questa seconda occasione dei giovanissimi Midnight Oil apriranno le date. Ancora silenzio. Rodriguez si è ritirato quasi a vita privata, cura i suoi interessi e quelli della sua famiglia nella natia Detroit. Fino a che un giornalista particolarmente volitivo – Craig Bartholemew – decide di vederci chiaro. E lo raggiunge presso la su abitazione. Rodriguez cade letteralmente dalle nuvole, non poteva immaginare che il suo disco fosse divenuto di platino in Sud Africa.

Ragion per cui s’imbarca nuovamente in un viaggio extra-continentale, per riempire piccole arene della capacità di 5000 posti in diversi luoghi del paese.

Eppure i paesi cosiddetti ‘occidentali’ continuano ad ignorarlo. Ci vuole la mano del dj/producer irlandese David Holmes per rendere il suo nome di dominio pubblico. Complice la raccolta Come Get It, I Got It, in cui compare la sua stellare hit Sugar Man, una ballata elettrica che si scioglie in fiumi di acido lisergico.

E’ con estremo piacere che la Light In The Attic di Seattle ristampa Cold Fact, ufficialmente per la prima volta. Circa 3 anni nella preparazione, proprio perché nessun dettaglio doveva esser lasciato al caso.

L'album verrà pubblicato in Europa il 28 Agosto in un’edizione deluxe in digipak, comprendente un libretto di 36 pagine, ricco di foto e testimonianze d’epoca, non ultima un’intervista verità con lo stesso autore.

The legend lives on!