I've always wanted to be a gangster

Per ATP il nuovo Tennis

2012-01-23T15:28:00.002+01:00

Il loro debutto per Fat Possum - Cape Dory - fece gridare al miracolo più di una testata ufficiale, ritornando con decisione agli anni novanta dell’alternative pop, puntando tutto sulla freschezza dei brani e sull’immediatezza dei temi. Il chitarrista Patrick Riley, la cantante Aliana Moore ed il nuovo entrato alla batteria James Barone si sono spostati in occasione di questo secondo album a Nashville, per lavorare in studio con Patrick Carney dei Black Keys.

Dopo aver portato la loro musica in giro per il mondo – fino a toccare le fredde lande moscovite – i tre intensificano i propri sforzi, al fine di dare un degno successore all’esordio. ‘Young & Old’ – licenziato in Europa da ATP - è così la conferma di un songwriting fatato, capace di rivedere in forma snella le istanze dell’indie-rock. Se Riley descrive la nuova direzione come una ‘Stevie Nicks in fase Motown’ è giusto anche valutare l’influenza del british-pop unitamente a quella dei nordici Cardigans, che con i loro motivetti jingle-jangle fecero perdere la testa a più di una persona. In 3 settimane il nuovo disco è completato, merito anche del mentore Carney, capace di esercitare un’influenza non trascurabile sulle sorti dell’album.

I Tennis continuano a stupire per le loro scelte artistiche, tanto che una serie di cover in download gratuito ha illuminato ulteriormente la loro giovane stella. ‘Is It True’ di Brenda Lee, ‘Tell Her No’ degli Zombies e più recentemente ‘Tears In The Typing Pool’ dei Broadcast hanno ampliato non solo lo spettro delle loro conoscenze, ma indicato quanto fosse eclettica la loro musa ispiratrice.

Su Exile On Mainstream la nuova fatica del gruppo di Minneapolis

2012-01-23T12:43:00.001+01:00

Influenzati da un numero di artisti così diversi – dal poeta urbano Bob Dylan al Roger Waters solista passando per campioni del minimalismo e della classica contemporanea come Philip Glass ed Arvo Pärt – il gruppo di Minneapolis ha trovato un linguaggio con il quale potersi esprimere tra le maglie di un post-rock cameristico ed intriso di autunnale malinconia. Cresciuti nell’appezzamento rurale di Hanska, Minnesota, in mezzo a poco meno di 400 anime, i nostri esprimono attraverso la loro musica un‘urgenza tipicamente provinciale, riflettendo un drammatico senso di solitudine. Un passato che rivive attraverso la loro musica, con interpretazioni che corteggiano un’atmosfera malinconia di fondo. Orchestra con grande presenza il leader West Thordson, coadiuvato da Sonja Larson (voce, violino), Rachel Drehmann (corno francese), Andrew Broste (basso) e Nicholas Conner (batteria e percussioni). Dopo il deciso debutto con ‘Through the Ides of March’, registrato dall’esperto Steve Albini, il gruppo si imbarca in un tour europeo proprio con la band di quest’ultimo: gli Shellac.

Guadagnato ulteriore spessore con il secondo album del 2006 As the Bluebird Sings, il gruppo incrocia anche la via dell’americana grazie alla produzione di Tom Herbers (Low, Soul Asylum, the Jayhawks, Victoria Williams) e ad una cover in salsa sperimentale di ‘The Times They Are a-Changin’ di Dylan. Nel 2007 viene inaugurato il sodalizio con la tedesca Exile On Mainstream, che frutta due album: Dry Land (nello stesso anno) ed il disco omonimo (2008). Dopo una sostanziosa pausa il gruppo – composto ora unicamente da Thordson e e Sonja Larson – abbraccia la via della tradizione con ‘To Forget’ il disco della loro definitiva maturità artistica. Dai lenti fraseggi slo-core alla polverose vie del roots-rock, una band che ha incrociato i sentieri di Low e Walkabouts, con grandissima personalità.

L'ideale compendio alla complessa scena wave italica

2012-01-20T12:21:00.003+01:00

«Quel che facciamo è una nostra interpretazione della notte, della città, del sentirci vampiri e non ghettizzati...», confessavano nel marzo 1980 alla rivista “Popster Rock” (servizio sulle “Brigate Rock” nostrane firmato da un certo Red Ronnie...) degli ancora adolescenti Neon. Puro “Twilight” con alcune decadi d’anticipo, e in sottofondo Ian Curtis che canta: “...To the centre of the city where all roads meet/waiting for you”. Chi poteva riuscirci meglio, del resto? Cupi, übercool, slegati da qualunque lacciuolo storico o geografico nel loro essere interamente “elettronici” (forse i primi in Italia, addirittura), ma al tempo stesso muscolari, quasi metal, e per la naturale predisposizione metronomica della drum machine, di certo più riconducibili alla (odiata) disco che al rock comunemente condiviso.

Quattro anni esatti dopo – marzo 1984 – sarebbero finiti sulla copertina di “Rockerilla” come migliore rock band italiana del 1983” secondo il plebiscito dei lettori, dichiando con grande lucidità ad Alessandro Calovolo: «Non vogliamo fare musica commerciale, vogliamo provare a cambiare il gusto della gente per essere considerati commerciali».

Mentre Firenze si godeva il suo irripetibile momento di neo-Rinascimento, il resto della penisola – capitale e “capitale morale” incluse – non è però che ridesse. Quella che faceva da sfondo alla prima generazione post-punk e new wave era un’Italia rigida, intorpidita, vittima di una “postmodernità istantanea” che, al solito, provava a sradicare – ma troppo repentinamente, senza anestesia – le radici contadine, riverniciando l’antico casolare di colorini fluo, sostituendo al focolare col paiolo una videoinstallazione di Nam June Paik e alle scarpe grosse un paio di Dr. Martens. Un’Italia concentrata in un faticoso processo di adeguemento alla contempraneità – come capì per primo e raccontò meglio di chiunque altro Pier Vittorio Tondelli, le cui pagine sulla lieta intellighenzia fashionista e culturalista, e sulla malinconia che ti coglieva al bancone di certi videobar, rimangono ineguagliabili anche a distanza di decenni.

Non è un caso se le band ripescate dentro questa raccolta – molte provenienti da quell’inesauribile serbatoio di decantazione e riflessione che fu ed è tuttora la provincia italiana – se da un lato sicuramente incarnarono l’entusiasta adesione ai tempi nuovi e ai nuovi suoni di allora (quelli della prima tecnologia finalmente quasi alla portata di tutti), dall’altro ci raccontano una realtà un po’ meno sorridente rispetto alla favoletta “anniottanta” che andava per la maggiore in tivù e sui giornali. A differenza dell’Italia, che nei palinsesti delle prime Reti private così come nelle interviste ai manager cosmopoliti piaceva raccontarsi ottimista e iperattiva (24 ore su 24!), le oscure e melanconiche band della new wave italiana mettevano in scena qualcosa di irrisolto, di cristallizzato: probabilmente un trauma (gli anni ’70?) dal quale non ci si era mai completamente ripresi.

Rispetto ai loro cugini inglesi – Clash in primis, poi Pop Group, 23 Skidoo, e Cabaret Voltaire – le band della new wave italiana vivevano in un mondo in cui era assente qualsiasi esperienza diretta di “multiculturalità”. La loro fu quindi una faccenda tutta di testa, da cameretta – pre-internet, letteralmente – ma proprio per questo ancora più peculiare. Retrospettivamente, la new wave italiana fu davvero il suono dell’orgoglio dell’assenza di altre radici che non fossero quelle dei propri consumi culturali. Tanto quanto quella generazione di fratelli minori che stava venendo su svezzata a tonnellate di cartoni giapponesi e telefilm americani (che rappresenteranno infatti – anni dopo – l’unica vera “esperienza condivisa” generazionale, in assenza della politica e di veri momenti d’aggregazione sociale).

Eppure, proprio ascoltando le band contenute qui sopra, si intuisce come la scena italiana non sarà mai più così “aperta” e felicemente innovativa come lo fu allora. Si trattò di una rivoluzione per pochi, certo, sotterranea non solo per vezzo. Confinata a qualche pagina sui due o tre mensili musicali specializzati (tra i cui lettori vigeva comunque una ben radicata esterofilia) o a certi angoli di austera programmazione Rai radiofonica (“Rockvillage” su Radio Uno il sabato all’ora di pranzo, “I pensieri di King Kong” il giovedì alle 18 su Radio Tre) e televisiva (ovviamente l’epocale “Mister Fantasy” di Carlo Massarini, ma su YouTube cercate pure tutto ciò che riuscite a trovare di quel glorioso spazio pomeridiano di Rai Tre intitolato “L’orecchiocchio”: lo presentava – ooops! – un certo giovane trombone di nome Fabio Fazio...). Ma fu una vera rivoluzione. Democratica, persino, con quel sottotesto post-punk D.I.Y. di “tutti possono farlo”. Senza paura. Incontro a un futuro che, allora, riusciva ancora a essere immaginato.

Il talento cristallino di Eric Chenaux

2012-01-20T12:17:00.001+01:00

Eric Chenaux è uno dei più rispettati musicisti sperimentali di estrazione rock canadese. Il suo stile chitarristico e le sue capacità compositive gli hanno permesso di ritagliarsi un ruolo chiave nel circuito underground nord-americano. Come molti dei protagonisti della musica indipendente contemporanea, Eric ha trascorsi nell’universo hardcore-punk locale, essendo stato – nel particolare – il fondatore del gruppo culto di Toronto Phleg Camp. Ampliati a dismisura i suoi orizzonti artistici, Eric inizia a flirtare con numerosi generi, abbeverandosi alle fonti della musica improvvisata, dell’avant-folk, del più trasversale jazz e della contemporanea. Dal 2006 Constellation è il suo nuovo asilo artistico, una fiducia ripagata da lavori di grande pregio, in cui la sua cristallina tecnica chitarristica è messa al servizio di una sentita immersione nei temi delle tradizioni folk, dal post-moderno al medievale.

Il suo quarto album per l’etichetta canadese esprime i suoi contenuti sin dalle note di copertina. ‘Guitar & Voice’ è così unicamente costruito sulle sue evoluzioni vocali ed alla sei corde, senza alcun intervento esterno. Il lavoro scientifico di one-man band tocca profondità sensibili, aprendo a numerose intuizioni. I quattro brani cantati sono chiaramente in linea con lo spirito di antiche ballate, riviste e corrette dalla tecniche estese del nostro, che incamera puntuali diversivi tematici. E’ del resto nelle sue corde prendere spunto da sonorità così diverse, tanto da lambire la musica popolare e l’avanguardia senza trascurare i possibili scenari intermedi. Parliamo anche di folk scozzese, psichedelia in salsa noise, musica barocca e chissà quant’altro. Con l’eccezione degli 8 minuti di ‘Sliabh Aughty’ – la cosa forse più vicina all’estetica hendrixiana mai concepita da Eric – tutti i brani strumentali sono piccole miniature di sorta. Spesso registrate in chiave acustica ed amplificate da uno speaker di marca Leslie per ricreare un effetto quasi ovattato. Le registrazioni sono state effettuate presso il Six Saint V (lo studio/appartamento che Constellation mette a disposizione per i musicisti in visita a Montreal), il mix finale terminato all’istituzione Hotel2Tango dall’ingegnere del suono locale Radwan Moumneh. Come nella tradizione di Constellation l’album è disponibile in cd, download digitale e nella solita stellare edizione in vinile 180 grammi con tanto di poster serigrafato.

La nuova canzone folk-politica dal Canada

2012-01-20T12:15:00.001+01:00

Gli Elfin Saddle ampliano la propria agenda compositiva e concettuale in Devastates, il terzo album della band è forse la sua creazione più immediata e passionale. Il gruppo di Montreal – guidato dai poli-strumentisti Emi Honda e Jordan McKenzie (che si dividono anche gli oneri vocali) - ha sempre mostrato un profondo interesse per questioni che riguardano l’eco-sostenibilità e l’impatto delle politiche economiche, puntando sempre ad un’alternativa che potesse rivoluzionare gli usi ed i costumi locali. Oltre alla sfera musicale il talento di Elfin Saddle si estende alla sfera artistica, dove le loro video-installazioni sono già un evento di portata internazionale. Devastates si presenta come un’operetta costituita da un ciclo di canzoni dagli ibridi toni folk, dove le due voci – l’uso del giapponese da parte di Honda è una delizia – si incrociano in maniera perpendicolare.

Si ricorre a strumenti altrettanto esotici, tra piccole percussioni, fisarmonica, glockenspiel ed organo a pompa. L’inserimento di Kristina Koropecki al violoncello – parallelamente agli interventi del terzo membro riconosciuto Nathan Gage (Shapes & Sizes) al contrabbasso – permette al gruppo di seguire un ondivago andamento ritmico/melodico. Registrato presso una piccola cappella abbandonata nel Quebec rurale, il disco conserva una speciale intimità nella sua umile epicità, ancorato com’è ad un’estetica do it yourself. Un disco che rinverdisce il fascino delle canzoni di protesta, una voce fuori dal coro che rivendica tutte le potenzialità della più creativa folk music.

A Place To Bury Strangers esordiscono per Dead Oceans

2012-01-20T12:12:00.002+01:00

Senza alcun test ufficiale ‘Onwards to the Wall’ è in assoluto il master più rumoroso presentato per approvazione al quartier generale di Dead Oceans. Solitamente i ‘provini’ si suonano a tutto volume al fine di scovare ogni più impercettibile imperfezione, contrariamente alla prassi questa volta il volume del potenziometro è stato spostato verso il basso.

Nessuna novità a ben vedere, il gruppo di Brooklyn è accompagnato da una discreta fama per quello che riguarda le performance ‘urticanti’. The Kills, Nine Inch Nails ed altri campioni del rumore declinato in forma canzone come i My Bloody Valentine, ne hanno fatto a loro modo le spese, scegliendoli come gruppo d’apertura. Ora accompagnato da un terzo elemento, il bassista Dion Lunadon, originariamente nei D4, il leader e costruttore di effetti a pedale Ackerman ha costituito la line-up definitiva per dar sfogo ad un sound voluminoso su fondali melodici. Per fornirvi un esempio ‘So FarAway’ prende spunto dalla perfetta purezza pop di ‘The Letter’ dei Box Tops per rilanciarla in un vortice di scura energia. A sua volta la traccia che titola il disco trova il bilanciamento perfetto tra i classici motivi del sixties pop ed un suono rovinoso, apocalittico verrebbe voglia di dire. APTBS sono tra i protagonisti del nuovo white noise. Questo è un nuovo capitolo, un preludio ad un album esteso previsto all’orizzonte. L’introduzione è più che convincente.

Hyperdub pontifica sulla nuova dance inglese

2012-01-20T12:05:00.002+01:00

Scratcha aka DVA è un produttore e Dj dai nobili trascorsi. Le prime esperienze risalgono al periodo d’oro del movimento grime, quando era solito accompagnarsi ad un pioniere quale Wiley. Selezionato da Hyperdub, pubblica nel 2010 il singolo ‘Natty’ , introducendo sostanziali varianti nel suo stile, ora più sensibile agli incroci trasversali tra elettronica e r’n’b. Il suo debutto sulla lunga distanza è stato anticipato dal singolo da urlo ‘Madness’, di cui è protagonista il vocalist nero Vikter Duplaix, uno dei nomi di riferimento del soul digitale americano, adorato da una personalità dell’etere come Gilles Peterson. Dal 2005 Scratcha è anche attivo con il suo personale radio show ‘Grimey Breakfast’, sponsorizzato dalla onnipresente Rinse FM.

'Pretty Ugly' dimostra tutta la sua abilità nel creare scenari dance dal piglio urbano e propensi a scandagliare il lato oscuro dell’anima. Sensibile ad ogni stimolo esterno, Scratcha raccoglie non solo i germi delle recenti rivoluzioni in fatto di musica ritmica – dal grime per l’appunto fino ad arrivare al dupstep – ma punta direttamente al cuore del dancefloor, scegliendo diverse partner vocali. E’ una marcia d’avvicinamento verso il formato canzone, senza però trascurare tutto uno scheletro ritmico che ha del sensazionale. Non solo Londra, ma anche Chicago e Detroit sembrano occupare un posto di tutto riguardo nelle gerarchie del produttore. Perché filamenti di musica house e scampoli di techno futurista sembrano farsi largo tra le maglie di questo album, autentica soul music per la generazione Blade Runner. Le voci appartengono ad alcune delle più gettonate artiste del suo programma radiofonico: Natalie Maddix, Muhsinah, A.L, Zaki Ibrahim, Fatima e Cornelia. Abbandonando qualsiasi confort hanno approcciato lo studio come una vera sfida, scrivendo testi con piglio deciso.

La title track ad esempio vede Cornelia riflettere su frustrazione ed insonnia. Mentre in 'Why You Do?', A.L. canta dell’essere defraudati in maniera ‘elegante’. Fatima reclama più spazio in una nuova versione di 'Just Vybe' (già uscita su 12” per Hyperdub) e Zaki Ibrahim parla di uno strano ed incandescente amore in 'Fire Fly'. Virtuoso anche dal punto di vista lirico ‘Pretty Ugly’ si pone sin d’ora come una delle pietre d’angolo della rinascita dance made in England.

Il dream pop di Frankie Rose ed una compilation in free download per Memphis Industries

2012-01-19T13:07:00.003+01:00

Letteralmente folgorati dall’album licenziato nel 2010, i responsabili di Memphis Industries tornano sul luogo del delitto con il nuovo disco di questa piccola grande icona dell’indie americano. Supportata da The Outs, Frankie Rose ci delizia con un album dalle esili forme pop, pur mantenendo inalterato un luminescente dna. Celebre anche per aver suonato la batteria con Crystal Stilts, Vivian Girls e Dum Dum Girls, Frankie sa esattamente come far collidere le istanze del girl-pop con gli arrangiamenti cari a sua maestà Phil Spector. Nel dettaglio un muro di suono costruito su costanti riverberi e sulla bontà di canzoni che girano su due semplici – avvampanti – accordi. Il titolo Interstellar dovrebbe sollevare più di una questione sul carattere celestiale del disco, possiamo solo confermarvi che queste canzoni hanno in dote la serenità dei classici senza tempo. Si parla dunque di uno spazio maestoso e gentile, in cui fare albergare brani dai tratti onirici.

La produzione curata da Le Chev (remixer di grido anche per Lemonade, Narcisse e Passion Pit), aggiunge ulteriore lustro all’album.Una grandeur pop, che non rinuncia a certe affinità con lo shoegaze britannico ma anche con un’ estetica new romantic e - perché no – glam. Tra le righe una figura elegante come Brian Ferry potrebbe rispecchiarsi in questa pop-wave d’autore. Frankie ha puntato tutto sulla qualità del suono, rinunciando al fuzz ed evidenziando le scorie di una cultura eighties. Non è il trionfo di un sentimento retrò a tutti i costi, ci sono molti dei suoni familiari di questa decade, semplicemente ricollocati in un contesto inedito.

La paradisiaca ‘Had We Had It’ punta su strofe zuccherose mentre i tratti elettronici di ’Gospel / Grace’ sembrano riportare in auge i lunedì blu dei New Order. Per tanta foga ritmica c’è l’interpretazione intima di ‘Apples For The Sun’ una voce che si staglia su di un pianoforte solitario, roba da togliere il fiato. Molti degli elementi all’interno di Interstellar riflettono sull’idea stessa della sparizione, un sentimento che si riferisce ad una zona immaginaria. Il sogno è solo una conseguenza, ed abbandonarsi all’intro di violoncello di ‘The Fall’, renderà addirittura plausibili i paragoni con un altro profeta del parallelo universo pop: Arthur Russell. Un viaggio lontano, semplicemente da immaginare.

Per farvi un'idea della bontà del progetto - e delle recenti uscite su MI - vi rimandiamo ad una compila in free download curata dalla stessa etichetta http://soundcloud.com/memphisindustries/sets/memphis-industries-eleven-for/s-m236R

Un Beirut in libera uscita

2012-01-18T17:30:00.002+01:00

Kelly Pratt è Bright Moments, ma non pensate all’estensione di un cantore intimista , i suoi trascorsi in alcune delle formazioni più esclusive della Big Apple – e non solo – gli ha consentito di guadagnarsi un seguito rispettabilissimo, nonchè la presenza di altrettanti musicisti locali in studio. Registrate le prime tracce con cura maniacale nel proprio appartamento newyorkese, Kelly ha poi provveduto ad un editing deciso, potendo contare su amici vicini e lontani.

Natives (che esce per la Luaka Bop di David Byrne) può essere l’introduzione ufficiale alla musica di Bright Moments, ma per chi ha frequentato assiduamente l’universo indie degli ultimi 10 anni, potrà notare la presenza del polistrumentista in alcuni degli album decisivi degli ultimi due lustri. Avrete udito la sua tromba all’interno di numerosi brani dei Beirut, che unitamente alle sue armonizzazioni vocali sono punti fermi nelle esibizioni dal vivo. E’ stato poi responsabile di alcuni dei più brillanti arrangiamenti fiatistici per Neon Bible degli Arcade Fire, suonando un po’ tutti gli strumenti della famiglia, dal filicorno al flauto. Come se non bastasse, è stato anche parte della sezione fiati nelle prime uscite di LCD Soundsystem.

La sezione ritmica dei Beirut (Nick Petree e Paul Collins) ed il fisarmonicista Perrin Cloutier, unitamente al batterista dello strepitoso gruppo afro-beat Akoya, sono alcune delle presenze ricorrenti in Natives. In alcuni dei brani Pratt utilizza la sua tromba come uno strumento percussivo, altrove come accessorio per campionare inusuali beat di stampo world music. I testi sono altrettanto eclettici, alcuni di loro ispirati da un vecchio libro di poesie scandinave, scoperto casualmente in tour.

Forse non è la cosa più semplice scoprire il battito d’ali campionato di un pipistrello in ‘Milwaukee’ o l’acqua nella vasca da bagno che in ‘Traveling Light’ assume un sinistro tono percussivo. Sono questi dettagli – udibili e non udibili – che consentono a Natives di distinguersi, rivedendo i contorni stessi dell’indie-rock. E’ un disco pop allestito da un musicista abile nello svincolarsi dai luoghi comuni. Pratt ha messo in piedi questa piramide trascorrendo un anno nel suo studio casalingo - da lui simpaticamente definito tomba strumentale – muovendo tra una dozzina di strumenti a fiato, sintetizzatori e chitarre. Gigabytes di field recordings e suoni ‘trovati’ hanno poi permesso la costruzione di basi davvero intriganti. Grazie anche al lavoro in post-produzione di Jim Eno degli Spoon, il disco ha un corpo unico e sembra tradurre i concetti di una mente superiore, almeno nell’ambito dell’alternative pop. Tra inni tzigani, bande rumorose ed un’idea di orchestra-rock fuori dal comune, Pratt ci dice la sua sul giro del mondo in 80 giorni.

L'esordio solista del chitarrista dei Black Crowes

2012-01-17T15:04:00.002+01:00

Con i Black Crowes temporaneamente al palo, quale momento più opportuno per licenziare un debutto solista con tutti i crismi? Ci pensa l’altra figura cardine del gruppo, il chitarrista Rich Robinson, fratello del più chiacchierato frontman Chris, ad esordire con un disco che in maniera discreta sposta il focus rispetto al gruppo madre. Rich mostra con ‘Through A Crooked Sun’ – pubblicato in Europa da Circle Sound Records con ben 4 tracce extra - di essere un songwriter complete, capace per di più di avventurarsi nei luoghi della memoria con fare sorprendente. La sua carriera artistica inizia coi corvi da giovanissimo, con un successo planetario che lo investirà letteralmente. Fama e denaro, una moglie meravigliosa ed una reggia. Ma in un battito di ciglia, molte cose rischiano di venire a mancare. Quale migliore terapia allora di una seduta musicale? Un esorcismo per mantenere intatta la propria grazia ed il proprio talento. Un album che a ragione può essere considerato uno spartiacque.

Pur mantenendo un rapporto saldo coi Black Crowes, il nostro ha potuto salvaguardare la sua integrità artistica, approfittando della lunga pausa, stabilita di comune accordo proprio per preservare l’energia dei singoli musicisti. Rich è anche un un incredibile artista visuale (se ne volete sapere di più puntate il vostro browser su www.richrobinsonart.com). E’ palese come la veste solista abbia consentito al chitarrista di esprimersi sia a livello lirico che squisitamente musicale, lavorando ad un numero invidiabile di idee. Benintesi, questo è un vero e proprio caleidoscopio, la conferma di una statura importante. Si trascende proprio l’essenza intima del rock’n’roll, puntando in direzione di una musica soul molto cruda e prendendo la tangente psichedelica in più di un’occasione. Farsi cullare dalle buone vibrazioni, sembra suggerirci questa pratica Rich, perchè questo è un disco da ascoltare da cima a fondo, sgombrando la mente da ogni recente ricordo. Dal blues delle origini al southern-rock, dalle visioni lisergiche di Haight-Ashbury (il buon Jerry Garcia gradirebbe e come…) ad un ibrido black-folk che suona come una geniale intuizione. Di certo ‘Through A Crooked Sun’ è una di quelle rivelazioni che illuminano la scena ‘americana’ tutta.

Torna la leggenda vivente del soul!

2012-01-16T10:50:00.001+01:00

Lo stagionato veterano del soul Lee Fields torna a marzo con un nuovo album per Truth & Soul, scegliendo un titolo quanto meno indicativo: Faithful Man. La musica del nostro – grazie al sempre prezioso apporto degli Expressions – assume toni più confidenziali, accomodandosi in maniera confortevole tra storie che nel quotidiano trovano una risoluta eco. Arrangiamenti cinematici e corde tese, per un 2012 che porterà in dote una serie di apparizioni live importanti e verrà introdotto dal singolo apripista ‘You’re The Kind Of Girl’.

Dalla pubblicazione nel 2009 di ‘ My World’ – l’album che lo ha prepotentemente riposizionato in campo – Lee Fields con annessa compagine, ha sparso germi soul in lungo e in largo, con un fitto programma di esibizioni dal vivo, che non hanno fatto altro che confermarne la statura di gigante, giusto un gradino al di sotto dei ‘godfathers’ James Brown ed Al Green. Pubblicato ancora una volta dalla label di Brooklyn – che sta vertiginosamente estendendo il suo dominio sulla scena black contemporanea – il disco è stato prodotto dai co-proprietari e musicisti Jeff Silverman e Leon Michels. Per intenderci questi sono gli stessi artisti che hanno spopolato con il successo globale di Aloe Blacc ‘I Need A Dollar’ ed hanno prodotto altrettanti capolavori per il gruppo di casa (El Michels Affair), Adele, Liam Bailey, Ghostface Killah e Jay-Z, per limitarsi ad una manciata di nomi.

Non molti autori che vantano pubblicazioni nel 1969, possono reclamare un posto al sole anche ai giorni nostri. E’ proprio sul finire di quella decade che il vocalist – nativo della North Carolina – inizia a mettere in fila una serie di lavori che ne faranno un autore prolifico anche nel corso della decade successiva. Con un carriera che si estende prodigiosamente per oltre 40 anni di attività, Lee è davvero una delle più credibili e consistenti figure della black music odierna.

Get on the soul train!

2012-01-10T11:30:00.001+01:00

Se una musica dalle movenze eleganti e sofisticate, ma allo stesso tempo intensa e verace, è nelle vostre corde non dovete fare altro che bussare alla porta della Penniman Records. Con grande orgoglio l’etichetta spagnola ci introduce al suono di The Excitements, formazione che solo per uno scherzo della natura ha conosciuto i suoi natali a Barcelona. Completamente immersi nella filosofia R&B / Soul che ha costellato tanto i sessanta quanto la prima parte dei settanta, i nostri sembrano direttamente atterrati con un volo intercontinentale da Detroit o Chicago, giusto in tempo per porre gli ultimi ritocchi ad un’esaltante rappresentazione musicale. In altre parole The Excitements sono un ritrovato medico eccezionale, una profilassi naturale per alleviare i vostri momenti più grigi e proiettarvi idealmente in quella stagione della black music che ha accompagnato innumerevoli sommovimenti sociali. Sei musicisti dinamitardi ed una voce – quella di Koko Jean Davis – che si ricava un ruolo da protagonista, interpretando con grazia e calore le fulminanti composizioni del combo catalano. Un piglio deciso che può avvicinarsi a quello di interpreti straordinarie del nostro tempo come Sharon Jones e – in misura minore – Alice Russell.

La carriera del gruppo è stata folgorante, dopo le prime apparizioni in pubblico del 2010, la scalata al successo è stata graduale ma inesorabile. Dopo aver conquistato i maggiori club della penisola iberica, il gruppo è pronto ad esordire sulla lunga distanza con l’album omonimo. Prodotto da un veterano come Mike Mariconda (uno di quegli uomini che ha elevato il garage rock ad arte sublime, militando in Raunch Hands e Devil Dogs) il disco rispetta le consegne di un approccio live. Per Koko e compagni è anche importante ribadire le proprie origini, tirando fuori dal cilindro alcune delle proprie influenze. Tanto che le cover assumono un sapore del tutto speciale: ‘From Now On’ di Nathaniel Mayer, ‘Wait a Minute’ di Barbara Stephens e ‘Never Let You Go’ di Little Richards sono classici rivisti con passione ed intraprendenza. Ma aldilà di tutto, l’obbligo che avete in questo momento è quello di precipitarvi ad ascoltare questo fulminante esordio.

Wino & Conny Ochs, two black souls

2012-01-09T16:18:00.001+01:00

Scott “Wino” Weinrich, il motociclista di Washington Dc, è una di quelle icone della musica rock americana che difficilmente raggiungerà lo status di artista mainstream. Assolutamente padrone del suo destino – nell’ accezione più ampia del termine – Wino era un autentico outsider nella capitale degli States alle soglie degli anni’80. Faceva stranamente quadrato con i punks locali – Ian MacKaye in primis – e sfoggiava i suoi racconti da cripta con gli Obsessed, formazione che avrebbe pre-conizzato il revival del suono Black Sabbath. Quando si trasferì in California nella prima metà degli anni ’80, ad accoglierlo trovò i Saint Vitus, una delle rare band ad aver abbattuto lo scetticismo hardcore/punk , facendo breccia nel catalogo della benemerita SST.

Wino non si è mai fermato e ancora oggi attraverso innumerevoli sigle – da Hidden Hand al supergruppo Shrinebuilder (con gente di Neurosis e Melvins) – continua a portare il vessillo di uomo nero. E nessuna sorpresa se in una delle recenti sortite in solo sia andato proprio a scomodare the man in black Johnny Cash, con quel magistrale piglio scarno. Proprio da qui si riparte. Con un nuovo disco realizzato per la teutonica Exile On Mainstream, concepito a 4 mani con il giovane virgulto Conny Ochs. L’atipico folk singer apriva le date del tour di ‘Adrift’ nel 2010, catturando immediatamente le attenzioni di Wino. Non solo un singolare approccio alla musica, ma anche una filosofia di vita che li accomunava, tanto è bastato a farli ritrovare allo storico Kabumm Studios di Berlino, per dar vita a 10 brani originali, solennemente acustici, animati da una solfurea vena spirituale. Una sola cover, ed anche qui sembra tutto già scritto: ‘Highway Kind’ di Townes Van Zandt. Benvenuti nell’inequivocabile campo di Heavy Kingdom.

Esoterismo drone-folk

2011-12-19T12:57:00.003+01:00

Un capolavoro minimalista - Winter Lady, secondo album in solo per Alicia Merz in arte Birds Of Passage – vede il ritorno alle atmosphere melanconiche e desolate dell’acclamato debutto Without The World. E’ un invito ad entrare in punta di piedi nel suo fragile mondo, un viaggio accattivante attraverso scenari di grande euforia ed agonia, un ulteriore spinta all’innovazione ed alla ricerca con una sigla destinata ad affermarsi nel circuito del drone-pop.

La tendenza a permeare strutture asciutte con figure ripetitive, consente alla nostra di armarsi unicamente di registrazioni sul campo e piccoli strumenti per definire un viaggio audio che fotografa l’inverno stesso. Non mancano certo riferimenti all’ala più colta del dark-pop come a certo classicismo folk da camera.

La capacità di catturare l’immaginazione di un amplio numero di ascoltatori è la chiave di volta in un disco che rappresenta la sua affermazione artistica. Capace di stabilirsi nella stessa categoria di Sigur Ros, Cocteau Twins e Zola Jesus, Winter Lady punta dritto al cuore dell’anima, con i suoi quadretti intimisti che lasciano intravedere una grazia solenne. Registrato da Nils Frahm, che molti conosceranno per i dischi su Erased Tapes, l’abbraccio della Merz è ottenebrante.

Angels Of Darkness/Demons Of Light II

2011-12-19T12:31:00.002+01:00

La seconda parte di Angels of Darkness/Demons of Light vede finalmente la luce, a meno di un anno dal primo capitolo di questa emozionante saga che ha riportato prepotentemente in auge il suono country-doom dei mercanti del Northwest. Registrato nelle stesse due settimane del primo paragrafo da Stuart Hallerman e masterizzato da Mell Detmer, il disco espande se possibile la vena free folk del gruppo, prestando fede ad una chiave cameristica. Ancora una volta la presa diretta ha aiutato a sviluppare liberamente le idee, nella ricerca di una spontaneità mai messa a repentaglio.

Angels Of Darkness/Demons Of Light II è sorprendente per molti versi, non ultimo per il tenore improvvisativo del disco. Brani come 'Sigil Of Brass' e 'The Corascene Dog' enfatizzano perfettamente l’interplay del quartetto, ancor più sublime rispetto al capitolo precedente. Tutto questo mentre 'His Teeth Did Brightly Shine' punta ancora una volta verso il fok acido inglese, riscoprendo il dinamismo lisergico di un’intera generazione. Ed è come se una brezza di fiducia soffiasse sul disco, lasciando pensare ad una progressione meno oscura e mortifera. Un ritrovato Dylan Carlson dunque, che ha imparato a convivere con i suoi fantasmi ed ha ritrovato la luce nella sua stessa arte.

Assieme al leader ritroviamo Adrienne Davies (batteria e percussioni), Lori Goldston (Nirvana, David Byrne, Black Cat Orchestra, Laura Veirs) al violoncello e Karl Blau (K Records, Laura Veirs, Microphones) al basso. Folgorati nuovamente dall’artwork di Stacey Rozich, siamo certi che questo inverno dell’anima sarà meno rigido.

Il delitto pop perfetto, da Sunderland

2011-12-19T12:07:00.001+01:00

Sul senso ultimo di indie-pop i Field Music (nome d’arte dietro al quale si celano i fratelli Peter e David Brewis da Sunderland, Inghilterra) hanno costruito un’intera carriera, mettendo a segno con il nuovo Plumb – pubblicato da Memphis Industries – la stoccata vincente. Lavorando al pari di una piccola orchestra i due utilizzano lo studio di registrazione a proprio piacimento, lanciandosi in questo quarto album nella costruzione di anthem spaziali, che sembrano divorare decenni di musiche d’autore dalla costa ovest degli Stati Uniti a Liverpool, passando per le stazioni FM rock americane più patinate. Ce n’è voluto di tempo per mettere insieme questa opera, nei suoi minimi particolari si scopre il gusto per arrangiamenti sofisticati, una scrittura di quelle raffinate che non lasciano spazio ad alcuna indecisione strategica.

Registrato nel corso del 2011 presso il loro multifunzionale studio sulle rive del Wear a Sunderland, il disco si compone di 15 canzoni, succinte nella durata, a rispettare quel formato radiofonico che per anni è stato cruccio di tutte le imprese discografiche che si rispettino. In appena 35 minuti si raccoglie una filosofia di vita, tanto che le canzoni di Field Music assumono spesso i toni del diario giornaliero, con titoli come paragrafi speciali. ‘Start The Day Right’. ‘ A New Town’, ‘Who’ll Pay The Bills?’, ‘Ce Soir’, come a sfogliare pagine di un registro personale. Si torna all’essenzialità ed alla quotidianità della musica pop, con pagine quotidiane che ben si amalgamano a composizioni di grandissima presa.

Perfezionisti, possiamo fotografarli in questi termini inediti. I Brewis appartengono a quella stessa lega di fenomeni contemporanei come Eels o Beta Band. Ma le origini di questo suono sono forse da scorgersi nei passi post-pubertà dei fab-four, negli oceani infiniti dei Beach Boys e nel mare magnum dell’Electric Light Orchestra. Mai il classicismo è parso così moderno.

Una delle eroine dell'r&b di nuovo tra noi

2011-12-19T11:27:00.003+01:00

Un talento straordinario della musica nera è di nuovo tra noi, una delle voci più distinte dell’epopea r&b, una delle protagoniste del soul funk dei ’70 ad un passo dalla rivoluzione disco. Betty Wright incrocia la strada del rinnovamento unendo le forze con una delle istituizioni della black contemporanea: i Roots, un biglietto da visita di per sè sensazionale, potendo solamente immaginare i ‘numeri’ di questa collaborazione.

"Betty Wright: The Movie" rispetta in toto le attese, servendo offrendo 14 primizie soul-funk che hanno il passo e le caratteristiche degli anthem moderni, rispettando le consegne della ‘storia’. I brani sono stati scritti e prodotti a sei mani dalla stessa Betty con il batterista Ahimir "Questlove" Thompson dei Roots ed Angelo Morris. Come se tali garanzie non fossero sufficienti anche gli ospiti hanno dei tratti ‘somatici’ importanti. Due stelle del firmamento hip-hop, due ragazzi terribili come Lil Wayne e Snoop Dogg mettono ulteriore pepe nell’album, mentre l’intervento della talentuosa Joss Stone è quasi un omaggio in termini ad una delle sue figure ispiratrici.

Della Wright si è parlato troppo poco negli annali della musica nera. Un talento naturale il suo, sembra addirittura che questa eroina del funk abbia iniziato a cantare in tenerissima età, praticamente appena iniziò a muovere i primi passi.

Il suo primo singolo arrivò all’età di 13 anni – quando la parabola degli anni sessanta volgeva al termine - mentre la prima hit si concretizzò a 19 con "Clean Up Woman" , che segno il passò con uno stile già deciso. L’inizio di una scalata decisa con qualcosa come 15 nominations ai Grammy. La Wright ha raccolto oltre trenta top hits, battendo un record personale con la sua personale etichetta Ms. B Records e l’album disco del 1988 Mother Wit, primo disco d’oro indipendente ‘autoprodotto’ al femminile.

Le canzoni di Betty sono state campionate a destra e manca: alcuni celebri break si ritrovano nelle produzioni di Afrika Bambaataa, Color Me Badd, Lauren Hill, Tupac Shakur e Snoop Dogg. La Wright ha suonato con tutti i mammasantissima dell ‘universo black, da James Brown a Bob Marley, ed ha prestato le sue doti canore a Stevie Wonder e Michael Jackson. E’ stata mentore e produttrice vocale per Gloria Estefan, Joss Stone e finanche Beyonce, fino ad approdare agli studi televisivi di MTV nel ruolo di vocal coach nella serie a tema condotta da P Diddy a titolo "Making The Band”. Questa è la sua prima registrazione da studio da 10 anni a questa parte ed è ancora un distillato di pura magia.

Dalle Hawaii nuova sensazione in casa Easy Star

2011-12-16T14:28:00.002+01:00

Quattro talenti straordinari, quattro ragazzi provenienti dalle Hawaii e già protagonisti di un album di debutto da antologia. Finiti nella reggae top ten di Billboard nel 2010, i nostri furono anche onorati con l’ iTunes’ Reggae Album of the Year. Con 20mila copie vendute The Green hanno stabilito un bel primato, pronti a ripetersi con l’opera prima per la newyorkese Easy Star: Ways & Means.

Partendo dall’assunto che la loro musica debba essere accessibile a tutte le età, il chitarrista/cantante Zion Thompson ci tiene a mantenere un approccio fluido, identificabile, senza mai prescindere dal groove e dalla melodia, che spesso si tinge anche di influssi pop naturalmente occidentali.

Il tratto saliente dei Green corrisponde all’utilizzo della voce, lo strumento che tutti e quattro i membri condividono, spesso anche all’unisono. Una gamma di possibilità maggiore quindi, per armonizzare una miscela di per sè solare. Caleb Keolanui e JP Kennedy sono cugini di primi grado che si sono fatti le ossa nella band Next Generation. La sensibilità pop/dancehall dei due contribuisce a canzoni tanto sofisticate quanto irresistibili come “Decisions” e “Love & Affection”, con un calore raro.

A chiudere il quadro il feeling soul e blues del chitarrista JP Kennedy, un musicista navigato che contribuisce a rifinire la consciousness dei Green con interventi magistrali. Pur spingendosi oltre gli steccati del genere, i ragazzi riescono comunque a rievocare le buone vibrazioni classiche di Third World e Steel Pulse in canzoni come “Jah Love” e “Travlah”.

Ad ampliare la formazione Ikaika Antone e Zion Thompson, direttamente dalla band Stir Crazy. Con la produzione assistita di Danny Kalb (Ben Harper), Michael Goldwasser (Easy Star All-Stars) e Jim Fox (Rebelution, SOJA, Israel Vibration) il messaggio dei Green sta per essere sdoganato ai fruitori di black music ad ogni latitudine.

Il soul-rock di Phenomenal Handclap Band

2011-12-15T12:40:00.003+01:00

Ai Phenomenal Handclap Band piace da morire il Tullio De Piscopo di ‘Stop Bajon’ . Del resto l’italo disco ha sempre permeato profondamente la mappatura della club culture newyorkese. I conti tornano con ‘Form & Control’ loro secondo album, dopo un esordio che aveva lasciato molti a bocca aperta. Un disco apertamente più dedito al dancefloor, con un groove febbrile in grado di provocare forti giramenti di testa.

Salutati trionfalmente dal New Musical Express ai tempi del debutto omonimo – si facevano I nomi di Sly & The Family Stone e Tom Tom Club – i sei newyorkesi si iscrivono in quella school of fame che sin dai ’70 ha prodotto piccoli e grandi talenti.

Onnivori, questo è un dato di fatto. Tra i solchi di ‘Form & Control’ prende vita una musicalità fresca, gioviale, in cui il rock da radiolina si incastona nei labirinti del ritmo, per una nuova stagione del funk bianco. ‘The Right One’ e ‘The Unknown Faces At Father James Park’ sono gli indizi che portano alla soluzione del giallo. I Phenomenal Handclap Band sono oggi il corrispettivo dei gruppi soul-rock dei seventies, da Sly Stone ai Rotary Connection, passando magari per Creative Source ed Undisputed Truth.

Nel mezzo c’è stata ovviamente la disco ed il pop più sbarazzino, altri elementi che oggi sono parte di un disegno più ampio. Pronti ad aprire una serie di date per il signorile Bryan Ferry, Sean Marquand e Daniel Collas (produttori anche del nuovo disco per Tummy Touch), sono destinati a trasportare la squadra al trionfo, e se piove di quel che tuona ‘Form & Control’ è destinato ad allargar i l confine dei loro estimatori.

Anche l'ex-Red Hot Chili Peppers Frusciante nel disco della sensazione losangelena

2011-12-15T11:53:00.003+01:00

Quello che era un sospetto presto diviene certezza, quando tra i credits dell’album scorriamo il nome di Viv Albertine delle Raincoats. Il balletto psycho-tropicale di Swahili Blonde ha come centro di gravità Los Angeles, ma la scena madre sembra svolgersi in un sobborgo inglese dei primi ’80, tanto evidenti i punti di comunione con le Slits della compianta Ari Up e le stesse Raincoats.

All’altezza del secondo album, incrociando wave, dub e finanche kraut rock, la batterista/cantante Nicole Turley ha trovato un equilibrio quasi scientifico tra l’attitudine possibilista del post-punk e la rivoluzione ritmica della musica jamaicana.

Gli Swahili Blonde sono presto divenuti un gruppo spettacolare, una reputazione guadagnata grazie alla dinamica dei loro concerti. Un ensemble che pur girando attorno alla figura di un’ eclettica leader, ha goduto dei servigi di quel celebre chitarrista uscito dal gruppo (John Frusciante) e membri assortiti di The Like, Dante Vs Zombies, Corridor, Weave! e finanche Devo. Psycho Tropical Ballet Pink è ricco di influenze caraibiche, armonie vocali scippate al doo-wop ed una cura strumentale che ha del prodigioso.

Il funk angolare di "Zelda Has It" ha tutta la classe delle più algide produzioni Factory, mentre la cover di "Scoundrel Days" degli A-Ha folgora con il suo fascino pop remoto. "Purple Ink" suggerisce un approccio alla Cpt. Beefheart, anche se più in generale le figure ritmiche evocate dai nostri odorano di dance underground. Roba stile 99 Records, con il minimalismo delle ESG quasi a contrastare il quadro dei riferimenti british. Le ospitate di Laena Geronimo (violino), Brad Caulkins (sax) ed ancora John Frusciante (chitarra), sono una garanzia sul risultato finale. Preparate gli occhiali da sole e la crema solare, si salpa alla volta di destinazioni esotiche.

Il collettivo Elephant 6 continua ad entusiasmare

2011-12-15T10:46:00.003+01:00

Syd Barrett, Julian Cope, Jason Pierce e la supervisione psicotropa di John Sinclair. Non è un kolossal hollywoodiano, ma poco ci manca. Una rivoluzione americana, sottopelle, perchè le manifestazioni di massa ed il ’69 sono roba d’archivio. Robert Schneider – altrimenti noto per essere il frontman di Apples in Stereo e produttore occasionale per Neutral Milk Hotel – ha messo in piedi questo rumoroso tee pee, dove tra fumi lisergici e vecchi ritrovati di medicina indiana, va in scena uno di quei party fuorilegge che tanto piacevano ai giovani rivoluzionari della Motor City. "Buddha Electrostorm" è quello spazio dedicato tra sacro e profano, tra fuga metropolitana e sommari disegni sovversivi.

Originariamente pubblicato da Garden Gate Records/Elephant 6 Recording Co. nel 2009, il disco ha talmente folgorato i tizi di Fire da improntare una ristampa e distribuzione europea sul finire di questo anno. Schneider, figlio proprio dello stesso collettivo che ha dato i natali ad Olivia Tremor Control, Neutral Milk Hotel e Magnetic Fields, si insinua nel solco di una nuova tradizione psichedelica, oggi nuovamente protagonista delle cronache indipendenti. Non a caso Jeff Magnum di Neutral Milk Hotel sarà il curatore del prossimo ATP inglese, nel Somerset, occasione in cui andrà in scena il circo di Thee American Revolution. Con il puntuale supporto del cognato Craig Morris (Ideal Free Distribution), di Bill Doss (Olivia Tremor Control) e la direzione spontanea del misterioso musicista inglese dei sixties Wm. Shears, i nostri dipingono la loro rivoluzione fatta di chitarre fuzz e ritornelli stranianti, per un trip capace di far trasalire ogni buon cultore della triade Velvet/MC5/Spacemen 3.

Con titoli piuttosto espliciti come ‘Blow My Mind’, ‘Saturn Daze’ e ‘Sleepwalker’ non mancano davvero i momenti chiave in questo disco, forse il miglior acid rock ascoltato da diversi mesi a questa parte. Turn On, Tune In, Drop Out!

Dalla Finlandia con amore

2011-12-14T18:06:00.005+01:00

Inafferrabili, con una sola parola possiamo fotografare i Pepe Deluxe, al secolo la creatura del finlandese Jari Salo – in arte James Spectrum – e del sodale Paul Malmström, prodigioso polistrumentista con residenza a Manhattan, New York. Coppia chimicamente vincente.

A quattro anni dal precedente 'Spare Time Machine', sempre edito da Catskills (in America esce per la prestigiosa Asthmatic Kitty), Pepe Deluxe realizzano il loro titolo più ambizioso, con quello che sin dalle note di copertina si presenta come un’esoterica opera pop in 3 parti. La regina delle onde in questo caso è una pin up d’altri tempi che si fa largo tra i flutti con aria sbarazzina, quasi ad evocare l’immaginario tropicale dell’album.

Una cosa va detta di questo Queen Of The Wave, sembra che il duo abbia reciso nettamente i ponti con la club culture incamerando solo piccoli elementi di musica da ballo su un tessuto decisamente più rock, lisergico. L’apertura con la title track è il preludio a questo cambio deciso, l’ingresso in una macchina del tempo che dice di bucoliche tenute britanniche e di qualche fiore raccolto sulla costa Ovest degli Stati Uniti. Un’atmosfera pacata su una struttura comunque progressiva.

Più decise A Night And A Day, che sembra un funk mutante con vezzo hard, mentre Go Supersonic è forse l’episodio più vicino al recente passato, un big beat di quelli da antologia, che non avrebbe affatto sfigurato su un disco di Fatboy Slim o addirittura di Pizzicato 5.

Ma non c’è sosta, chiusa la prima parte dell’opera i nostri entrano con la successiva cinquina in un emisfero della mente ancor più sfuggevole. Fatto di ballate liquide ed arrangiamenti magistrali, dall’operetta rock alla big band miniaturizzata di Hesperus Garden, che non so perché, ma fa molto John Barry.

E – a dirvela tutta- anche Tarantino potrebbe perdere la testa per l’ultima sezione del disco, un poker di brani anche qui luminescente. Su tutto gli arrangiamenti fiatistici di The Storm, storia della cinematografia in musica ed una dose di epicità a cui certo non si può resistere.

Una visione ambiziosa realizzata anche con l’apporto decisivo di musicisti prestigiosi come Samuli Kosminen dei Múm, un batterista metal di tutto rispetto - Kai Hahto (Rotten Sound ed altro) - ArcAttack con il loro sintetizzatore Tesla, la Czech Film Orchestra ed una pletora di voci dal background diversissimo. Il gruppo vocale Club For Five, la cantante d’opera Kirsi Thum, l’attrice Sara Welling (che ha lavorato ad una revisione dell’animè giapponese Moomins, tratta dall’omonimo racconto del finlandese Tove Jansson), il rocker australiano Boi Crompton ed il bostoniano Chris Cote della band The Upper Crust (risposta d’oltreoceano ai Darkness).

Gli autori ci rivelano che il disco è ispirato al romanzo fantascientifico del 19simo secolo “ A Dweller Of Two Planets”, mentre ai patiti etno-musicologi, farà piacere ascoltare l’enorme Stalacpipe Organ, strumento di culto che dice di un attaccamento alla cultura vintage benevolmente radicale.

I pionieri del pop orchestrale di nuovo insieme

2011-12-13T14:34:00.002+01:00

Northern Soul potrebbe essere un indizio. In realtà il pop dei Cardinal è stato sempre declinato spulciando tra le pieghe dell’anima e gli inni in punta di piedi che hanno preparato per questo 2012 hanno tutto l’aspetto di delicati manicaretti concepiti nottetempo. Considerati come l’epitome del pop cameristico, Richard Davies ed Eric Matthews hanno deciso di rispolverare la sigla per creare l’ennesimo ponte immaginifico tra Beatles e Belle & Sebastian, passando dalle parti dei Bee Gees flower-pop degli esordi. Nel momento del loro esordio risalente al 1994 - e successivamente ristampato da Gern Blandsten negli anni zero – i nostri anticiparono letteralmente i tempi grazie ad intuizioni orchestrali che avrebbero fatto insospettabili proseliti negli anni a venire.

Da Elliott Smith a The Last Shadow Puppets la loro sottile influenza è un dato di fatto per le legioni degli indie-rockers 2.0. Nonostante la brillantezza e l’impianto così sofisticato non fu certo un roboante successo di vendite ad investire il gruppo. Matthews fece i bagagli alla volta della costa occidentale (i suoi primi album in solo per Sub Pop sono sicuramente da rivalutare), mentre Davies rimase piantato ad oriente.

Sembrava non aver seguito la loro unica avventura discografica, eppure dopo un intenso scambio telematico i due iniziano a valutare l’idea di una collaborazione a distanza, che si concretizza nel 2011 con una serie di brani che vanno a completare il nuovo album.

12 pezzi che tengono a battesimo una risurrezione, officiata dalla solerte Fire Records. Da piccoli capolavori di gentilezza come ‘Kal’ a grezzi diamanti come’Carbolic Smoke Ball’ è tutto un rifiorire di antichi sentimenti. Il gusto ornamentale dei due non è mai prolisso ed anzi tradisce una maestria nel songwriting che è cosa rara di questi tempi. Non solo voci e chitarre, ma anche percussioni sottili, fiati ed archi a perorare una visione giustamente old-fashioned. Se erano dei marziani del pop nel 1994 oggi sembrano i dominatori di un universo parallelo fatto di mille accortezze sonore. Ben ritrovati!

A febbraio il nuovo album di Of Montreal

2011-12-13T14:16:00.001+01:00

L’uscita di Paralytic Stalks è prevista per il 7 di febbraio ed al solito il lancio promozionale degli Of Montreal assomiglia sempre più ad una sfilata sul red carpet, tanta l’enfasi con cui viene notificata ogni loro sortita ufficiale. Un gruppo che ha fatto del glamour una ragione di vita, uscendo dal grigiore indie americano grazie ad un immagine prepotente e ad una comunicazione decisa.

Una propaganda che assume i toni della pianificazione mondiale, ora che il nuovo disco verrà pubblicato da Contrarede Records in Giappone e Baram Records in Korea. Prodotto da Kevin Barnes presso il personale Sunlandic Studios di Athens, Georgia e mixato al Chase Park Transduction dall’ingegnere del suono Drew Vandenberg (Deerhunter, Toro y Moi) il disco prende le forme di un viaggio lisergico nelle terre del pop d’autore, senza mai tralasciare una vena piuttosto eclettica e quelle polaroid da FM, che spesso hanno fatto capolini negli album dei nostri.

Barnes, che è anche il principale songwriter del gruppo, è tipo ambizioso ed il suo modo di intendere la musica è simile a quello di un architetto, rispecchiando in questo il desiderio per concept affatto formali. Paralytic Stalks è così denso di idee da sfiorare la completezza delle opere chiave dei seventies. O dei sessanta se preferite. E permetteteci di fare dei nomi altisonanti, dai Beatles di Sgt. Pepper ai Pink Floyd di Animals passando per i Beach Boys di Smile. Mai un disco degli Of Montreal è stato in precedenza capace di mettere insieme i tanti pezzi del mosaico, sublimando un’idea di completezza e fluidità cara solo alle menti illuminate del nostro tempo.

Dopo l’addizione della violinista classica Kishi Bashi, Barnes ha abbracciato l’idea di lavorare con un manipolo di sessionmen (introdotti dalla stessa Bashi) per la prima volta in carriera. Particolare il rapporto con Zachary Cowell responsabile per gli arrangiamenti di fiati ed ottoni del disco. Esperienza che oltre a coinvolgerlo a tempo pieno nel gruppo ha schiuso anche nuovi orizzonti musicali al leader Barnes

Il risultato è qualcosa di fenomenale. Un album spartiacque che non lascia adito a dubbi sulla genuinità e genialità del gruppo, che celebra un’estasi sonora fuori dal tempo, macinando elementi progressive in salsa alternative country ed orchestral-pop. Un rifugio degli Dei Paralytic Stalks, la dimensione definitiva per le aspirazioni supreme di Barnes.

Progetto multimediale per Oval

2011-11-23T17:33:00.001+01:00

DNA è una montagna di album per usare un eufemismo: un cd audio con 25 tracce, una media-brano di 3 minuti. Praticamente una collezione di incisioni rare e 12 episodi completamente inediti. Una delle rappresentazioni più eclettiche del genio musicale tedesco Markus Popp, percorso a tappe tra le sue varie fasi creative. Materia vecchia e nuova omogeneizzata da un comun denominatore. Concepito originariamente prima della pubblicazione di “O” per Thrill Jockey, “DNA” ha il compito di fotografare una dipartita, sulla carta ultimo contributo proprio alla ‘causa’ elettronica.

Imperdibile a proposito il secondo cd di DNA, sorta di manifesto per le risorse aperte. Dal SoundBrowser/Sequenzer-Software OvalDNA agli oltre 2,000 Oval Sounds ricavati da file AIFF individuali. Software e files sonori destinati ai produttori più lungimiranti, disponibili senza alcun vicolo di copyright. Nel packaging anche la documentazione video di PlayGroundTV/Madrid, il clip musicale di “Glass UFO” griffato AmberleyProductions/Berlin e 10 tracce bonus in formato WAV. Per quanto sia lecito descrivere l’opera di Popp, presto o tardi finiremmo per parlare di processi organizzativi. Termini come ‘tessuti’ o ‘mosaici’ sembrano infatti più appropriati a sintetizzare il suo lavoro. Tutto qui sembra ondulare, pulsare e respirare, aldilà di una rigida organizzazione. L’infiltrazione del dna umano sa essere ‘tossica’ e coinvolgente, anche in un’austera costruzione digitale. E’ la sintesi di eventi simultanei, incredibilmente densi ed allo stesso tempo segretamente luminosi. Senza mai trascurare una ricca espressività, che certo non rinuncia a figure ritmiche e a momenti di grande armonia. Come se questa impalcatura considerasse imprescindibile l’estasi ‘melodica’

Tra i più avanzati ‘ricercatori’ contemporanei, Popp ha associato il suo nome a quello di Microstoria (con Jan St. Werner dei Mouse On Mars) e So (con Eriko Toyoda). Spesso ha distribuito il suo sapere (nel ruolo di produttore e remixer) ad artisti di primissimo piano come Bjork, Ryuichi Sakamoto, Tortoise, Gastr Del Sol (suoi i pop-up elettronici nel sottovalutato Camoufleur), Jim O’ Rourke e Pizzicato 5. Oval rimane una figura a tutto tondo dell’universo sperimentale, uno scienziato del suono, un ingegnere dalle doti incommensurabili.

Raccolta di singoli per la 'chiacchierata' band di Sheffield

2011-11-23T16:20:00.003+01:00

In attesa di un tour europeo di proporzioni epiche, a partire dalla fine del 2011, gli inglesi Black Spiders - a poca distanza dall' album di debutto - decide di assemblare una collezione di brani con singoli ed inediti (più un dvd con tre videoclip esclusivi) che sarà sicuramente un viatico alla nuova vibrante esperienza live. Numerosi i vip che si sono espressi in favore di questi bad boys del contemporaneo hard, a partire dall’ ex-bassista dei Guns'n'Roses Duff McKagan, personaggio non proprio avulso alle cronache del rock’n’roll.

Ancora al grido di ‘orfani dei Darkness unitevi’ la terra d’Albione può così celebrare un fenomeno di portata internazionale. Il gruppo di Sheffield che già aveva impressionato con il debutto lungo "Sons Of The North" continua a cavalcare le scellerate lande che furono un tempo dei death-rockers norvegesi Turbonegro, ma anche delle bandiere australiane AC/DC. Le apparizione al Sonisphere, all’High Voltage, al Bloodstock ed al carrozzone dell’OzzFest valgono per loro più di ogni rassicurante raccomandazione. Il lato più selvaggio dei seventies è ancora oggi la merce di scambio più richiesta.

La sospirata reunion dei Guided By Voices

2011-11-23T15:40:00.002+01:00

Torna la formazione originale dei Guided By Voices con “Let's Go Eat The Factory” primo album a comprendere nuovo materiale da 15 anni a questa parte.

Robert Pollard, Tobin Sprout, Mitch Mitchell, Greg Demos e Kevin Fennell si ritrovano per una reunion di quelle memorabili, che attraverso un album di 21 brani riafferma il loro stile, tra i più imitati nel giro indie americano. Secondo le parole del più carismatico Robert Pollard si tratta di un ritorno all’approccio "semi-collegiale" di album simbolo come “Bee Thousand” ed “Alien Lanes”.

Coerentemente a quello che è il loro stile “Let's Go Eat The Factory”, offre un suono variegato, in cui l’alternanza tra distinte melodie pop e ruggiti chitarristici è lo strumento per tornare a sperare in un ruolo di punta del rock indipendente, anche nel 2012, l’anno delle grandi catastrofi annunciate. Il disco è l’immediata conseguenza di un tour che nelle parole di Pollard non avrebbe dovuto generare alcun progetto da studio.

Ma evidentemente qualcosa ha sconvolto i piani dei cinque, che sobillati dalla solita cricca dell’ATP (per chi ne ha facoltà, imperdibile la loro partecipazione al festival I’ll Be Your Mirror, a Londra sul finire di maggio) decide di dare un seguito ad una discografia di per sè nutrita.

Tutto questo seguendo una precisa logica. Tanto forte l’amalgama dal vivo che sarebbe stato un peccato imperdonabile non trovare un corrispettivo in sala d’incisione.

Con brani che reclamano già un ruolo di primo piano tra i classici della band – scegliamo nel muccchio "Chocolate Boy," "We Won't Apologize For The Human Race" (che Tobin Sprout descrive come Peter Gabriel alle prese con 'I Am The Walrus') e "Doughnut For A Snowman” – l’album sarà uno dei piccoli/grandi eventi di inizio anno. Per chi cerca ancora un intrattenimento fedele alla linea.

Thee Oh Sees - Carrion Crawler / The Dream

2011-11-23T15:05:00.001+01:00

Non parlateci di revival per cortesia, non tanto perchè i figliastri sono spesso più bravi dei relativi patrigni, ma perché nel caso dei californiani Thee Oh Sees, ogni regola scritta è prontamente sconfessata. Prolifici come non mai, a meno di un anno dal precedente “Castlemania” per In The Red’ decidono che è tempo di rifarsi sotto con “Carrion Crawler / The Dream”, originariamente una coppia di Ep che vanno in realtà a costituire un nuovo agguerrito album da studio. Che conserva però tutta la loro epica live, essendo registrato in presa diretta e senza overdubs. E’ il volto più autentico del gruppo, guidato dal famelico John Dwyer, icona rock’n’roll del secolo prossimo venturo, mai schiavo di una nomenclatura od un’estetica troppo severa. Thee Oh Sees hanno allargato nel frattempo la loro famiglia: alla tastierista/cantante Brigid Dawson, al chitarrista Petey Dammit, allo straordinario batterista Mike Shoun si è ora aggiunto il polistrumentista/cantante Lars Finberg.

Per una “The Dream” destinata a far saltare i coni del vostro impianto, c’è l’organo bruciato dal sole di “Crack in Your Eye” e lo strumentale spaziale “Chem-Farmer”, tanto per dire di una scrittura che si fa sempre più articolata e scevra da compromessi. Sono la più atipica garage band in circolazione i Thee Oh Sees, raccolgono scorie della misconosciuta psichedelia americana dei sixties, prendono in prestito frasi dal beat, agguantano scenari space-rock per il rotto della cuffia. Un calderone insomma, di quelli pronti ad esplodere. Ma una cosa è certa, se li vedrete dal vivo ve ne innamorerete.

Mint Julep, la purezza del dream pop in salsa elettronica

2011-11-21T16:42:00.002+01:00

Nati a Boston, Massachusetts, nel 2007, i Mint Julep sono la coppia di coniugi Keith ed Hollie Kenniff. Spostatisi in rapida successione a Portland, Oregon, i due mettono in scena la loro prima creazione dream-pop, con l’autoproduzione Songs About Snow, che nel 2008 già pone le basi per un seguito da vera e propria cult-band. Con Save Your Season, prodotto da Village Green, ci sono tutti gli elementi per aspirare a un ruolo di punta in questa parte finale del 2011.

Una vocazione per le composizioni strumentali avvicina la musica di Mint Julep ad atmosphere necessariamente cinematiche. Ereditando la cifra sonora delle migliori compagini shoegaze, i nostri alternano le saturazioni elettriche ad algidi interventi elettronici, frutto di una condivisibile passione per i grandi interpreti tedeschi dei ’70. E’ così una drum machine o la coda di un sintetizzatore analogico a rendere ancor più ammaliante questa nuova pubblicazione. Che nella fattispecie rappresenta una dipartita per Keith, dalle più rigide prospettive ambient dei suoi lavori solisti. Non a caso il nostro si può fregiare di una prestigiosa collaborazione con Ryuichi Sakamoto, in un pezzo destinato ad una raccolta benefit – patrocinata dall’organizzazione Kizunaworld - a sostegno delle vittime dello tsunami giapponese

Compositore ricercato Keith, tanto che un suo contributo è stato utilizzato nella recente campagna per la promozione del nuovo Apple 4S Siri, ha così trasposto le sue più chiare influenze in un contesto orientativamente più indie, allargando idealmente i suoi trascorsi artistici. Autore di lavori mozzafiato con il monicker di Helios – di cui consigliamo vivamente i dischi per Type – e Goldmund – a breve il ritorno su Western Vinyl, ancora all’insegna di un sobrio neo-classicismo – Keith è così il prototipo del musicista eclettico contemporaneo, affatto insensibile al fascino del pop.

Le meraviglie ultraterrene di Save Your Season saranno l’accompagnamento ideale a questo finale di stagione.

Extra Classic, nuova sensazione da San Francisco

2011-11-21T16:36:00.002+01:00

Di loro Pitchfork ha scritto: provate ad immaginare un Lee Perry ai controlli affiancato da Siouxsie Sioux alla voce. Come indicazione di massima ci siamo, perché le ostili acque della baia di San Francisco si trasformano temporaneamente in un asilo a calde correnti caraibiche.

Il gruppo – costituito da ex-membri di The Donkeys, Fruit Bats e The Anniversary – porta in dote le precedenti esperienze, invero allergiche alle più fruibili istanze dell’indie-pop. Lanciati da Paul Beahan – proprietario del marchio Manimal Vinyl (Warpaint, Sister Crayon, Rainbow Arabia) - i nostri si avventurano in una boccaccesca giungla jamaicana, facendosi largo tra camere d’eco ricavate in economia e rigogliosi ritmi in levare. Prestando fede all’estetica vintage dei grandi producer dell’isola registrano su un 8 tracce, utilizzando un equipaggiamento rigorosamente sessanta/settanta.

Gli Extra Classic con il debutto lungo 'Your Light Like White Lightning, Your Light Like A Laser Beam' puntano direttamente al cuore della questione, conquistandoci con un manipolo di canzoni che del post-punk inglese ereditano la vena più nera. Impossibile non scorgere nel dna dei californiani le movenze delle Slits prodotte da Dennis Bovell, che ad oggi rimangono un riferimento imprescindibile per chi vuole far collidere gli umori della nuova onda con lo spirito della black.

Musicisti navigati, con le rispettive formazioni hanno girato con mostri sacri quali Modest Mouse, The Handsome Furs e Conor Oberst/Bright Eyes, gli Extra Classic ci avvolgono nelle spire di un suono che al momento del loro debutto appare come una delle più credibili contaminazioni tra ritmi esotici e savoir faire occidentale. Se già i concittadini Peaking Lights si sono ricavati un ruolo di tutto rispetto nella giostra mediatica contemporanea, grazie alle benedizioni di Simon Reynolds e Gilles Peterson - siamo certi che la stella degli Extra Classic sarà la prossima a brillare in maniera definitiva.

Il debutto dei salentini Bundamove

2011-11-16T15:25:00.003+01:00

I Bundamove prendono vita nel dicembre 2009, con la finalità di rivedere i tratti salienti della musica nera attraverso un deciso battito funk ed una serie di groove decisi che riportano alle sonorità ed all’estetica dei tardi sessanta/primi settanta. Un sestetto che può contare sui singoli talenti di

Emanuele "Manufunk" Pagliara (chitarra), Marco "donSkal" Calabrese (tastiere), Michele “Mike”

Minerva (basso) , Antonio "Dema" De Marianis (battteria), Alessandro Nocco (sax) e Gabriele Blandini

(tromba), i cui trascorsi musicali parlano chiaro: dalle fila degli Aretuska - capitananti da Roy Paci - al fenomenale combo reggae-dub Boom Da Bash, fino all’esperienze con Anansi e Steela (dentro il vortice dubstep).

Il fine è nello sconvolgere le regole, rivedendo in chiave adrenalinica classici della musica popolare, sia essa di declinazione crossover, reggae o storicamente rock. Grazie ad un’esplosiva vena funk, il gruppo si assesta nel solco proprio di quei rare grooves, che immancabilmente hanno arricchito le valigie dei dj di mezzo mondo. Una musica dalle spiccate prospettive danzerecce, una miscela dirompente che attraverso speziati arrangiamenti consente di liberare un energia vitale.

Dopo aver battuto in lungo e in largo la penisola i sei salentini pubblicano l’album di debutto “Da Funk Machine” – distribuito in esclusiva da Goodfellas - uno squarcio solare nell’imminente stagione invernale. Dalla rilettura in salsa acid-jazz del classico dei Doors Roadhouse Blues – loro primo singolo, qui prontamente ribattezzato Roadhouse Funk – all’essenziale groove di basso di Money dei Pink Floyd, qui rinvigorita dal lavoro di cesello dei fiati. Il beat in levare di Bob Marley I Shot The Sheriff fa da contraltare alle ficcanti rivisitazioni di Bulls On Parade e Killing In The Name dei californiani Rage Against The Machine. L’altro pezzo forte – corredato da clip video – è Smooth Criminal di Michael Jackson, il cui ritmo ossessivo è già uno dei punti di forza del disco. Detto di una puntuale With My Own Two Hands di Ben Harper il disco si chiude con l’unica traccia cantata – da Marta De Giuseppe – una Whole Lotta Love dei Led Zeppelin che sembra davvero un ordigno ad orologeria, con quelle sue figure ritmiche e quei break mozzafiato. Da Funk Machine è esattamente quello che il titolo promette, un campionario di moderna musica da ballo.

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Il network di Damo Suzuki esordisce su disco

2011-11-15T11:59:00.001+01:00

"Sette Modi Per Salvare Roma" - con il suo titolo quasi profetico - è una delle più riuscite avventure del fantomatico Damo Suzuki’s Network, una formazione che viene plasmata a seconda degli appuntamenti dal suo stesso tenutario e frontman, nonché voce dei leggendari kraut-rockers Can.

Il cantante di origine nipponica corona così il suo vagabondare artistico con una formazione finalmente stabile. La finalità stessa del network ha permesso al nostro di mettere radici in più paesi europei e statunitensi, a partire dalla fine degli anni ’80. Singolare la sua stessa storia personale, il continuo girovagare per club e location internazionali ha in qualche maniera sopperito alla mancanza di una vera e propria dimora.

Spesso ‘imprendibile’, il progetto assume contorni definiti con la pubblicazione di un live ufficiale, che Goodfellas è lieta di presentare in tutta la sua spontanea natura. Registrato dal vivo al Circolo Degli Artisti di Roma il 20 gennaio del 2011, il disco è l’occasione per immortalare l’incontro di Damo con alcuni dei migliori musicisti italiani. Il collettivo in azione è infatti uno dei più nobili: Manuel Agnelli (Afterhours) Enrico Gabrielli (Calibro 35, Afterhours), Xabier Iriondo (Afterhours, A Short Apnea, Uncode Duello) e Cristiano Calcagnile (Stefano Bollani, Cristina Dona’) costituiscono l’ossatura su cui regge questa versione del network. Su un tappeto cangiante, per definizione rock ma non scevro da influssi lisergici e avanguardisti, Damo libera le sue capacità comunicative, stimolato a dovere da questo eccezionale quartetto.

Le date del tour

06/12/2011 - Marina Di Massa (Ms) - Tago Mago

07/12/2011 - Colle Val D'Elsa (Si) - Sonar

08/12/2011 - Carpi (Mo) - Kalinka

09/12/2011 - Bolzano - Halle 28

10/12/2011 - Mezzago (Mi) - Bloom

Le attese ristampe dei Throbbing Gristle!

2011-10-28T12:11:00.002+01:00

Per la prima volta in 30 anni i Throbbing Gristle fanno ritorno alla loro etichetta madre, la Industrial Records. Un evento celebrato da una serie di ristampe che rende finalmente giustizia all’opera pionieristica della formazione inglese, una delle realtà più anticonformiste di tutto lo showbiz occidentale. L’occasione è ghiotta, i primi cinque album della band costituita da Chris Carter, Cosey Fanni Tutti, Genesis P-Orridge e dal compianto Peter ‘Sleazy’ Christopherson, rivedono la luce in versioni extra-lusso. Disponibili in ambo i formati, i lavori sono stati rimasterizzati secondo la tecnologia 24bit dallo stesso Carter che ha utilizzato come fonti gli originari nastri analogici.

Nuova vita dunque per ‘Heathen Earth:The Live Sound of Throbbing Gristle’, ‘20 Jazz Funk Greats’ , ‘D.O.A. The Third And Final Report Of Throbbing Gristle’, ‘The Second Annual Report Of Throbbing Gristle’ e ‘Throbbing Gristle's Greatest Hits’.

Tutti i vinili sono disponibili nel formato 180 grammi, con la riproduzione meticolosa degli art work originali, avendo potuto attingere al materiale dell’archivio Industrial Records. Ogni album contiene un esclusivo booklet di 8 pagine, comprendente contributi scritti d’epoca ed un considerevole numero di foto inedite. Ogni uscita è limitata a 2000 esemplari.

Per quello che riguarda i cd il programma è ancor più interessante. Confezione apribile con contenuti diversi per i libretti che accompagnano ogni ristampa. Ogni cd contiene un secondo disco di extra che è proprio il tocco in più che suggella l’intera operazione. Raccogliendo le numerose testimonianze dal vivo ed i singoli – qui presenti in versioni alternative - i contenuti si fanno davvero fitti ed omnicomprensivi, dando un valore stellare all’intera campagna. Anche il Greatest Hits contiene due inediti mix degli anni ’80. Motivo in più per rinnovare la discografia dello storico quartetto formatosi nella metà degli anni ’70 a Londra.

King Midas Sound - Without You (Hyperdub Records)

2011-10-28T10:56:00.002+01:00

Dopo aver praticamente ridefinito i confini tra dubsteb e trip-hop con un disco di debutto dalle tinte fosche - che in alcuni casi ha portato a paragoni importanti con Tricky – il trio allestito dal veterano Kevin Martin torna con un album di remix, che ne sposta ulteriormente il bacino d’utenza. Forte della sua lunga militanza negli ambiti dell’elettronica di ricerca e della club culture meno ossessionata dai ‘numeri’ e dalle masse, Martin trasforma Waiting For You in Without You, un nuovo parto discografico a tutti gli effetti. Impiegando artisti così diversi, il progetto assume nuovi connotati tanto che gli stessi strumentali originali vengo reinterpretati con piglio da inediti vocalist.

Nel dettaglio ci si esalta per il lavoro di fino del nuovo eroe di casa Planet Mu Kuedo, che apre con il vibrante valzer elettronico di ‘Goodbye Girl’, prima che D Bridge con il suo grazioso falsetto ingentilisca le note di ‘Blue’destinata a cambiar titolo nella title-track del nuovo disco

Il remix di ‘Lost’ curato dall’asso losangeleno Flying Lotus, diviene uno stravagante numero da dancehall, mentre è più meditativa la versione dello stesso brano ad opera dell’eroina witch house Nite Jewel, che lo trasforma in un numero a mezza via tra funk sintetico e colonna sonora di un videogioco della Arcade. I Gang Gang Dance si superano in una versione al fulmicotone di ‘Earth A Kill Ya’, mentre Rob Lowe, meglio noto come Lichens e collaboratore di Om, lancia ‘Goodbye Girl’ in un vortice minimalista di sintetizzatori modulari. Non meno affascinante l’ingresso di Joel Ford (del duo Ford And Lopatin) che canta in maniera nitida una ‘Say Something’ che si trasforma in primizia new wave. E se vi dicessimo che il buon vecchio Green Gartside – in arte Scritti Politti – ridà incredibilmente voce a 'Come And Behold' ? Credereste nell’ulteriore miracolo?

Il punto è questo, Without You può essere a ragione considerato il nuovo album di Kevin Martin, che forte di collaborazioni così importanti rivede la sua opera recente, reclamando lo scettro di producer elettronico dell’anno. Ancora una volta.

Dead Skeletons - Dead Magick (A Records)

2011-10-28T10:50:00.001+01:00

Jón Sæmundur, Henrik Björnsson e Ryan Carlson Van Kriedt rappresentano la tipologia di rocker scontrosi e misteriosi, gente che magari ama nascondersi dietro una coltre di ghiaccio secco anche alle porte del club di provincia. Di loro si è presto invaghito un altro personaggio noto per il suo carattere ‘forte’, Anton Newcombe, non solo tenutario di A Records, ma anche deus ex-machina dell’istituzione californiana Brian Jonestown Massacre.

La via minimalista al rock’n’roll di questa formazione nord europea ha del fenomenale. Lo schema impone la ripetizione, ma dimenticate pure tutte le facezie del nuovo shoegaze, perché i ragazzi hanno un piglio davvero nervoso e non sono necessariamente in vena di convenevoli. In poche parole, i fiori del vostro piccolo orto sono seriamente a rischio. Essendo il loro approccio musicale molto prossimo ad una vera e propria filosofia di vita, il consiglio unanime è quello di fruire integralmente della loro opera. Questi islandesi non prendono prigionieri e la loro matrice sonica tradisce influenze importanti. Dai Grateful Dead ai Black Sabbath, passando magari per certe inquietanti formazioni proto-punk australiane o per le più oscure bande della wave newyorkese.
Non c’è nulla di accomodante nel loro sound, tanto che questo Dead Magick pare un commento a latere sulla fine dei nostri tempi. Una danza propiziatoria sulle macerie della cultura occidentale, con il rock’n’roll che diviene intrattenimento macabro, incorreggibile.

Jonti - Twirligig (Stones Throw)

2011-10-26T15:03:00.002+01:00

Poli-strumentista, arrangiatore e cantante dalla personalissima ugola, Jonti ha iniziato a comporre musica poco dopo aver lasciato il natio sud Africa alla volta dell’ Australia. Un’adolescenza praticamente trascorsa nell’apprendere nozioni dai dischi, come se fossero dei veri e propri audiobook. Una devozione unica che gli ha permesso di incamerare i cosiddetti trucchi del mestiere, che in tempi brevissimi ne faranno un produttore à la page. I primi test non possono che essere casalinghi, con l’uso di un 4 tracce capace di rendere le sue astruse pratiche materia viva.
Presto l’eco di questo talento in erba raggiungerà il fronte occidentale, Jonti registrerà in rapida successione con il vivace ed eclettico chimico pop Mark Ronson, sarà a New York per spalleggiare la vocalist Santigold, e per sedere allo stesso tavolo di Sean Lennon oltre che servire quel favoloso organico a nome Dap-Kings. Le amicizie in alto possono essere tentatrici, ragion per cui il musicista ha ben deciso di intraprendere la strada opposta per il suo debutto targato Stones Throw. Ha fatto tutto da sé, dall’inizio alla fine, senza in questo delimitare le sue progressioni e le sue capacità realizzative. Il boss del’etichetta - Peanut Butter Wolf – pur riconoscendo il valore pop di alcuni suoi brani, sottolinea come gli arrangiamenti di Jonti pur in veste solista siano magniloquenti. Roba da togliere il respiro. Ed è esattamente quello che accade in quest’opera prima densa di particolari. Folktronica, memorie vintage, alfabeto sixties rivisto e corretto, funk bianco. Viene da pensare ad un’incarnazione contemporanea di giganti quali David Axelrod e Galt McDermot. E già questo paragone dovrebbe lusingare non poco un’artista dal luminoso avvenire.

Incredibilmente originale, inusuale, una delle cose che più entusiasmanti che abbia ascoltato di recente (MARK RONSON)

Jonti ha definitivamente il suo stile, una cosa che rende eccezionale qualsiasi esperienza professionale con lui stesso. È’ un grande musicista. (ALBERT HAMMOND JR, THE STROKES)

Il ritorno dell'ex-enfant prodige Ben Lee

2011-10-25T12:10:00.019+01:00

In principio erano i Noise Addict, giovanissimi punk rockers dalla terra dei canguri. Una scommessa per la Grand Royal dei Beastie Boys che in loro vide quella genuina carica adolescenziale, che fece proprio la fortuna degli autori di Licensed To Ill. Il sodalizio con Grand Royal prosegue anche per i due primi album solisti, incisi ancor prima di raggiungere la maggiore età. In particolare Somethjing To Remember Me By sarà un piccolo caso nell’universo indie americano, introducendo i romantici versi del nostro, convertitosi rapidamente ad una sincera forma cantautorale.

Il suo ritorno in scena con On Deeper Into Dream esamina proprio il complesso universo dei sogni, che spesso fornisce complesse indicazioni sulla stessa esistenza quotidiana. In oltre 20 anni di ‘militanza’ nell’industria musicale, Ben ha sempre riservato grande attenzione all’argomento, lasciando che la soglia onirica prendesse spesso il sopravvento nelle sue liriche. Con un album che sfiora l’idea di concept, Ben completa un suo percorso personale, accompagnato in questi dodici brani - dal morbido piglio indie-pop - da collaboratori di tutto rispetto. A bordo un vecchio amico come Nic Johns, Lara Meyerratken e la figlia d’arte Petra Haden. Noah Georgeson (The Strokes, Devendra Banhart, Joanna Newsom) si è seduto dietro al banco di regia per rendere ancora più vivida questa testimonianza.

In contemporanea alla pubblicazione del nuovo album per Lojinx, è da segnalare l’uscita del documentario Catch My Disease – qualcosa come 8 anni per l’ assemblaggio definitivo – del regista Amiel Courtin-Wilson, la cui prima è stata al Melbourne International Film Festival di agosto. Il film cattura la vita di Lee, la sua carriera artistica fino all’arrivo della primogenita Goldie.

Stiv Cantarelli, la via italiana al roots americano

2011-10-25T10:46:00.002+01:00

Accompagnato da membri di Richmond Fontaine – con tanto di cameo vocale del leader/scrittore Willy Vlautin - Stiv Cantarelli ci regala la sua personale visione alternative-country, aprendo le porte su un polveroso sentiero desertico.

Nel 1999 - come leader dei Satellite Inn – sigla il suo primo contratto con Mood Food Records. Il disco di debutto - Cold Morning Songs – ottiene immediatamente riscontri positivi un pò in tutti gli States, proprio per il suo personale approccio all’americana, foraggiato da un attitudine country-punk che certamente ne incrementa l’originale natura.

Oltreoceano si parla proprio di autenticità del suono, e aldilà delle origini mediterranee del nostro – Cantarelli è fiorentino – vengono stilati paragoni di tutto rispetto con gli interpreti più accreditati della tradizione, dai Son Volt ai Jayhawks, passando per gli Uncle Tupelo.

La sua è stata la prima band italiana ad esibirsi al CMJ di New York, ma dopo appena due tour negli Stai Uniti, l’etichetta dichiara bancarotta. E’ in quel momento che Stiv si dedica al progetto Gold Rust, un band di orientamento roots influenzata dal miglior pub rock dei primi '70. Il debutto omonimo è un successo non solo in Italia, ma anche nel resto del vecchio continente, con relativi e fortunati tour. Nel 2006 anche quest’esperienza si chiude, è il preludio all’avventura solista del nostro. Il suo debutto per El Cortez è stato concepito in due momenti nevralgici: durante il tour europeo con i vecchi amici Richmond Fontaine e al termine dei concerti che lo hanno visto aprire per l’ex-Husker Du Bob Mould.

L’attitudine di Stiv omaggia l’ultimo decennio di musiche tradizionali americane, rifacendosi anche ad un cantautore come Steve Earle, suo eroe adolescenziale al pari dei tardi Husker Du ed Uncle Tupelo, altri incontrastati miti. La band di Stiv - The Silent Strangers – girerà in Olanda, Germania ed Inghilterra in autunno, aprendo le date proprio di Richmond Fontaine.

Hanni El Khatib - Will the guns come out

2011-10-24T16:15:00.002+01:00

Figlio di immigrati palestinesi e filippini, Hanni El Khatib è cresciuto a San Francisco, innescato da un vero e proprio dinamitardo cocktail fatto di cultura skate, punk rock e classica americana degli anni ’50 e ‘60. Influenzato da pionieri del primo rock’n’roll ed R&B, il giovane poli-strumentista e produttore riscrive a suo modo i passi salienti della tradizionale Bibbia musicale, mettendo sul piatto elementi descrittivi di blues, soul, garage rock e doo-wop. Sembra aver maneggiato con la giusta lungimiranza i materiali di icone quali Johnny Brunette, The Cramps e Sam Cooke, badando in maniera maniacale ai dettagli. Chitarre che come feroci alligatori emergono dalla palude, una voce che sa di consumato crooner, ed un’atmosfera old fashioned che rispecchia la sua immagine rigorosamente ’impomatata’.
La sua personale rivisitazione di “I Got A Thing, You Got A Thing, Everybody’s Got A Thing” dei Funkadelic (che troviamo come traccia bonus nel suo album di debutto) è stata selezionata dalla Nike per la campagna globale del 2001 “Just Do It”, una responsabilità non da poco…
Ma il ragazzo ha coraggio anche nel confrontarsi con gli standard, quella You Rascal You – già interpretata a suo tempo da Louis Armstrong e John Fogerty dei Creedence Clearwater Revival – diventa un feroce down tempo garage blues. Mentre l’omaggio trasversale a Elvis in Heartbreak Hotel è quanto meno dovuto.
Artista di punta del giovane marchio Innovative Leisure, Hanni è - indirettamente - una star televisiva, tanto che alcuni suoi brani si son fatti breccia in gettonatissime serie: Hung (HBO), Shameless (Showtime), Gossip Girl (CW), Vampire Diaries (CW), United States of Tara (Showtime), Chicago Code (Fox), Salvation Boulevard Trailer, Rookie Blue (ABC) &e Teen Wolf (MTV)

“This is going to be one of the best records of 2011, guaranteed.” - LA RECORD

The Ballad of Mott the Hoople

2011-10-24T12:52:00.002+01:00

Una delle più importanti formazioni inglesi a cavallo tra i tardi ’60s ed i primi ’70! Il gruppo che prese un brano di David Bowie - All the Young Dudes - per trasformarlo in un anthem generazionale. Poi quella pazzesca iconografia, con un cantante dall’inconfondibile acconciatura ed un paio d’occhiali scuri inforcati giorno e notte.
The Ballad of Mott the Hoople è così un documentario che racconta in maniera dettagliata la storia di una delle più influenti rock ‘n’ roll band d’Albione. Un vero e proprio film che prende vita grazie alla fortunata combinazione di rare immagini d’archivio ed interviste raccolte su campo con tutti i protagonisti di quella fortunata stagione: dal leader Ian Hunter, passando per gli altri componenti del gruppo Mick Ralphs, Verden Allen, Dale “Buffin” Griffin, Luther Grosvenor aka Ariel Bender e Morgan Fisher.
Non mancano peraltro celebri ‘associati’ e fan sfegatati come Mick Jones dei Clash, Roger Taylor dei Queen ed il presidente del fan club Mott “Seadivers” Kris Needs, un uomo che abbiamo apprezzato per i recenti due volumi di Dirty Water, strepitosa antologia sulle origini e le diramazioni del punk. Un’ora e quaranta minuti in cui assaporare l’ascesa e l’implosione della band, all’apice del successo. Dal primigenio incontro con il visionario Guy Stevens – il loro manager tuttofare - fino alle luci della ribalta londinesi ed il viaggio in America che avrebbe corrisposto con lo stardom internazionale. C’è anche lo show reunion del 2009 all’ Hammersmith Apollo – sold out, manco a dirlo – con il cameo di un altro vecchio collega come Jimmy Page. E a proposito di chitarristi straordinari, non vengono certo tralasciati nel documentario i magnifici della sei corde che han prestato temporaneamente servizio all’interno della band: Mick Ralphs, Ariel Bender ed il rinomato Mick Ronson. Il DVD contiene un booklet di 12 pagine con liner notes curate da Morrissey, un set limitato di 5 cartoline ed oltre un’ora di contenuti extra.

Now Again Records presenta: East Of Underground: Hell Below

2011-10-24T11:49:00.002+01:00

Una piccola celebrazione in sè. Il soul, il funk ed il rock a cavallo tra i sessanta ed i settanta, rivisto dai numerosi corpi militari in servizio durante gli anni della guerra nel Vietnam. Un album che ebbe anche scopi propagandistici, al fine di recrutare forze fresche nell’esercito stesso…

Quasi un paradosso storico, con alcune delle forze speciali di stanza nel territorio asiatico a confrontarsi coi pezzi forti del tempo, attingendo soprattutto al repertorio black e a brani che inneggiavano alla fratellanza spirituale e all’emancipazione. East of Underground, The Black Seeds e The Sound Trek erano i nomi dei gruppi sparpagliati nelle basi della Germania occidentale. Non è lecito sapere molto sui componenti delle formazioni, aldilà delle poche testimonianze fotografiche che si possono scorgere presso la New York Public Library.
Pazzesco il lavoro di ricostruzione ancora una volta patrocinato da Now Again, che in combutta con lo US Army e numerosi collezionisti in giro per il mondo ha assemblato questo documento dalla valenza straordinaria, non solo per ogni appassionato di musica soul e funk che si rispetti.

Sponsorizzate dagli stessi quartier generali dell’ arma, i famosi contest Battle Of The Bands generarono un numero spropositato di formazioni satellite. Ai posteri rimane poco di queste fantomatiche ed improvvisate formazioni, solo un membro originale ha partecipato materialmente al completamento di quest’antologia. Sugli altri protagonisti vige il più ostinato silenzio. Qualcuno sarà attivo sotto falso nome, qualcun altro avrà abbandonato l’attività oltre 30 anni or sono e – nella più funesta delle ipotesi .- qualcuno sarà caduto proprio sul campo di battaglia.

Ogni box riproduce fedelmente l’originale iconografia dello United States Army. Nel booklet colorato che accompagna questa edizione deluxe non mancano appunto ricostruzioni storiche ed elementi di colore, capaci di contestualizzare storicamente l’intera operazione. L’ulteriore chicca è data da una fedele riproduzione del poster originale di East Of Underground, nell’unico tour del 1971. In questa scaletta pazzesca riascolterete fedelissime rivisitazioni di Higher (Sly & The Family Stone), Smiling Faces (Norman Whitfield/Undisputed Truth), People Get Ready (Curtis Mayfield), Walk On By (Burt Bacharach), Ain’t No Sunshine (Bill Withers), Black Magic Woman (Santana), etc.

L'esordio di Ital Noiz su Universal Egg

2011-10-24T10:25:00.006+01:00

Una via rivoluzionaria e sensibilmente moderna al roots reggae, con la componente elettronica e la sferzata creativa di tutta la club culture a dare manforte al progetto Ital Noiz, creazione del bassista e cantante Giulio Ferrante – in arte Giuliobass - e del tastierista ed ingegnere del suono Angelo "MrFasa" Morrone. E’ l’incontro tra i due musicisti a dare vita a questo Sound System ridotto, che costruisce attorno ai ritmi in levare una nuova stagione.

Giulio – anche alla voce –è uno dei membri fondatori della storica compagine romana Radici Nel Cemento, lo stesso Angelo è entrato ufficialmente nella band dal 2006, dopo l ‘avventura in Taxi 109. Il duo costituisce il nucleo centrale del progetto, attorno al quale ruotano di volta in volta collaboratori esterni, siano essi cantanti o musicisti di rango. In quest’ottica è da notare la varietà del sound che sposa sicuramente le istanze del reggae/dub fino toccare le metamorfosi del dancehall style più contemporaneo.

La formula vicente di Ital Noiz è presto svelata: da rivisitazioni di brani roots in chiave dub a digressioni techno-dub, in una ricerca dell’effetto ipnotico mai fine a sé stesso, condito da campioni e loop creati ad arte da MrFasa sulla dub station. Pur avendo base a Roma la volontà dei musicisti è quella di esportare il proprio ‘calibrato’ messaggio in ogni dove. Da qui la collaborazione con Neil Perch degli Zion Train, che frutterà un singolo (Ital Noiz) pubblicato da Universal Egg nell’ estate del 2010. E’ solo il preludio al grande debutto sulla lunga distanza, registrato a Roma e mixato in Germania dallo stesso Neil Perch.

Un disco incredibile Everyday Jungle – pubblicato ancora una volta da Universal Egg - dove trovano spazio brani di sicuro intrattenimento e dove certo non mancano riflessioni argomentate, grazie agli sferzanti contenuti lirici di una formazione che cerca di veicolare una manifesta critica sociale. Notevoli in questo senso gli interventi vocali di Giulia Lenti, in arte Julia Kee, che presta la sua voce a due delle tracce più incalzanti del disco: Too Much – un singolo che per la sua componente elettronica potrebbe trionfare nei club di mezza Europa - e Lady Dub, un profondo dub/roots in cui si sviscera l’ amore per questo stile. Tra spinte futuriste e ricordi di una tradizione nera storicizzata gli Ital Noiz saldano le fondamenta di un progetto destinato a solcare i mari profondi del dub da qui all’eternità.

Universal Egg: http://www.wobblyweb.com/ue/

Goodfellas ristampa il primo Picchio Dal Pozzo

2011-10-18T15:10:00.003+01:00

Goodfellas è lieta di annunciare la ristampa del primo, storico, album di Picchio Dal Pozzo; originale gruppo pop italiano degli anni settanta, influenzato dal suono eclettico e poetico di Canterbury. Un disco che appare come una profonda evocazione del suono dolce e obliquo di quella irripetibile stagione. Una densa alternanza tra materiale meticolosamente composto e ampie zone di suono aperto. Un paesaggio sonoro ricco e stratificato, dal quale affiorano gocce di jazz, ondate di minimalismo, aperture pop, armonie liquide, voci e testi profondamente patafisici.

Un viaggio sonoro tra echi di Hatfield & The North, Soft Machine, Henry Cow e Zappa.
Album apertamente dedicato a Roberto Viatti e pubblicato nel 1976 da Grog Records

(Corte Dei Miracoli, Latte E Miele, Celeste) venne successivamente ristampato solo in Giappone;Una ristampa accuratissima (prodotta in collaborazione diretta con la stessa band genovese) disponibile in vinile vergine 180gr e in cd digipack con il brano extra Seulement(registrato dal vivo a La Spezia nel settembre del 1979).

Nino Bruno incontra il cinema di Paolo Sorrentino

2011-10-10T14:35:00.002+01:00

Il ritorno in studio di Nino Bruno è anticipato da un evento cruciale. Da quel primo incontro – datato 1996 - del musicista con Paolo Sorrentino nasce un’amicizia importante, oggi suffragata da un cameo nel film ‘This Must Be The Place’ – in tutte le sale dal 14 ottobre – dove il brano interpretato da Cheyenne (Sean Penn), rocker lontano dai clamori della folla dopo numerose sventure personali, è stato proprio firmato da Bruno. Interpretato originariamente da David Copley, bluesman americano e giramondo incontrato casualmente in quel di Napoli, "Every Single Moment In My Life Is A Weary Wait" diviene qualcosa di ancor più stuzzicante in mano al celebre attore, folgorato al primo ascolto dalla melodia molto ’80 del pezzo.

Prestando giuramento al dogma 8 – laddove l’uso di registratori analogici a bobina sia in ripresa che in mixaggio è più un credo che una necessità – Nino Bruno e sodali tornano in studio con rinnovato spirito, puntando su un flusso di coscienza che conservi in primis l’istintività. Disco scritto e registrato in pochissimo tempo, proprio per imbrigliare l’ispirazione del momento, quasi un fermo immagine…

‘Sei Corvi Contro Il Sole’ non è un concept album comunemente inteso, ma ha temi e parole ricorrenti. L’idea dell’ attesa (nel brano del film come in ‘Ghost’) la separazione da una realtà che non percepiamo direttamente ma attraverso segni (la canzone che dà il titolo all’album) e messaggeri (i corvi). Affiorano inoltre una serie di personaggi emblematici: l'uomo potente che ha tradito la sua missione ed è a un passo dal declino - in ‘Fare Simpatia’ - il vecchio dandy, che forse è un omosessuale vecchio stampo, wildiano, alla Zeffirelli – ‘Storia Di V’ – o la ragazza tormentata di ‘Guardavo Il Fiume’ e ‘Ragazza Senza Nome’. L’ atmosfera odora molto di western ‘da fine dei giorni’, ma lo spettro sonoro appare diametralmente opposto.

Smussando parzialmente gli angoli del recente passato, le musiche del disco incamerano una docile impronta psichedelica. Umori che prendono il sopravvento, bagnando di umori freakbeat le canzoni di Bruno, in un omaggio sentito alla stagione d’oro della musica popolare. Come passare rispettosamente in rassegna buona parte della seconda metà dei sessanta. Nel contesto vengono privilegiate le ritmiche shuffle unitamente a chitarre folk-blues, che quasi accarezzano le mosse del menestrello Donovan.

All’ascolto un disco più arioso, ma non necessariamente spensierato. La forza evocatrice dei testi è poesia a cuore aperto, il collante è dato dagli arrangiamenti, una cornice lisergica gentile, una via adulta al cantautorato. E’ l’affermazione definitiva dell’artista, sospeso in una bolla temporale, capace di navigare tra sussulti emotivi e quadri esistenziali.

Rockman!

2011-09-29T11:13:00.002+01:00

Tratto dal libro “Dai Carabi al Salento” di Tommaso Manfredi, Rockman è un docufilm prodotto da Davide Barletti (Fluid Video Crew) a quattro mani con lo stesso autore del romanzo, da oltre dieci coinvolto materialmente nella scena musicale del tacco. La regia di Mattia Epifani (anche lui parte integrante di Fluid Video Crew), ci introduce all’universo di uno dei protagonisti assoluti della scena raggamuffin italiana, uno dei movimenti sotterranei più identificativi di inizio ’90. Un fenomeno che progressivamente avrebbe conquistato le grandi ribalte, puntando ad una sensibile unificazione culturale, nel passaggio dai ritmi delle dance hall jamaicane alle più ardite contaminazioni con le sonorità e – soprattutto – i dialetti regionali. Rockman narra così le vicende di una generazione ribelle e di un sound esplosivo, che concepito nei centri di cultura antagonista arriva conquista progressivamente le platee dei grandi stadi.
E’ una leggenda tramandata a tempo di bassi potenti nella calura di una spiaggia d’agosto o magari tra le mura di una casa occupata. Nel particolare questa è la storia di una giungla e del suo re. Un documentario interamente dedicato alle origini del reggae in Puglia e alla storia di MilitantP: voce e chitarra dei baresi Struggle e fondatore del Sud Sound System, il trait d’union tra la primigenia scena reggae anni ’80 e l’esplosione del raggamuffin in dialetto salentino dei primi anni ‘90. Dai Different Stylee alla nascita del Sud Sound System, Struggle e Suoni Mudù: un sogno in pratica non ancora estinto e la lotta di un uomo contro un muro che fatica a venir giù. Vicende umane che più di ogni altra cosa rendono tangibile la parabola artistica dell’uomo, con un afflato emotivo affatto trascurabile.
Oltre all’interprete principale si alternano di fronte alla macchina da presa – con le loro testimonianze – i nomi di spicco di quella scena: Treble, Shanty Kranty, Dj War, Nico Mudù, Pippo D’Ambrosio, Gianluca Iodice e Papa Ricky. Tra i contenuti extra del dvd – disponibile in allegato con l’omonimo libro – tre brani esclusivi degli Struggle, a sancire anche un punto di raccordo con la scena locale di fine ’80.

Mike Patton e La Solitudine Dei Numeri Primi

2011-09-29T10:19:00.004+01:00

Ispirato dal romanzo di Paolo Giordano – La solitudine dei Numeri Primi – e forte del contribuito all’omonima colonna sonora – Mike Patton ci regala con The Solitude of Prime Numbers un disco che trascende l’idea stessa di soundtrack.
I suoi pensieri sono spalmati in 16 tracce e gli esperimenti sonori che caratterizzano l’opera si spingono ben oltre la sua fama di ossessivo produttore e ricercatore. In tutta la sfaccettata carriera di Patton questo è il disco dai toni più contemplativi, tanto che nelle parole dello stesso autore si parla letteralmente di una ‘dipartita sonica’. E’ Ipecac ad immettere sul mercato a novembre il risultato di questo sforzo congiunto, perchè Mike ha colto unitamente spunto dal libro come dalla pellicola, trovando un compromesso di sorta tra le pennellate d’inchiostro di Giordano e le immagini di Saverio Costanzo (figlio d’arte)
Cinefilo per definizione, Patton ha già dimostrato in passato di gradire l’accostamento tra il mondo della celluloide e lo sfaccettato universo musicale. Non a caso la deliziosa raccolta dedicata a Morricone – Crimes & Dissonance – usciva per la sua label, ed il nome di uno dei suoi progetti – il recente Mondo Cane – prende spunto dall’omonimo documentario di Gualtiero Jacopetti.
Entrando nello specifico, siamo al cospetto di un disco strumentale, in cui la voce di Patton è usata di rado ed in termini di pura effettistica, l’enfasi è sugli ambienti, glaciali, sinistri, come del resto indicato dai temi ricorrenti nel libro. Che pubblicato in Italia nel 2008, sfondò il tetto del milione di copie vendute, arrivando ad essere tradotto in ben 30 lingue. Del 2010 è invece l’omonimo film, un vero e proprio colpo allo stomaco, una sorta di reinterpretazione gotica di quelle stesse pagine. Patton ha così trovato terreno fertile in cui muoversi, avvezzo da decenni a tematiche spigolose (si pensi a quello stralcio di ordinaria follia che era Violenza Domestica, nel secondo lp dei Mr.Bungle Disco Volante) e sonorità non meno di confine (i due celebrati album sulla Tzadik di John Zorn, bagni in un’avanguardia cameristca).
Il disco è classificato con i 16 numeri primi, proprio per rispettare gli intenti del progetto. Ennesima riprova dello spirito peregrino di uno tra i più illuminati artisti contemporanei.

Wooden Wand - "Briarwood" (Fire Records)

2011-09-27T15:51:00.002+01:00

Quando James Jackson Toth, altrimenti noto come Wooden Wand, è stato invitato a registrare un sette pollici split dal suo vecchio amico Duquette Johnston (originariamente nei Verbena, gruppo alternative-rock che sul finire dei ’90 ebbe anche una parentesi major) con la band Gum Creek Killers per l’etichetta Communicating Vessels, il suo primo impulso è stato quello di inviare un pezzo dal suo sterminato e leggendario archivio di inediti. Ma Duquette ha pregato Toth di farle visita a Birmingham, dove entrambi hanno registrato i due lati del singolo servendosi della stessa band. Il tutto accadeva all’ Ol Elegante Studios di Homewood, Alabama. Toth, entusiasta, disse che l’esperienza andava ripetuta ed immediatamente si organizzò per dare un seguito esteso all’episodio.
Nella forma di un album, ora prodotto dall’iper-attiva Fire Records. Di nuovo la Duquette mette a disposizone la stessa formazione con lo stesso studio per incidere Briarwood. C’è anche lo zampino di Les Nuby (Vulture Whale, ex-Verbena) nella veste di produttore. Toth chiama a sè anche i vecchi amici Brian Lowery e Jody Nelson dei Through The Sparks, per dar vita ad un’inedita formazione dal nome Briarwood Virgins.
Libero di muoversi in studio e senza costrizioni di sorta, Toth realizza forse l’album più 'rock and roll' della sua carriera. Abbandonata la chitarra acustica – presente in un solo brano – e le atmosfere folk meditabonde delle ultime pubblicazioni (pensiamo al disco Death Seat su Young God), il nostro abbraccia istintivamente il Bob Dylan elettrico come l’eroe canadese Neil Young.
Nelle parole del protagonista, il disco voleva recuperare lo spirito di Second Attention, l’album edito nel 2006 da Kill Rock Stars. Nei fatti si palesa un disco dai toni classici.

Orchestra Of Spheres - "Nonagonic Now" (Fire Records)

2011-09-27T15:45:00.001+01:00

La scena underground neozelandese è indissolubilmente associata ad una label come Flying Nun e più in generale ai prodromi di quello che poi sarebbe comunemente inteso come lo-fi. Dopo aver suonato ad innumerevoli feste private, spettacoli di strada e concerti ovviamente autofinanziati, l’orchestra delle sfere, ci dice che in Oceania tira un altro vento.
Sin dai loro abiti – tagliati con grande vezzo estetico – cogliamo come l’attenzione sia precipitata sui colori e sulla spettacolarizzazione. Distanti dunque dal’intimismo dei connazionali che avevano trasbordato il post-punk in capsule avant, i quattro ragazzi che compongono la ciurma si sbracciano per dirvi che il loro party è davvero esclusivo.

In questo baillame convivono numerosi aspetti non solo della musica ritmica occidentale, ma anche di quella africana ed orientale. C’è la ripetizione dei congotronics, gli squarci poliritmici dei Boredoms, l’impronta rumorista del jazz libero. Non un momento di stanca in questo 'Nonagonic Now', in cui spiccano gli strumenti auto costruiti dalla stessa band. E’ un caos ordinato, in cui ogni piccolo frammento sembra tornare per incanto al suo posto. Registrato presso il Frederick Street Sound ed il Light Exploration Society, due dei club autogestiti che coinvolgono gli stessi membri del gruppo, il disco è la punta d’iceberg della vitale scena di Wellington, luogo destinato ad insinuarsi prepotentemente tra le mappe dei creativi di mezzo mondo.

Bagnatevi in questo pozzo d’idee, ora!

PRIMAL SCREAM & MC5 - Black To Comm: Live at The Royal Festival Hall London Meltdown

2011-09-27T11:35:00.002+01:00

Mai il prestigioso festival inglese Meltdown è parso più fedele alla propria linea come nel giugno del 2008, quando i Primal Scream hanno avuto l’opportunità di dividere il palco con uno dei loro miti dichiarati: gli MC5 di Detroit. Il 24 di giugno si consumava l’incontro storico, sotto l’egida dei Massive Attack, curatori della manifestazione in quell’occasione.
Bobby Gillespie non era nella pelle, e dopo essersi sperticato in lodi per la formazione di Bristol - capace di rendere un sogno realtà – poteva confrontarsi espressamente con uno dei suoi punti di riferimento post-adolescenziali.
‘Ero solito prendere funghi magici od acidi mentre ascoltavo gli MC5, immaginando di essere presente ai loro show al Grande Ballroom. Ora ci siamo, a 40 anni da quelle gesta, dividiamo lo stesso palco. Ho trovato un biglietto del concerto l’altro giorno, mentre facevo pulizia in casa. Ci ho ripensato, è stato pazzesco...’
Con grande sorpresa degli autori di Screamadelica, il mutuale rispetto era corrisposto. Tant’è vero che il bassista degli Mc5 Michael Davis non ha perso occasione per ribadire l’affetto nei confronti di Gillespie e soci.
Il set si apre con due micidiali versioni di ‘Accelerator’ e ‘Miss Lucifer’, per poi sfociare nella nuovissima ‘Suicide Bomb e nelle atmosfere mesmeriche di ‘Uptown’. Dopo aver fatto capitolare il pubblico ai loro piedi con una stellare versione di ‘Kowalski’ e la doppietta conclusive di ‘Shoot Speed Kill Light’ e ‘Swastika Eyes‘, la scena si apre sui campioni detroitiani Motorcity Five. Davis, il chitarrista fondatore Wayne Kramer ed il batterista Dennis ‘Machine Gun’ Thompson sono raggiunti dal secondo chitarrista Adam Pearson e dal cantante William DuVall (Alice In Chains). Si parte con ‘Ramblin‘ Rose‘. Manca davvero poco per intaccare le fondamenta del teatro stesso.
E un autentico sfoggio di cultura proto-punk, con l’inno ‘Kick Out The Jams‘, ‘Come Together‘, ‘Motor City Is Burning’ ed alcuni dei pezzi forti da Back In The USA come ‘Call Me Animal‘ ed ‘American Ruse’. Uno dei pezzi preferiti degli Scream - ‘Sister Anne’, dal terzo album High Time – segue a ruota, con l’armonica di Kramer a rimpiazzare l’originale sezione fiati. Duvall sembra assolutamente a suo agio nei panni di frontman.
E’ il preludio all’invasione di palco. Due cantanti, 4 chitarristi, due bassisti, due batteristi ed un pianista sono allineati quando Bobby – facendo il verso a Jim Morrison – urla: ’Is everybody in?’
La cerimonia sta per iniziare. ‘I Can Only Give You Everything‘ dei Five è seguita a ruota da ‘Skull X’ e ‘Movin’ On Up’ degli Scream. La platea è in delirio…
Non resta che riascoltare queste due band fondamentali e rivedere le immagini in questione nel doppio cd (con DVD allegato) che Easy Action ha ben pensato di regalarci in questo caldo autunno. Tanto per ribadire: Kick Out The Jams motherfucker!

Arabrot - Solar Anus (Fysisk Format)

2011-09-26T16:08:00.003+01:00

Qui nessuno ha voglia di scherzare, men che meno gli Arabrot, norvegesi dai solidi principi, cui il rock piace nelle forme sicuramente più grasse e primitive. Il fatto stesso che per il loro quinto album si siano rivolti a Steve Albini è sinonimo di una comunione d’intenti precisa. Albini – che notoriamente ce l’ha a morte con gli hippies - ha accolto a braccia aperte questi neo-vichinghi presso il suo Electrical Audio di Chicago, fornendo un rinomato banco di regia ed attrezzature per lo più analogiche. Tanto basta per confezionare l’ennesima scorribanda nei meandri del più truculento noise-rock, che certo non perde occasione di calarsi nelle più oscure voragini del metal e del post-core.
Con un titolo assai gentile – Solar Anus – gli Arabrot ci tengono a far sapere che il rock’n’roll non è materia per educande. Il disco scorre così tra devastanti numeri sludge e scampoli di metal-core rallentato. Sono strappi nervosi che in comune hanno la malsana passione per tutte le musiche chitarristiche degli ultimi 30 anni. Da queste parti sembrano essersi dati appuntamento Melvins, Eyehategod e Buzz-o-ven, oltre a qualche dimenticato eroe di casa Amphetamine Reptile.
Rumor bianco. Sappiatelo. Il titolo dell’album – unitamente ad altri brani in scaletta – è ispirato al letterato francese Georges Bataille. Gli Arabrot condividono con l’autore la stessa passione per gli estremi, gli alti ed i bassi in natura. Il lato animalesco dell’uomo e la sua ispirazione divina, la purezza ed il sudiciume. All’ombra del sole, si consuma questo spaventoso rituale, che non ha alcuna intenzione di riportarsi alle troppe addomesticate variazioni sul rock contemporaneo.

"Underground Album of the Month" Mojo
"It's a fucking triumph" 9/10 Drownedinsound
"As unsettling as a thunderstorm approaching a medieval battle" 8/10 NME
"One of Europe's best heavy rock bands" 5/5 Stool Pigeon

Årabrot - Madonna Was A Whore by TigerFysiskFormat

Milagres - Glowing Mouth (Memphis Industries)

2011-09-26T14:01:00.003+01:00

‘Glowing Mouth’ è l’album di debutto del quintetto newyorkese Milagres (miracoli in portoghese), ed è ancora una scelta che premia la politica d’espansione dell’inglese Memphis Industries, sempre pronta a manifestare il suo gusto oculato nell’universo indie.
C’è tanta grazia nella musica dei ragazzi di Brooklyn, un suono languido, che vive di luce propria, sorretto dalla performance vocale di Kyle Wilson. Una storia quanto meno drammatica la sua, che nel 2009 durante un’escursione sulle montagne della British Columbia cade da uno dei picchi più alti rischiando serie conseguenze fisiche. Pregiudicato da una lunga riabilitazione ospedaliera, Kyle pensa seriamente di abbandonare la musica, ma è proprio durante questi lunghi mesi di recupero che il nostro – ispirato da un nuovo senso di vulnerabilità – torna con rinnovata passione a scrivere.
Una volta ristabilitosi a New York, con un pugno di brani su cui lavorare, Kyle si ricongiunge ai sodali Fraser McCulloch (basso, voce, tastiere), Eric Schwortz (chitarra, voce, percussioni), Chris Brazee (piano, tasiere) e Steven Leventhal (batteria, percussioni) per punteggiare quello che diverrà Glowing Mouth.
Così dall’epica traccia che titola l’album passando per la bucolica euforia di ‘Here To Stay’e l’ipnotica bellezza di ‘Moon On The Sea’s Gate’ è tutto un fiorire di idee ed ispirazioni alte, con un rispetto per la natura che si riflette in descrizioni puntuali di montagne isolate e spiagge vuote. Come se la fuga dall’urbanizzazione fosse una precisa dottrina seguita dal cantante Kyle. Tappeti elettronici e squarci di pop psichedelia sono il cuore di questo progetto, tappa fondamentale al crocevia tra bedroom pop ed elettronica gentile.

<a href="http://milagres.bandcamp.com/album/album-glowing-mouth">Album: Glowing Mouth by Milagres</a>

Sandro Perri - Impossible Spaces (Constellation Records)

2011-09-26T13:49:00.003+01:00

Nelle vesti di produttore, ingegnere del suono e re-mixer il canadese Sandro Perri ha lavorato con e per Owen Pallett, Grizzly Bear, Stephen Malkmus e Devon Sproule. Le sue spiccate doti di songwriter nonché di organizzatore di suoni lo hanno così portato a sviluppare numerosi alter-ego. Dalle prime gestazioni minimal-dub di Polmo Polpo alla passione recondita per Arthur Russell, sfociata nel progetto avant disco Glissandro ’70. Ma è con il suo vero nome che ci regala forse le emozioni più epidermiche, con produzioni sotto l’egida Constellation ed un savoir faire che ha del miracoloso.

Il nuovo Impossible Spaces non è da meno, tanto che a 4 anni dal suo predecessore l’artista ha avuto tutto il tempo necessario a focalizzare nuove strutture, facendo convivere il gusto per il ritmo con soavi arrangiamenti acustici. In un solo termine si potrebbe parlare di lavoro avventuroso: c’è voglia di stupire, tentando accostamenti solo apparentemente azzardati. La logica è quella di trovare la fluidità nella complessità, con una moltitudine di suoni affastellati che puntano in direzione di una forma canzone moderna. Su tutto la voce angelica di Perri, un faro nelle notte buie invernali, un usignolo che indica la strada maestra.

La sensazione forte è che Perri cerchi una nuova verginità di album in album, riprova ne sono i sette brani in scaletta, che puntellano una carriera costellata da intrepidi esperimenti. Accompagnato – tra gli altri – da un polistrumentista come Ryan Driver (qui al flauto, ma noto per i suoi spettacolari dischi in solo per Fire) – il nostro sceglie la via di un indie-rock decisamente progressivo, non fosse altro per il numero degli strumenti utilizzati ed il ricorso propedeutico a fiati ed archi. Tant’è vero che questo Impossible Spaces può davvero aspirare ad una risposta alternativa ai fasti degli Steely Dan. Certi che Perri non si risenta per l’accostamento

Love And Light - SANDRO PERRI by Constellation Records

A volte tornano: Misfits - "The Devil's Rain"

2011-09-26T13:43:00.002+01:00

Con a bordo il tenutario unico della sigla – il gigantesco bassista Jerry Only – ed un’altra leggenda del punk californiano come Dez Cadena dei Black Flag, i nuovi Misfits non temono certo ingombranti paragoni con il passato, portando avanti un marchio di fabbrica istantaneo, che dal lontano 1977 ha praticamente affascinato più di una moltitudine di fans. Riprova del rinnovato interesse nel gruppo ne è la pletora di ristampe – più o meno ufficiali – che a cadenza regolare si affacciano sul mercato. Ricostituitisi già in occasione dell’ album Famous Monsters su Roadrunner – con cui avevano salutato il nuovo millennio – i Misfits sono di nuovo in carreggiata grazie al supporto della leggendaria indie label Megaforce. Guarda caso proprio l’etichetta che lanciò i Metallica, da sempre loro grandi estimatori.
Influenza di proporzioni epiche su tutta la genia di formazioni horror e gothic punk, i Misfits con il loro immaginario da b-movie, sono ben presto divenute icone ed il calore dimostrato da sostenitori più giovani nelle recenti apparizioni europee è lì a dimostrarlo.
“The Devil’s Rain” con i suoi 16 titoli a tema si appresta ad entrare nel novero dei loro classici, facendo fede ad uno stile che predilige stralci melodici e cori sing-along. “Twilight of the Dead”, “Dark Shadows”, “Curse of the Mummy’s Hand” si apprestano a divenire classici immediati. Prodotto da Ed Stasium (che in carriera ha lavorato coi Ramones di “Road to Ruin” e “Too Tough to Die”, nonchè coi ricostituiti Misfits di “Famous Monsters” nel 1999), il disco ha un ritmo incalzante ed un suono tagliente, che valorizza in pieno le folate dark a cui i nostri ci hanno da sempre abituati.
Rivive anche la loro mascot “Fiend” disegnata per l’occasiona dal fumettista Arthur Suydam (disegnatore per la popolare serie Marvel Zombies). I nuovi ritratti dei membri della band sono stati curati dal leggendario fotografo Mick Rock, un uomo che ha provveduto a valorizzare l’immagine di gente come Bowie, Iggy, Queen, Debbie Harry e Ramones
Tornano le leggende viventi del più macabro rock’n’roll e tutto il mondo alternativo è entusiasta di riscoprirli in questa rinnovata veste.

Active Child - You Are All I see (Vagrant Records)

2011-09-26T13:27:00.002+01:00

Active Child è ben lieto di condurci per mano tra le pieghe del suo album di debutto per Vagrant, a titolo You Are All I See. Dopo l’Ep Curtis Lane, che aveva adeguatamente scosso i più attenti media americani (nonché britannici, con un puntuale articolo del NME), è tempo di crescere con un disco che ha tutti i numeri per candidarsi a sublime manifesto di soul elettronico.

Nel brano “Playing House” non a caso troviamo nelle vesti di collaboratore il cantante r&b di estrazione lo-fi How To Dress Well. Tanto è bastato a Pitchfork per gettarsi a capofitto sulla faccenda, con uno streaming esclusivo del brano sul proprio gettonatissimo sito.

Pat Grossi, che è poi il depositario unico della sigla, è stato immerso nell’universo musicale sin dalla più tenera età, vantando anche trascorsi nel coro della chiesa locale. Ben presto è stato l’indie-rock a rapire le sue attenzioni, portando a nuove interessanti ibridazioni. Un’anima black si è poi insediata nel suo corpo, portandolo così a ricercare combinazioni ritmiche che prendessero tanto dall’hip-hop quanto dal breakbeat e dal soul.

Per creare un’adeguata tensione emotiva, Pat ha fatto ricorso a macchine sufficientemente antiquate, con sintetizzatori che replicano il suono electro degli anni ’80 ed i puntuali inserti di drum machine ed handclaps. E’ il tappeto ideale su cui si insinua la voce cristallina di Grossi, le cui qualità lasciano davvero intravedere un legame con le sue primordiali esperienze liturgiche.
Il disco è stato prodotto da Ariel Rechtshaid (We Are Scientists, Cass McCombs, Glasser) con sorprendente puntualità. Grossi è stato già in tour con nomi di grande spessore come James Blake, School Of Seven Bells, White Lies e White Rabbits.

A new star is born?

Vintage Trouble - The Bomb Shelter Sessions

2011-09-23T11:16:00.003+01:00

Direttamente da quella fucina di talenti artistici che è Los Angeles, giunge a spron battuto un bastimento carico di sensazioni forti. In altre parole quella che potrebbe rivelarsi un’autentica next big thing. Loro si chiamano Vintage Trouble e - benchè al debutto lungo con questa sigla – sono un gruppo di veterani che da anni distribuisce scosse d’adrenalina in lungo ed in largo per la costa occidentale. Il loro suono elettrico prende in prestito elementi dal soul, dall’ r&b e dal più adrenalinico rock’n’roll, ridefinendo un’attitudine vintage comunque contemporanea. Ty Taylor (voce), Nalle Colt (chitarra), Rick Barrio Dill (basso) e Richard Danielson (batteria) sono i Quattro alfieri di questa piccola rivoluzione artistica.
Vocalist nero già a fronte dei Dakota Moon – che incisero sul finire dei ’90 per Elektra, dopo una serie di apparizioni come opening act di Tina Turner - Taylor definisce la musica dei Vintage Trouble soul primitivo, sgombrando già il campo da ogni equivoco: in altre parole la poesia della musica nera al servizio di arrangiamenti ruspanti. La passione per il soul/rhythm & blues dei tardi ’50 unitamente alla pulsione del rock ‘n’ roll anni ‘60. Il nome stesso della band si ricollega ad una tradizione secolare come quella del blues, tanto che il padre di Taylor proprio a quella ‘religione’ aderiva. Usi e costumi che avrebbero in qualche misura ‘corrotto’ l’attitudine dello stesso figlio. Formatisi appena un anno fa i Vintage Trouble hanno presto dato fuoco alle polveri, forti proprio di esperienze cruciali nel circuito di L.A. Influenzati nella stessa misura da Otis Redding e Led Zeppelin, i ragazzi sono presto confluiti sotto l’la protettrice del manager Doc McGhee (Bon Jovi, Motley Crue, KISS, Guns N’ Roses e James Brown) e dell’agenzia di tour internazionale ITB (Aerosmith, Lenny Kravitz, Jamiroquai).

I Vintage Trouble sono una band che esplode letteralmente sul palco, ed il loro atteggiamento è quello di rendere costantemente partecipe il pubblico. Più che una performance, la loro è intesa come una festa multicolore. Il fine ultimo della band è quello di far calare il sudore dalle mura della sala ed osservare la gente vestita di tutto punto abbandonare il club con i vestiti quanto meno stropicciati.

Dal singolo apripista “Nancy Lee” all’impertinente ritmo di “Blues Hand Me Down” fino alle provocazioni di “Not Alright By Me” ed al soul di “Nobody Told Me”, ci sono tutti i numeri per compiere il delitto perfetto, grazie a melodie prepotenti, chitarre ruvide e testi che sembrano davvero senza tempo. Il gruppo sarà presto in tour in Europa come spalla agli fm rockers Bon Jovi, un’ulteriore occasione per sconvolgere nuove ed eclatanti platee.

Per farvi un'idea della band date un'occhiata ai loro videoclip...

Sharon Jones & the Dap-Kings - Soul Time!

2011-09-23T11:05:00.003+01:00

Numeri uno incontrastati della contemporanea scena soul, Sharon Jones & the Dap-Kings hanno sviluppato un timbro riconoscibilissmo, confermato anche dalla raccolta Soul Time! che fa ordine tra le loro numerose b-side e partecipazioni a compilation, attingendo così da un repertorio parallelo non meno prezioso. I dodici brani selezionati personalmente dalla Daptone sono tutti esclusivi a loro modo.

Le due parti dell’apertura Genuine Pts. 1 & 2 rimandano al Godfather of soul ed ai suoi JB’s per via degli arrangiamenti sferzanti ed i ritmi sincopati cui i Dap-Kings ci hanno abituato da tempo. Proprio queste performance hanno consentito alla Jones di guadagnarsi l’appellativo di “the female James Brown.” Nonostante questo singolo sia stato campione di vendite, fa qui l’ersordio sulla lunga distanza. Longer and Stronger, scritta per il suo 50simo compleanno, è un sostenuto mid-tempo, celebrazione dello spirito temerario della Jones, che sempre con grande determinazione ha costruito la sua piccola scalata al successo. Lo ascolterete per la prima volta in questa raccolta. Il tema del potenziamento è affrontato in “He Said I Can”, un energico numero che ci ricorda le sortite degli Isley Brothers nei primi settanta, mentre “I’m Not Gonna Cry” ci porta indietro al raw funk dei brani d’apertura, grazie ad un intenso solo di sax tenore e ad una feroce interpretazione vocale. Anche “When I Come Home”, da tempo un loro standard dal vivo, è presente per la prima volta su disco.

“What If We All Stopped Paying Taxes?” è un’eccezionale brano di denuncia, costruito su un groove pazzesco, accentuato dal lavoro alle congas del leggendario Johnny Griggs (del giro JB’s) mentre Settling In è un micidiale blues. “Ain’t No Chimneys in the Projects” è il loro contributo ‘natalizio’ che non stona affatto al fianco di “New Shoes”, pezzo killer che recupera tutta l’intensità del suono Motown, disegnando addirittura traiettorie vicine a quella ‘generazionale’ These Boots Are Made For Walking di Nancy Sinatra. Con Without A Trace ci si sposta a Memphis, mentre la chiusura spetta ad una rilettura da brivido di Inspiration Information – a firma Shuggie Otis – già ascoltata nella compila a tema Dark Was The Night . Un’istituzione senza mezzi termini Sharon Jones & The Dap-Kings con Soul Time! tornano a stringere con forza lo scettro del soul funk, ora e per sempre!

Tornano i Rocket From The Tombs! La reunion dell'anno?

2011-09-23T10:55:00.002+01:00

Dei numerosi incontri epocali nella storia del rock sono per l’appunto piene antologie e sussidiari, spesso è una scintilla a generare le comunioni più folli, spesso bisogna retrocedere di qualche passo per cogliere la reale fisionomia di un progetto. Prima che il punk divenisse fenomenologia di massa, a Cleveland, Ohio, c’era un quintetto che nel grigiore urbano avrebbe costituito un vero e proprio movimento contro-culturale. Il nome dei Rocket From The Tombs varca la soglia stessa della leggenda. Questa sdrucciolevole superficie d’appoggio avrebbe anticipato le gesta di due formazioni a dir poco seminali. Da una parte i Pere Ubu di David Thomas, luogo di partenza ideale per quello che comunemente viene definito rock d’avanguardia, dall’altra i ben più temibili Dead Boys dell’eterno bad boy Cheetah Chrome, istituzione del più anfetaminico punk.
Il paradosso, semmai, è che la carriera dei Rocket From The Tombs non è mai stata documentata dettagliatamente e spesso si è dovuto ricorrere a lavori ed assemblaggi postumi pur di cogliere la portata (quasi) epocale della loro musica. Ancora una volta è l’inglese Fire Records a correre ai ripari. E – udite, udite – questo Barfly (chiaro il riferimento al vate Chuck Bukowski?) è in pratica il primo album da studio dei nostri. Ad appena 37 anni dal loro battesimo.
Unitamente a questa fatica da studio, giungerà la ristampa della collezione di incisioni dal vivo (risalente al 2002 ed in principio licenziata da Glitterhouse) 'The Day The Earth Met the Rocket From the Tombs'.
Rimettendoci alla storia scritta, i cinque di Cleveland chiusero i battenti nel 1975, anche se la loro ombra si estese direttamente sulle incarnazioni successive. “Ain’t It Fun” sarebbe divenuto un cavallo di battaglia dei Dead Boys, mentre “Final Solution” entrerà definitivamente nell’immaginario di ogni fan dei Pere Ubu.
Le parole di un sorprendentemente asciutto David Thomas a questo punto: “sono certo che se avessimo registrato un disco da studio negli anni ’70, non sarebbe stato affatto dissimile da Barfly. Dovete semplicemente focalizzare le idee aldilà del grunge e degli espedienti lo-fi’”.
Trentasette anni di attesa che ci restituiscono una formazione integra, anche nella line-up originale, se si fa eccezione per gli innesti del più recente batterista dei Pere Ubu (Steve Mehlam, anche all’organo) e dell’ex-Television Richard Lloyd (alla seconda chitarra). From here to eternity?

Da questo link è possibile scaricare il brano I Sell Soul in mp3

Dirty Beaches - Badlands (Zoo Music)

2011-09-23T10:45:00.003+01:00

Badlands è l’album di debutto di Dirty Beaches, in verità una one-man band con ultimo domicilio noto a Montreal, pur se con dna genetico che parla di Hawaii, China, Taiwan e chissà quale altra località esotica. Figlio della rinnovata cultura per le musicassette – unitamente a quella del file sharing aggiungiamo – passionale emulo di Elvis Presley ed Alan Vega, il nostro sta facendo per il rockabilly quanto Ariel Pink ha fatto per il rock più radiofonico. E questo Badlands sin dai colori grigio seppia della copertina parla di un uomo misterioso, posseduto dall’ideologia ‘on the road’. Alex Zhang Hungtai è stato da sempre affascinato dalle storie di fantasmi. Per lui il diavolo può materializzarsi in diverse forme, giusto per spaventarti a morte. Fatalista, non c’è che dire. Dalle murder ballads che in maniera poco fedele abitano la seconda parte del disco, ai più paludosi scenari rock’n’roll della prima facciata, è tutto un rifarsi ad un immaginario d’epoca. Pellicole di serie b, thriller in slo-motion, sicari spiritati e canzoni d’amore sussurrate al chiaro di luna.
Anche Badlands è frutto di un recupero retro-maniacale. In cui scenari passatisti vengono rivisti con l’ottica imperturbabile di questo inizio decennio. Una decadenza che appare come qualcosa di esoterico, in queste combinazioni impreziosite da magici giochi di specchi.
E non c’è forse musica dal piglio più cinematico in circolazione, tanto che da David Lynch a Jim Jarmusch, passando per Quentin Tarantino e Wong Kar Wai, sono diversi i cineasti che hanno definito lo schema mentale di Alex, di per sè personaggio dall’immagine pazzesca e magnetica.
Sono i fifties della generazione internet e se in sottofondo vi pare di scorgere un riff dei Cramps od una battuta marziale dei Suicide, sappiate pur sempre che questo è il 2011, e lo sconvolgimento telematico può aver davvero alterato il corso della storia.

Non perdetevelo nelle prossime date italiane:

17/10/2011 - Milano - Rocket
18/10/2011 - Torino - El Barrio
19/10/2011 - Roma - Animal Social Club
20/10/2011 - Ravenna - Bronson
21/10/2011 - Cavriago (Re) - Calamita

Kuedo - Severant (Planet Mu)

2011-09-23T10:36:00.002+01:00

Al suo debutto sulla lunga distanza Jamie Teasdale – in arte Kuedo – ha realizzato un album che riprende certo le istanze della intelligent dance music, virando anche le asperità dubstep (esposte in maniera esemplare col suo precedente duo Vex’d) verso atmosfere più sospese ed eteree. Scrollatosi di dosso molti dei luoghi comuni della moderna tecnologia, ad un esteso banco di regia Jamie ha preferito un’espressione più pura e sincera.

‘Severant’ guarda così coscienziosamente al passato, ristabilendo linee di confine tanto con i corrieri cosmici quanto con l’avanguardia elettronica europea. I primi nomi a balzare alla mente sono quelli di Tangerine Dream e Vangelis, musicisti che di un’attitudine futuribile avevano già fatto un manifesto negli anni ’70. Ma c’è dell’altro, perché l’attitudine urban non sembra affatto sopita, e qualche beat ‘grasso’ subentra nella gestazione del disco, a rinverdire un amore adolescenziale per il più creativo hip hop.

E’ così che Severant supera a destra anche le estensioni più celestiali del pop hypnagogico, inseguendo il sogno dei compositori d’avanguardia seventies e le punte più lisergiche della dance di fine anni ’80. Il denominatore comune appare il viaggio, non più interstellare, ma confinato ad una dimensione quotidiana. Una liberazione che avviene quasi ad occhi aperti.

Sentimenti melanconici costituiscono la spina dorsale emotiva del disco e Teasdale per riprodurre fedelmente quel feeling ha fatto ricorso ad una strumentazione per lo più analogica, seppur filtrata attraverso plug-in moderni.
Sono scene da film quelle di Severant e se proprio pensavate ad un nuovo Blade Runner in musica, questa potrebbe rivelarsi una palpabile alternativa.

Ritorna il progetto Evangelista con un nuovo album su Constellation Records

2011-09-23T10:18:00.003+01:00

Se mai fosse possibile parlare di un’eroina musicale contemporanea, Carla Bozulich ambirebbe di diritto allo scomodo trono. Operativa nell’ultimo decennio con la sigla Evangelista – dopo una carriera spesa a fronte dei temibili industrial-rockers di Los Angeles Ethyl Meatplow e dei ben più noti alternative-country rockers Geraldine Fibbers (con quel fenomeno di Nels Cline alla chitarra) – la nostra ha rifinito i confini tra canzone d’autore, poesia urbana e musica d’avanguardia. Il suo quarto album come Evangelista conferma una sfida artistica, supportata in maniera perentoria dalla canadese Constellation. Questo nuovo disco amplia se possibile i confini del suo spettro sonoro, dove il lirismo e le sue distinte doti vocali sono ancora al centro del progetto. In Animal Tongue è anche una storia di vita, làddove la Bozulich abbandona la città degli angeli, in vista di un’esistenza nomade, frutto delle sue numerose collaborazioni nei diversi angoli del mondo occidentale. Tanto che la nostra è divenuta presenza fissa sia nei circuiti rock meno tradizionali che negli appuntamenti di stampo avant. Il disco è stato registrato in diverse località, a testimonianza dello spirito errante della nostra, trascinata dalla forza degli eventi ed in preda ad un flusso creativo di rare proporzioni. E’ un disco dai tratti più intimisti, riflessivo, sospeso in una dimensione onirica. Perché la realtà della Bozulich è davvero sfuggente e gli elementi contingenti quanto meno minimali. La fida Tara Barnes è al basso, mentre gli arrangiamenti di un musicista stagionato come Dominic Cramp – piano ed organo – virano su tese atmosfere classiche. Il trio di base è supportato da Sam Mickens (The Dead Science), Shahzad Ismaily (Laurie Anderson, Secret Chiefs III, Sam Amidon) e John Eichenseer (jhno), presenti in diverse trace del disco. E’ forse questo l’album più sperimentale della Bozulich, forte delle sue innumerevoli frequentazioni nei circuiti di confine e pronta a rilanciarsi oltre ogni asfissiante steccato indie.

Da questo link è possibile scaricare la traccia "Artificial Lamb" in mp3

Ascolta l'album in streaming:
In Animal Tongue - EVANGELISTA by Constellation Records

Drugstore - Anatomy (Rocket Girl)

2011-08-29T11:58:00.003+01:00

Isabel Monteiro ha una storia importante alle spalle, costruita su una passione univoca, costellata però da scelte dolorose e momenti di autentica redenzione. Così la musica dei suoi Drugstore, sempre in bilico tra rilascio emotivo ed un intimismo dai tratti chiaroscurali. Una delle più grandi speranze del rock inglese di fine novanta, ad un passo da quel balzo mainstream che ne avrebbe magari condizionato gli stessi contenuti artistici. Quando aprirono i concerti del compianto Jeff Buckley, quest’ultimo li prese talmente a cuore da coverizzare il loro singolo di debutto, Alive. A posteriori molto più di una mera soddisfazione.
Per non dire dei live con gli allora compagni di scuderia Radiohead, e della collaborazione a due tra Isabel e Thom Yorke con un singolo che entrò di diritto nella top 20 della classifica inglese. Assimilabile per certi versi allo slo-core di Red House Painters e Low, la loro musica ha sempre contemplato l’ardire dei grandi cantautori, in primis Leonard Cohen con le sue storie a volte lugubri. Nel 2002 si chiude la prima fase della loro carriera, con un contestuale scioglimento.
Come spesso è accaduto ai grandi pionieri del rock alternativo la musica ha sempre rappresentato l’unico punto d’approdo, fuori da ogni logica commerciale. Ecco perché la loro reunion del 2009 è un evento che scaturisce in grande naturalezza, senza programmi di conquista alle spalle. Una sola apparizione, per puro divertimento. Accade però che lo show al Dingwalls di Londra vada sold out in pochissimi istanti. Ed è stato proprio questo l’input che ha portato Isabel nel 2010 a lavorare all’album Anatomy. Con una chitarra gentilmente concessa da un fan di vecchia data.
Un disco questo che ci riconcilia con l’aspetto più romantico e sofferto della band, ancora capace di ballare alle soglie del crepuscolo, con un stile noir che sembra attingere da eroi moderni quali Tom Waits. Nick Cave o la stessa Pj Harvey. Un disco fatto di sentimenti autentici, una carezza suadente, elettrificata. I Drugstore sono una personalità unica ed aliena al mondo dell’isterismo indie, una di quelle rarità sulle quali è impossibile soprassedere.

Il metal-core di APMD per Southern Lord

2011-08-09T16:15:00.002+01:00

Non prendono certo prigionieri All Pigs Must Die, sorta di accademia del più furente metal-core contemporaneo. Parla chiaro il curriculum dei cospiratori con a bordo l’ugola infuocata di Kevin Baker (the Hope Conspiracy) e la batteria al fulmicotone di Ben Koller (Converge). A chiudere il quartetto Adam Wentworth e Matt Woods (Bloodhorse).

Con un nome che lascia davvero poco adito ad interpretazioni di sorta, i nostri traducono in musica il loro letale assalto lirico, venendo fuori con un ibrido senza compromessi. Una corsa al massacro ed uno spettacolo che dal vivo che prevede qualche ossa fratturata di troppo nel circle pit.
Ispirati sulla carta da Cro-Mags, Discharge, Entombed e Celtic Frost, gli APMD non mettono certo da parte trovate originali, potendo anche contare sulla puntuale produzione di Kurt Ballou (chitarrista dei Converge già dietro al mixer per Black Breath, Nails, Trap Them, Disfear etc..)
Gli otto brani del disco confermano Southern Lord tra le tenutarie del verbo, proiettando la formazione ai vertici di un violentissimo crossover. Con il lavoro grafico dell’artista tedesco Florian Bertmer, si completa la spinta nichilista del progetto, che traduce in otto bollente tracce visioni apocalittiche quanto mai fedeli alla realtà

La nuova via al black metal americano

2011-08-09T15:45:00.002+01:00

Potete chiamarlo black-metal ecologista, se proprio apprezzate i risvolti di un’etichetta
così originale, detto ciò non potete certo negare ai Wolves In The Throne Room una completa immersione non solo negli scenari naturalisti, ma anche una militanza nelle lotte a sostegno di un ecosistema ‘incontaminato’. L’idea di fondare il gruppo fu proprio del chitarrista/cantante Nathan Weaver, illuminato proprio al termine di un meeting dell’associazione Earth First! Due anni più tardi, nella primavera del 2004, assieme al fratello batterista Aaron prende vita la prima incarnazione dei lupi, all’interno di una vecchia fattoria ai confini di Olympia, stato di Washington.

Sempre al centro di una visione più articolata rispetto all’unidimensionalità ed alle consuetudini di certo metal, la band conserva tutte le credenziali delle anarco-punk band britanniche (nello stile di vita non è difficile scorgere parallelismi coi Crass) formulando un assalto sonoro fedele alla scena black nord-europea, pur introducendo elementi esoterici ed una propensione strumentale che tenesse conto del più apocalittico hardcore.

Celestial Lineage chiude una trilogia inaugurata con Two Hunters. Il disco è stato scritto e registrato nel corso dei primi 6 mesi del 2011. in cabina di regia Randall Dunn (Earth, Boris, SUNN 0))), Bjork/Omar Souleyman), da sempre a fianco della band. Un disco che prevede un arricchimento formale con ben 3 brani cantati dalla vocalist Jessika Kenney, che infonde un tono liturgico alle composizioni stesse. L’altro cameo pesante è quello di Aaron Turner (ISIS) con una forma poetica assai sinistra.

Continua anche la ricerca estetica della band che si è rivolta ai servigi del fotografo Ali Scarpulla, responsabile di alcuni ritratti mozzafiato delle montagne attorno al quartier generale di Olympia, nel rispetto delle ortodosse tecniche analogiche care al gruppo

Sempre avversi alle regole commerciali i Wolves si imbarcheranno presto in un tour internazionale, con il loro impianto al seguito, pur di evitare la classica trafila del circuito club. Anche questa una scelta che esula dalle consuete dinamiche di gruppi del loro rango.

I nuovi Locust su Ipecac: Retox!

2011-08-09T14:35:00.001+01:00

Proprio San Diego è stato l’epicentro del cosiddetto caothic hardcore nella prima parte degli anni ’90. Portando alle estreme conseguenze gli insegnamenti del più spregiudicato e spigoloso fast punk degli anni ’80, nella città californiana si è creato un terreno fertile per alcune delle contaminazioni più mozzafiato del circuito estremo. Con etichette come la Gravity (casa di Heroin, Antioch Arrow e numerosi altri) si è sviluppato un fitto sottobosco di artisti votati al gioco della folle velocità.
I Retox sono una logica conseguenza di quanto accaduto negli anni, con i loro membri fondatori giovanissimi seguaci delle icone locali. Il quartetto – pronto ad esordire per Ipecac in una co-produzione con l’emerita Three One G – è costituito da pesi massimi del genere.

Justin Pearson (The Locust, All Leather, Some Girls, Swing Kids), Gabe Serbian (The Locust, Cattle Decapitation, Holy Molar, Rats Eyes), Michael Crain (Festival of Dead Deer) e Thor Dickey sono in quattro, ma sembrano un autentico battaglione in assetto anti-sommossa.

Il loro assalto all’arma bianca coincide con i punti più estremi toccati dalla cultura punk. Un urlo disperato che in appena 30 minuti di musica raccoglie le sinistre intuizioni della musica industriale (soprattutto a livello di immaginario) come le serrate scorribande grind-core. Protagonista è l’azione, insieme al turbinio muscolare dei nostri, che conducono un’invettiva ancora credibile contro i mali della società.

Un supergruppo per Ipecac

2011-08-09T14:05:00.002+01:00

Un gruppo stellare quello pronto ad esordire per Ipecac, un manipolo di musicisti tra i più richiesti nell’ambito del rock occidentale più votato alla sperimentazione, tanto che i nomi di Tom Waits, Mike Patton, David Thomas, Blixa Bargeld, Jon Langford e Carla Bozulich sono più di un semplice indizio.I membri fondatori dei Book Of Knots rispondono ai nomi di Matthias Bossi (Skeleton Key, Sleepytime Gorilla Museum), Joel Hamilton (produttore per BlakRoc e Pretty Lights), Carla Kihlstedt (Tin Hat Trio, Sleepytime Gorilla Museum) e Tony Maimone (Pere Ubu, Frank Black, Bob Mould). I quattro si alternano spesso anche al canto, proponendo a seconda dei casi scenari fragili ed intimisti o portentosi attacchi dal flavour epico. Ne viene fuori un disco dalle caratteristiche solide, potenzialmente cinematico nelle sue dinamiche e decisamente sinfonico per l’accuratezza degli arrangiamenti.
Accade così che le chitarre sature incontrino gli archi in strutture fluttuanti, che rivedono l’impianto della musica da camera secondo l’enfasi del più tumultuoso rock. Non si perdono mai di vista gli spunti armonici in questo, il tutto è sorretto da una scrittura perfezionista, frutto di studi accademici filtrati attraverso la lente deformante del dopo-punk.
Quello che rappresenta il loro debutto per Ipecac è in realtà il culmine di una trilogia a nome "By Sea, By Land, By Air", giunta qui al suo capitolo conclusivo. Garden Of Fainting Stars essendo appunto dedicato all’aria è un omaggio agli spericolati viaggiatori del tempo e dello spazio, quasi un tributo ai primitivi astronauti. La realtà utopica immaginata al termine del viaggio astrale è spesso una parentesi speranzosa che finirà con l’appiattirsi di fronte alle comuni parabole della quotidianità.
La musica dei Book Of Knots è così un sostegno ideale per supportare quel viaggio fantastico. Affondando i propri artigli nelle musiche d’avanguardia centrando comunque la semplicità ed i colori del pop più iridescente.

Cymbals Eat Guitars - Lenses Alien (Memphies Industries)

2011-08-08T14:47:00.002+01:00

Sono trascorsi due anni abbondanti dal debutto autoprodotto dei Cymbals Eat Guitars, quartetto di stanza a New York e capitanato dal cantante – ed autore di buon parte delle musiche - Joseph D’Agostino. Con Why There Are Mountains si inserivano di diritto nel solco del miglior indie-rock autoctono, prendendo spunto dalle esperienze trasversali di Guided By Voices e Pavement, guardando oltre gli steccati della stessa forma canzone. Messa quasi da principio da parte l’attitudine lo-fi, i Cymbals Eat Guitars – un’indicazione di massima già dal nome – hanno puntato su strutture fluide e su di un’attitudine che non faremmo fatica a definire progressiva.
Proprio per questa ragione l’album convinse sia i frequentatori dell’underground statunitense che quelli del vecchio continente. L’italo-americano D’Agostino – che oltre a cantare si distingue anche alla sei corde – ha un piglio che per certi versi ricorda quello di Black Francis, con i debiti distinguo. Matt Miller (batteria) Brian Hamilton (tastiere) e Matthew Whipple (basso), chiudono il quadrilatero. Dopo aver ripetutamente testato dal vivo il loro materiale, aprendo per gente come Flaming Lips ed Hold Steady, esibendosi peraltro in festival di grande richiamo come il Lollapolooza e Glastonbury. Terminata questa lunga carrellata internazionale i nostri si chiudono in studio a partire dall’autunno del 2010. Un’unica priorità, stilare i brani guida di quello che sarà il loro secondo album, che verrà pubblicato in settembre da Memphis Industries.
Lenses Alien è così un ritorno sorprendente, esemplificativo di come una band possa crescere nel breve volgere di un anno, perfezionando ogni singolo dettaglio ed attingendo ad un background sempre più interessanti. Sono brani molto più confidenziali, nel senso che parlano direttamente agli ascoltatori, grazie a trame avvolgenti, che non mancano di sfiorare le perigliose volte di una psichedelia moderna. Questa loro ricerca musicale li pone sicuramente in una situazione privilegiata, ancora una volta oltre le schematiche rivoluzioni indie-rock. Un linguaggio sofisticato, le cui aperture molteplici rendono ancor più appetibile l’intera faccenda.

Death In Vegas - Trans-Love Energies

2011-08-08T11:47:00.002+01:00

Cambiano abito I DEATH IN VEGAS che tornano a cimentarsi con un album sulla lunga distanza dopo ben 7 anni di assenza dalle scene. Porta il titolo di Trans Love Energies il nuovo disco licenziato da Drone Records. Da sempre responsabili di un’ elettronica dalle tinte fosche, gli inglesi hanno attraversato longitudinalmente la scena down tempo e trip hop, introiettando elementi dark wave, house ed un romanticismo quasi post-bellico.
Dischi come Dead Elvis, The Contino Sessions e Scorpio Rising hanno stabilito nuove regole nell’universo intercambiabile della dance alternativa, facendo sì che il nome di Death In Vegas divenisse una sorta di status.
Da Satan’s Circus del 2004 il progetto è stato praticamente congelato. Finchè il produttore e maggior songwriter Richard Fearless non ha tirato fuori dal cilindro l’ennesimo contributo alla cosidetta leftfield dance, mettendo a fuco un lavoro dai tratti psichedelici e da toni spesso oscuri. Il titolo Trans-Love Energies si riferisce ad un un gruppo detrotiano anti-establishment – siamo dalle parti di John Sinclair e Weather Underground per capirci – sinonimo di come l’allineamento anche artistico non sia mai stato un’esigenza primaria di Fearless e sodali.
Dodici nuove tracce per Death In Vegas, un unico principio, rinnovarsi nel solco della tradizione elettronica. Ed è un disco dagli esiti speciali questo, ricercato, sfuggente. Echi di musica cosmica, misticismo balearico, fino a sfiorare le più ardite produzioni di New Order e Human League. Fearless è così l’uomo che sintetizza oltre 30 anni di musica, prendendo spunto dalle diverse realtà della club culture britannica.
La voce di Katie Stelmanis degi Austra – band in forza alla scuderia Domino – in tre tracce, fornisce un carattere introspettivo ai guizzi programmatici di Fearless. Andrew Weatherall ha già dato il suo assenso all’operazone suonando a ripetizione – ovviamente in esclusiva - il pezzo Enforced Peace nel suo programma radiofonico a titolo 6 Music.
Dopo il 2004 Fearless ha vissuto diversi anni a Brooklyn approfondendo lo studio del cinema e della fotografia, il suo amore per la musica è stato comunque perorato dall’azione nel gruppo chitarristico Black Acid, con altri musicisti di stanza a New York. Nel 2009 ha fatto ritorno in Inghilterra, dove ha prodotto album per Dark Horses e Von Haze, oltre a remixare gruppi di grido come Pains Of Being Pure At Heart, Hurts, The Kills e The Horrors.
L’eclettismo è la sua forza ed è Fearless forse l’unico vero ‘antagonista’ di Weatherall, con la sua capacità di travalicare costantemente il confine tra indie ed elettronica, mantenendo sempre un gusto tipicamente british.

Vincenzo Vasi/Giorgio Pacorig – “Perfavore Sing” (I Dischi Di Angelica)

2011-08-08T11:40:00.003+01:00

Vincenzo Vasi è una delle voci più versatili e sorprendenti del panorama italiano attuale, le sue
esplorazioni e acrobazie vocali sono riconducibili a quella ricerca, riconosciuta anche a livello
internazionale, attuata da artisti quali Shelley Hirsch, Phil Minton o Mike Patton. Un tesoro in Italia, un’eredità lasciata al mondo da quel Demetrio Stratos che si è spinto così lontano con il suo cantare la voce, inglobando le teorie di un JohnCage unitamente ad una passione per le musiche più ancestrali. Vincenzo Vasi realizza così nuovi approcci allo strumento voce, partendo da quei classici che in qualche misura ne esaltino le capacità interpretative. Canzoni note e meno note, musiche consumate o anche semplicemente poco note e dimenticate. Un’artista che oltre all’estensione delle sue corde riesce a far “parlare” il suo theremin come una voce d’altri tempi. Vincenzo Vasi è arrivato a un punto della sua esistenza in cui si sintetizzano, con naturalezza creatività e maturità. Giorgio Pacorig, suo compagno d’avventura riesce a decontestualizzare i suoi “antichi” strumenti, facendoli diventare qualcosa di nuovo, approcciando contemporaneamente stili diversi, per un risultato che certo non si preclude ad un certo eclettismo e voluminosità. Orchestrazioni importanti ed un lirismo a tratti classico, che certo non prescinde da fondanti elementi di jazz e pop obliquo. PERFAVORE SING è un insieme di pillole liriche, canzoni commoventi e inventate, passioni abissali, free rapido, movimenti dance con spirito live.

TRACKLISTING:
1 DEI SENZA CASA (Vasi)
2 CHRISTMAS SONG (Capossela)
3 CANZONE DELL'AMORE O DELLA PRECARIETA' (Lolli)
4 LACRIMA I (Vasi, Pacorig)
5 MORIBOUND THE BURGERMEISTER (Gabriel)
6 LO QUE MAS QUIERO (Parra)
7 LACRIMA II (Vasi, Pacorig)
8 CRISI D'IDENTITA' (Vasi, Pacorig)
9 CAMBIERO' (Falagiani, Carnesecchi, Oxa)
10 ALLEVI GIOVANI ALLIEVI (Vasi, Cusa, Gebbia)
11 DOTT. MORBIUS (Casadei)
12 LACRIMA III (Vasi, Pacorig)
13 IT JUST MIGHT BE A ONE-SHOT DEAL (Zappa)
14 REBIRTHING (Vasi, Pacorig)
16 GIARDINO (Vasi, Pacorig)
17 SATURNINO FARANDOLA (Meloni, De Carolis)
18 TAKETO (Vasi, Pacorig)
19 FIDELIO (Vasi, Pacorig)
20 HELL NO (The Residents)
21 OSSIA (Vasi, Pacorig)
22 WAS DOG A DOUGHNUT? (Stevens, Lynch, Roussel)
23 SOSTA (Pacorig) 01.43
24 E POI MORIRE (Lauzi)
25 ADAGIO (Marcello)

BRIAN JONESTOWN MASSACRE - The Singles Collection (1992-2011)

2011-08-08T11:23:00.002+01:00

Rimasterizzati dai vinili originali e per la prima volta assemblati in un’esaustiva doppia compilation, i singoli di Brian Jonestown Massacre aprono una nuova prospettiva su quella che è una carriera ancora lungi dall’esaurire la sua spinta artistica ed emozionale. La notizia più importante in primis, 14 di queste tracce non erano state pubblicate su cd prima d’ora, versioni che differiscono spesso radicalmente da quelle apparse negli album ufficiali della band. Un motivo di giubilo, per tutti i completisti dunque. Presenti anche due tracce della band parallela Acid, incisi nel 1993 unitamente al singolo Convertible & Their Majesties 2nd Request (Enrique's Dream) e del recente 10 pollici Illuminomi & There’s A War Going On . Il doppio cd è accompagnato da un booklet di 24 pagine che ovviamente mette in fila tutte le copertine originali dei 45 giri – fronte e retro – oltre ad interessanti note a margine.

Una pubblicazione che è spunto per riconoscere il genio incontaminato di Newcombe, un vero spirito dannato dei nostri tempi, esteta rock’n’roll anche a costo della propria incolumità, uomo che ha sempre vissuto a margine del business discografico californiano, pur ispirando una miriade di artisti contemporanei, non ultimi i Black Angels.

Si dai primi 90, Newcombe, pur attraverso infiniti cambi di formazione, ha scritto la sua versione del rock psichedelico, puntando spesso ad un’attitudine stradaiola. I Rolling Stones più acidi, ma anche i Velvet del secondo album, lo shoegaze e l’attitudine di certe band che avevano fatto mostra di sè nelle raccolte manifesto Nuggets. Questi gli elementi centrali della musica di Brian Jonestown Massacre, rockers spesso affogati da vicende personali, ma sempre pronti a sfoggiare il proprio estro creativo, in una successione di dischi che ha tagliato tangenzialmente gli ultimi due decenni.
Newcombe tra l’altro non ha mai temuto paragoni ingombranti, ne è mai sfuggito alle maglie del rinnovamento. Le sue produzioni più recenti lasciano infatti trasparire una fascinazione per la techno più sofisticata come per la musica etnica, tanto che l’Islanda è divenuta la sua seconda patria. Rivisitare i suoi sogni nel cassetto, i suoi voli pindarici, questa doppia compilation sarà il centro di un universo parallelo, il luogo di un’altra autentica storia di rock’n’roll.

Tracklisting:

DISC ONE
1. She Made Me
2. Evergreen
3. Convertible
4. Their Majesties 2nd Request (Enrique’s Dream)
5. Hide & Seek
6. Methodrone (Live at the Compound)
7. Cold To The Touch
8. Anemone
9. Never Ever
10. Feelers
11. Not If You Were the Last Dandy On Earth

DISC TWO
1. This Is Why You Love Me
2. Lantern
3. Malela
4. If Love Is The Drug Then I Want To OD
5. When Jokers Attack
6. Prozac vs Heroin
7. Nailing Honey To The Bee
8. Illuminomi
9. There’s A War Going On

Larsen - Cool Cruel Mouth (Tin Angel Records)

2011-08-03T16:22:00.003+01:00

I Larsen pur avendo residenza in quel della Mole Antonelliana hanno passaporto a tutti gli effetti internazionale. A riprova questo nuovo album licenziato da Tin Angel per l'Europa ed Important Records per gli USA che vede il quartetto torinese confrontarsi con una delle voci più eclettiche di tutto il tracciato post-punk inglese e del dub bianco: Little Annie. Annie Anxiety Bandez è infatti autrice di tutte le liriche di questo ammaliante Cool Cruel Mouth, un disco che tesse infinite trame strumentali, toccando spesso la profondità della musica d’ambiente e costruzione in odore di folk progressivo. Un’ulteriore salto per i Larsen che in passato avevano – tra le numerose collaborazioni - condiviso un disco con gli Xiu Xiu (XXL il nome dell’emerito progetto) a consolidare una tenuta underground che estende i suoi confini e la sua credibilità oltreoceano.

Il disco si apre con un’incredibile rivisitazione di It Was A Very Good Year, standard composto da Ervin Drake per ‘the voice’ Frank Sinatra, e poi divenuto numero strabiliante in mille orchestrazioni pop a venire. Già di per sé una scelta che indirizza il disco, contraddistinto dalla magnetica inflessione di Little Annnie, il cui cantato spesso si avvicina allo spoken, in una densa poesia metropolitana.

Fabrizio Modenese Palumbo (chitarra, viola elettrica), Marco Schiavo (batteria, glockenspiel), Paolo Dellapiana (elettroniche, fisarmonica, theremin) e Roberto Maria Clemente (chitarra) sono poi raggiunti da Baby Dee, ospite speciale all’ upright piano in due tracce dell’album. Unheard Of Hope è tra l’altro proprio firmata dalla compositrice, un tono tra il solenne ed il drammatico per un contributo passionale e deciso alla resa di Cool Cruel Mouth. Lo sospettavamo da tempo, ma or ai Larsen sono proprio destinati a salpare.

Richmond Fontaine - The High Country (Decor Records)

2011-08-03T11:04:00.004+01:00

Una storia dai contorni apparentemente tragici quella raccontata nel decimo studio album di Richmond Fontaine a titolo The High Country. Qualcosa che va oltre l’idea stessa di concept, tanto che il quartetto di Portland, Oregon, ha creato dei brani che ben si sposano alla natura narrativa dei testi, vere e proprie novelle musicate, in cu i protagonisti sembrano guizzare fuori dai loro contesti, come le nuvolette discorsive di un fumetto.

Grande attenzione è prestata anche alla grafica del disco, contenuto in un elegantissimo digipack con un booklet di ben 8 pagine interamente a colori. E’ ancora la Décor Records (Chuck Prophet, Mark Eitzel) a licenziare il lavoro con somma reverenza.

Che la musica muovesse pari passo con le liriche è una prerogativa che da lungo tempo abbiamo imparato ad apprezzare, non fosse altro per la carica del frontman Willy Vlautin, autore di alcuni fortunati libri. Il suo debutto del 2006 nella veste di scrittore - The Motel Life - si è presto trasformato in un film indipendente di successo diretto dai fratelli Polsky con protagonisti nomi del calibro di Dakota Fanning, Stephen Dorff e Kris Kristofferson. Cambia nel frattempo la metodologia di Richmond Fontaine che pur combinando la ricerca letteraria del suo maggior autore, decide di spostarsi gradualmente verso territori più rock, lasciando trapelare una maggiore intensità che va sovrapponendosi alla melanconica vena americana dei precedenti lavori.

Con l’assistenza del produttore John Skew il gruppo sembra anzi riallacciarsi alle sue radici cowpunk, portando alla luce l’attitudine garage-rock del Northwest unitamente ad un piglio cinematico. La musica roots più carismatica in cui possiate imbattervi nella stagione.

Ascolta il singolo Lost In The Trees da questo link:

Pure X - Pressure (Acéphale)

2011-08-03T10:55:00.002+01:00

Pure X è l’ultima incarnazione per quest’accolita di musicisti che - provenendo da Austin, Texas - prediligono naturalmente un sound dai tratti lisergici. Una psichedelica comunque gentile, laddove la forma canzone sembra poi l’argomento di maggiore interesse per il trio composto da Nate Grace, Jesse Jenkins ed Austin Youngblood, amici per la pelle da tempo immemore.

Ed è proprio quella confidenza di base che lascia pensare ad un dialogo spontaneo tra i protagonisti, che seppelliscono sotto un muro di feedback melodie sixties, tratte come per incanto dal grande libro del pop d’autore a stelle strisce. Un percorso che ha tutti i crismi della contemporaneità, partendo dall’assunto che Beach Boys e Phil Spector sono tornati ad essere i depositari della cultura americana moderna, anche per una schiera di imberbi giovinetti.

Il loro album di debutto in uscita a fine agosto per Acéphale è un affare davvero interessante. Rispettando un’attitudine che certo non preclude la prassi del ‘fai da te’ , Pure X lavorano in studio preservando la propria integrità ed istintività. Ciò significa che i brani sono suonati live in studio senza alcuna sovra incisione.

Un lavoro nudo e crudo questo Pleasure, fascinoso anche per questa caratteristica portante.

Numeri dark pop che sembrano rivedere lo stesso concetto di ballata, squarci elettrici che pescano nell’ humus chitarristico dello shoegaze e più in generale del post-punk inglese a tinte fosche, riservando sempre una patina di classicità. Perché in buona sostanza l’effetto è quello. Le armonie vocali dei Pure X sembrano davvero antiquate, quadri mobili che descrivono altre adolescenze torbide. E’ una musica tradizionalmente rock’n’roll, ma anche molto soulful, piani che si incrociano, sfiorando vette assolute.

The War On Drugs - Slave Ambient (Secretly Canadian)

2011-08-03T10:43:00.003+01:00

Arriva da Philadelphia Adam Granduciel, inedito cantore ed astuto provocatore sin dalla ragione sociale. The War on Drugs è il suo personale veicolo, estensione fortificata della one-man band, che sceglie la via dell’elettricità piuttosto che quella dell’intimismo folk. Slave Ambient è il suo ritorno in azione, dopo il debutto - accolto con grandi aspettative - di Wagonwheel Blues.

Ossessionato da idee diverse, scegliendo di pari passo l’attacco frontale o il preludio elettro-acustico, Granduciel rivede con fare spartano e sicuramente incompromissorio i giorni dell’americana, percorrendo la strada che dai Suicide porta giusto dritti allo Springsteen di Nebraska.

Proprio perché una maratona folk-rock può essere descritta dal battito glaciale di una drum machine. Le frasi strumentali e l’elettronica povera sono così funzionali al dizionario di Granduciel , che si ripete nelle micro orchestrazioni di Slave Ambient, 47 minuti che elevano il concetto di rock’n’roll, da intendersi nelle sue forme più spurie ed avant-pop.

Accompagnato da esperti musicisti locali - i polistrumentisti Dave Hartley e Robbie Bennett oltre al batterista Mike Zanghi – ha registrato il materiale in essere nel corso degli ultimi 4 anni, in parte presso lo studio casalingo e altrove al più ricercato Echo Mountain di Asheville. L’album ha la brillantezza di posizionare le sue più bizarre influenze nel luogo ed al momento giusto. Appare così un sintetizzatore in vece di una chitarra elettrica – e viceversa – un motivetto country si destreggia poi tra adescamenti pop anni ’80, per dire di questo giano bifronte che rivede parecchie delle credenze sulla forma canzone.

Un classico istantaneo come “Baby Missiles” sembra un sacrilego tributo in chiave cosmica al Boss, quando “Original Slave”assomiglia ad un potente drone hillbilly. E non poteva certo mancare una sortita nei territori hypnagogici con “City Reprise #12” quasi un Phil Collins in viaggio verso le volte kraute degli Harmonia. E’ un disco di cui coglierete i più reconditi aspetti solo dopo un ascolto meticoloso, usando toni da prima pagina questa è ‘americana back to the future’.

Girls Names - Dead To Me

2011-06-30T14:06:00.002+01:00

Nati a Belfast nel Gennaio del 2009 ed inizialmente circoscritti al duo di Cathal Cully e Neil Brogan i Girls Names esordiscono dal vivo senza aver nemmeno affrontato una prova da studio. Incoscienza degli esordienti, più che dilettanti allo sbaraglio, perché in realtà pure se vaga la loro altera forma di pop music aveva già solide fondamenta.
Con l’aggiunta di Claire Miskimmin al basso il trio è completato e presto punta alla rivisitazione di sonorità di stampo eighties, prossime all’underground gentile di artisti quali Black Tambourine, Felt e Sound of Young Scotland. Fioccano le pubblicazioni in questa fase primigenia, con un 12” per Captured Tracks (la label di Blank Dogs), un mini-album per Tough Love ed uno split 45 giri con i cugini di San Francisco Brilliant Colors (Slumberland, logicamente).

Hanno progressivamente aperto i concerti di Times New Viking, Dum Dum Girls ed Abe Vigoda, crescendo a vista d’occhio e guadagnando quella dimestichezza col palco che è caratteristica portante dei gruppi navigati.. Un’identità ferma, che nell’esordio sulla lunga distanza rilancia un’idea di pop chiassoso ed allo stesso tempo fragile, informato dal sixties garage, dal post-punk più angolare ed ovviamente da una cultura lo-fi che è manifesto attitudinale.

Entrati in studio nella seconda metà del 2010 i tre irlandesi hanno coronato il loro sogno di realizzare un album old-fashioned, in cui il pop si abbandonasse come per incanto a scenari spettrali.
I 10 brani che danno vita a Dead To Me sono posseduti da un calore ed una classicità rari per una formazione così giovane. Un occhio alle aperture vocali dei Walker Brothers, l’altro agli Orange Juice per poi allinearsi a quanto oggi pubblicato da Crystal Stilts e compagnia arrembante.

Aldilà delle palesi influenze, Dead To Me si distingue per la sua innocenza e la sua voglia di evadere la schematicità di certo indie-rock. I risultati sono encomiabili. Il disco viene licenziato in America da Slumberland, altra garanzia di base e pubblicato dalla Tough Love Records.

Scarica il singolo “Seánce on a Wet Afternoon”

Shimmering Stars: si intitola "Violent Hearts" il debutto del trio di Vancouver

2011-06-30T11:46:00.005+01:00

Gli Shimmering Stars sono un trio con residenza a Vancouver, BC, Canada (guarda caso domicilio di altri fenomeni come New Pornographers). Sin dai primi accordi di questo "Violent Hearts" si viene catapultati in una dimensione extra-temporale, in cui sfocate immagine in bianco e nero parlano di teen pop anni ’60. Sembra risuonare un qualche jukebox della metà dello scorso secolo, ma le melodie sono prontamente alterate da piccole stilettate noise, che ricollocano naturalmente il gruppo ai giorni nostri. Un effetto vintage per nulla scontato, che parte dalle primordiali armonie di Walker Brothers, Del Shannon, Everly Brothers e dell’onnipresente – in termini meramente citazionisti – Phil Spector, per modificare attraverso piani contemporanei canzoni che hanno tutte le aspettative e l’irrequietezza dell’adolescenza. L’amore sposato alla sindrome di Peter Pan, temi eterni che si rincorrono in queste composizioni, che mai si abbandonano a frasi retoriche, rivelando come in circa 50 anni l’ansia giovanilista possa ancora alimentare il pop di impronta indie. Riverberi chitarristici ad effetto , armonie insidiose, ritmi pulsanti ed in generale un’adesione piena al formato canzone, "Violent Hearts" è il disco per cui perdere la testa in una notte di mezza estate, sospesi – ubriachi – in prossimità del mare. E’ roba che prende direttamente al cuore, senza passare dalla corteccia cerebrale. Canzoni piene di polvere, d’accordo, ma di un’attualità spaventosa. Il giusto connubio tra l’epoca dell’innocenza ed il disarmante cielo dell’avvenire.

Shimmering Stars - I'm Gonna Try from Salazar on Vimeo.

Nuovo album per Marc Almond, in coppia con il compositore Michael Cashmore

2011-06-30T11:01:00.004+01:00

"Feasting With Panthers" è la collaborazione tra Marc Almond ed il compositore Michael Cashmore, improntata sui poemi del conte Eric Stenbock, oltre a traslazioni uniche curate dal poeta Jeremy Reed, che in vita ha saputo rileggere le opere di Jean Genet, Rimbaud e Paul Verlaine. La decadenza amorosa ed un romanticismo arcaico sono i temi conduttori di questa rivisitazione . La voce suadente di Almond – ancora una dimostrazione di grande versatilità – si sposa agli arrangiamenti spettrali e melanconici di Michael Cashmore, capaci di recuperare l'innocenza di una gioventù da lungo smarrita. L’album è stato registrato nel corso di diversi anni, utilizzando un fitto scambio di file musicali attraverso la rete, tutto questo per ovviare alla distanza materiale esistente tra i due artisti, con Cashmore residente a Berlino ed Almond ancorato alla swingin’ London. Ma l’organicità dell’album e la cura con cui i testi sono stati sovrapposti alle musiche lasciano pensare a ben altro. David Tibet dei Current 93 è in qualche misura l’iniziatore del progetto. Fu proprio lui a donare ad Almond un libro di poemi del conte Stanislaus Eric Stenbock, pubblicato grazie al suo marchio Durtro . Un’attrazione istantanea, che ha portato all’incontro con un altro sodale di Tibet, il chitarrista Michael Cashmore, da decenni nell’orbita folk apocalittica. C’è subito sintonia tra i due, tanto che una performance dal vivo alla Queen Elizabeth Hall di London del 2008 coi Current 93, suggella l'unione, grazie alla riproposizione di due brani imperniati sui poemi di Stenbock. L’album completo vede oggi la luce grazie allo sforzo di Cherry Red, rimettendo in bella mostra un romanticismo ancestrale e collocando la fortunata collaborazione oltre ogni barriera temporale.

Goodfellas sigla accordo con Kepach Music Group

2011-06-28T11:51:00.001+01:00

Siamo lieti di annunciare l'accordo per la distribuzione esclusiva del gruppo Kepach Music, uno dei più prestigiosi nel circuito jazz moderno, sia in ottica italiana che internazionale. Cam Jazz - che ha ottenuto ben 5 Grammy nominations (2006, 2007, 2008, 2010, con artisti dello spessore di Kenny Wheeler, Diego Urcola ed i leggendari Oregon) - ed il sussidiario marchio Cam Jazz Presents, per il quale esordiscono le nuove leve del jazz continentale, sono i fiori all'occhiello di questa storica compagnia, che da tempo ha anche rilevato i cataloghi di Black Saint e Soul Note, etichette cruciali nello sviluppo di tutto il jazz afroamericano. Parliamo nello specifico di label che hanno segnato in maniera impressionante la crescita della musica creativa nei suoi molteplici aspetti. Forte di questa nuova compartecipazione Goodfellas amplia le sue prospettive artistiche, aprendosi ulteriormente ai circuiti della musica jazz e contemporanea.

Jim Ford: esce a fine luglio la ristampa del suo capolavoro "Harlan County"

2011-06-28T11:21:00.005+01:00

Light In The Attic ci ha sempre abituati a grandi numeri – quando per numeri s’intende la qualità intrinseca del progetto artistico – e per non smentirsi ripubblica oggi una delle pietre d’angolo del movimento country-soul, accreditata a mister Jim Ford. Registrato presso i leggendari Wally Heider di Los Angeles, con l’intervento di musicisti stratosferici quali Dr. John, Jim Keltner (John Lennon), James Burton (Elvis Presley) e gli arrangiamenti orchestrali di Gene Page (The Righteous Brothers, Barry White, Marvin Gaye), il disco entra di diritto tra le migliori ristampe di questo anno solare. Accompagnato da un dettagliatissimo booklet di 32 pagine, con le note determinanti di Kurt Wolff (The Rough Guide to Country Music), "Harlan County" riproduce fedelmente l’artwork originale e gode di un puntuale lavoro in fase di remastering, grazie alla possibilità di accedere ai nastri originali. Country-man sui generis Ford, originario del Kentucky, s’imbarca verso la California con l’idea affatto remota di incidere un album di blue-eyed soul. Avesse solo avuto una congiunzione astrale favorevole il nostro avrebbe presto abbandonato lo satus di uomo-culto, magari toccando un logico riconoscimento di pubblico. Ma spetta ai cultori ed alle label lungimiranti fare il lavoro sporco. Ecco a voi la resurrezione di "Harlan County" pubblicato nell’anno dei grandi sommovimenti sociali, quel 1969 che avrebbe segnato a fuoco la storia contemporanea. Storia di carbonari, tant’è che fu la misconosciuta Sundown Records a licenziarlo, quando le classifiche popolari parlavano la lingua di Beatles, Led Zeppelin e Creedence Clearwater Revival. Nonostante abbia scritto canzoni per interpreti eccezionali - Bobby Womack (“Harry Hippie”), Aretha Franklin, P.J. Proby, Temptations e non ultimo un cameo in "There’s a Riot Goin’ On" di Sly & the Family Stone — Ford non ha mai ingranato nelle vesti di solista, tanto che agli albori degli ’80 decise di ritirarsi a vita privata, abbandonando il music business definitivamente. “Jimmy Ford è il più balordo uomo bianco sul pianeta,” questo diceva di lui Sly Stone, riascoltando il disco si hanno pochi dubbi in proposito. Tutti i fans di Charlie Rich, Tony Joe White, Lee Hazlewood e Bobby Charles sono chiamati a raccolta, non commettete lo stesso errore per due volte di seguito…

"Jimmy was a beautiful cat, one of the most creative people that I've ever met." - Bobby Womack

Torna Alias con un nuovissimo lavoro targato Anticon Records

2011-06-27T17:12:00.004+01:00

Co-fondatore del marchio Anticon ed innovatore tra i rapper che hanno scelto la via strumentale, Alias torna con un nuovo parto da studio, cronologicamente il suo sesto. La sintesi tangibile di quanto il nostro ha inseguito per anni, un sound che prendesse atto di atmosfere glaciali e melodie spettrali, quasi in una ricostituzione del concetto di intelligent dance music.

La rinascita che prende forma con Fever Dream è fatta di un dinamismo inedito. Un’ispirazione che da lungo tempo ha sconfinato nel suono elettronico più sofisticato, liberandosi dalle figure logicamente associate alla moderna cultura hip-hop. Prossimo alla carovana guidata da Flying Lotus, Alias ha pensato bene di forgiare le sue armi ritmiche, affilandole con la propulsione di un subdolo battito dance. C’è il groove, anche se sommerso da istantanee più riflessive, ci sono vocine R&B finemente lavorate (secondo quella tecnica tanto cara a Burial) ed un approccio melodico che rimane trasversale.

Il secondo brano in scaletta - "Wanna Let It Go" – è esemplificativo di quanto detto: un’attitudine soulful, dei bassi profondi, ed un gusto per l’accorgimento digitale mai invasivo. Indicazioni che spingono ad un paragone con gli esperimenti strutturali di James Blake e Nosaj Thing. Altrove – in "Feverdreamin" ad esempio - è il lascito dei Boards Of Canada ad avere il sopravvento, un sound sfuggente, a tratti impalpabile, che sposta l’asse della nuova elettronica verso forme lisergiche inattese.

Chiamando a sé collaboratori come Dax Pierson (Subtle), DJ Mayonnaise ed il batterista Mike Haggett, Alias sposta ulteriormente l’asse dei suoi interessi, approcciando a livello cognitivo il funk bianco, la new-wave ed il post-rock dei Tortoise, paradossalmente una delle realtà attitudinalmente più prossime.

In considerazione di quanto scritto poc’anzi, la sua produzione più ispirata ed il segno incontestabile di una proprietà di linguaggio da fuoriclasse

Nuovo disco su Neurot per U.S. Christmas

2011-06-24T11:04:00.001+01:00

Un lungo brano come nella tradizione di un’altra pietra miliare della musica heavy contemporanea: Jerusalem degli Sleep. Non nuovi ad excursus sulla lunga distanza i sei U.S. Christmas, riversano tutto il loro sapere e la loro arte in un monolite che pare immolarsi all’estetica del rock più apocalittico. In una telecronaca da giudizio universale, con gli echi visionari dei più classici lungometraggi di Jodorowski come sfondo, "The Valley Path" si pone come pietra d’angolo di tutta la cultura heavy e post-core. Talmente stratificate le mutazioni del loro suono che risulta difficile sacrificarli al banco dei cattivi maestri. Prendiamo infatti visione di un songwriting rimodernato, grazie all’utilizzo impertinente degli archi e dei musicisti addizionali per la session in causa: Tony Wyioming e Travis Kammeyer. Il gruppo non ha mai accantonato l’idea di realizzare un album costruito attorno ad una composizione-fiume, è come se la visione collettiva dei singoli prendesse forma, in maniera spontanea, rivelando le possibili bocche di fuoco di un progetto che dapprincipio si poneva come multimediale. Inseguendo quelle che erano le poderose tirate dei Neurosis di "Souls At Zero", scivolando nel neo classicismo amplificato di Godspeed You Black Emperor fino a lambire la psichedelia multivitaminica degli Hawkwind, "The Valley Path" testa il vostro corollario emotivo, riservando sorprese ad ogni angolo.

Tornano gli inglesi Ramesses con un nuovo album

2011-06-23T11:05:00.004+01:00

Mark Greening, Adam Richardson e Tim Bagshaw, i tre membri costitutivi dei Ramesses, sono passato e presente della scena stoner-doom britannica, ma con il nuovo album dal profetico titolo "Possessed By The Rise Of Magik" siamo certi che il loro dominio non solo si estenderà ben oltre i patri confini, ma sarà alla base di una fondazione destinata a rimanere nel tempo. La loro musica diventa ancor più magmatica, frutto di un lavoro estenuante sulla natura stessa dei suoni, che in molti casi si fanno lisergici, potenziando l’allucinogena visione del terzetto. Che non a caso gioca con terminologie esoteriche, rivendicando un’attitudine pagana, che si poggia su antichi rituali di stampo spesso naturalista. Il loro pensiero è in sintonia con quello dell’influente occultista inglese Austin Osman, un uomo che ha lasciato un segno indelebile nella sfera delle scienze mistiche. La stessa musica è sintonizzata su nuove tecniche di incisione, tanto che il gruppo non ha rinunciato all’affascinante ipotesi di registrare in stato di trance, prendendo peraltro in considerazione la scrittura automatica. Circostanze che trascinano la band aldilà dei noti meandri della musica pesante. Arcaica e futuribile allo stesso tempo la proposta dei Ramesses supera a destra molte delle forme contemporanee di heavy metal, rinunciando alla teatralità del black e a certi risaputi viaggi stoner-rock, per un connubio artistico originale e stordente. E’ come se i nostri viaggiassero autonomamente su una navicella spaziale che compie la circonferenza del nostro globo, sospinti da qualche forza ancestrale che rende così speciale la loro arte. Tra le formazioni più imprendibili e roboanti di tutto l’underground inglese, i Ramesses ci regalano un’altra possibile lezione sul nostro subconscio senza risparmiarci alcun colpo.

Disco live per i Melvins

2011-06-23T10:41:00.003+01:00

La nuova Zelanda, poi il Giappone… i Melvins sperano sentitamente di non incappare più in madre natura, visti gli esisti devastanti di questi ben noti eventi, che han compromesso anche le recenti trasferte intercontinentali del gruppo. King Buzzo ci ironizza sopra, nel rispetto delle vittime per carità, dicendo di esser stato catapultato in qualche club del bizzarro. Tanto che nel 1994 Osborne era dalle parti di Northridge , quando un terremoto di magnitudo 6.7 scosse la terra. Un predestinato? Pare questa una parafrasi della musica dei Melvins, nota per essere devastante, impertinente e tutt’altro che schematica. E quale miglior occasione per ribadire il concetto di un live - Sugar Daddy – che in 13 tracce si spinge ben oltre la soglia del mero intrattenimento? La registrazione dal vivo è frutto di una data al Busta-Gut Club di Downey, stato della California. Deliziando i propri fans il gruppo mette in fila alcuni dei suoi classici presenti e remoti, facendo risaltare in scaletta versioni da urlo di “Boris”, “A History Of Bad Men” e “The Kicking Machine”. Reduci da un residenza sold-out allo Spaceland di Los Angeles, i Melvins sono pronti a ripetere l’esperimento con due serate a tema in cui esibire i gioielli di casa. Il pacchetto, valido appunto per due notti, vedrà il gruppo immolarsi in classici quali Egg Nog, Lysol e Houdinisongs nella prima tornata, e riportare in cattedra i mitologici Bullhead e Stoner Witch al secondo giro di boa. L’augurio è che facciano altrettanto di passaggio nel vecchio continente.

Khyam Allami - Resonance/Dissonance (Nawa Recordings)

2011-06-23T10:06:00.003+01:00

Non capita spesso di imbattersi in un artista dalla biografia così imponente, nonostante la giovane età ed i relativi trascorsi artistici. Quanto proposto dal musicista di origine irachena Khyam Allami nel suo debutto in solo, è un album di world music dal fascino superbo, giostrato sulle armonizzazioni dell’oud. Praticamente un disco solista che nei suoi riferimenti non manca di citare la tradizione classica – Bach – e quella rock occidentale – addirittura i Led Zeppelin – rivelando un gusto che si spinge ben oltre le discipline e tecniche medio-orientali.
Resonance/Dissonance – pubblicato dall’etichetta dello stesso Khyam: Nawa Recordings - è un disco doppio che si presenta nel formato cd/dvd, affiancando l’incisione da studio con una performance dal vivo della medesima esecuzione. Un risultato frutto di anni di duro lavoro ed immersione quasi ‘religiosa’. La musica è stata composta in un weekend lungo e registrata nel Febbraio del 2011, mentre il DVD è stato filmato in un unica sessione a Londra Est il marzo successivo, in un vecchio magazzino ora adibito a galleria d’arte. Il disco abbraccia il concetto del Maqam (il sistema modale della musica del medio oriente), apparentemente essenziale e semplice, eppure estremamente complesso.
L’approccio insolito a questa millenaria tradizione si combina con originali "improvvisazioni composte", temi ricorrenti e figure melodiche rendono la narrativa coesa, accentuata da una dinamica sensibile ma anche da un ritmo ciclico.
Il concept è sicuramente sensibile alla vita londinese (seconda patria del musicista) oltre che influenzato emotivamente dal lavoro di C.G. Jung, dal misticismo di Jorge Luis Borges, dall’indipendenza e dal pensiero sfrontato di Frank Zappa e di moderni eroi quali Secret Chiefs 3 (la band dell’ex Mr.Bungle Trey Spruance).
Mistico nella sua lucidità e astratto nella sua poesia, Resonance/Dissonance è profondo, nero e speranzoso nella stessa misura. Un disco che trascende i luoghi comuni della musica mediorientale, attingendo sottopelle a classica, progressive, jazz ed improvvisata.
Khyam Allami suona anche nei Drums in Knifeworld, band formata da Kavus Torabi (Cardiacs,
Guapo, Ex-Chrome Hoof, Ex-Monsoon Bassoon), oltre ad esser collaboratore esterno dei Master Musicians Of Bukkake.

Track Listing Disc 1 - Audio CD
1. Individuation
2. Naghmat Tahrir
3. Tawazon I: Balance
4. An Alif/An Apex
5. Tawazon II: or Lack of
6. The Descent (Maqam Nawa)
7. Reverie

Disc 2 - DVD
Live performance of the entire album (accompanied by percussionist Vasilis Sarikis)
1. Individuation
2. Naghmat Tahrir
3. Tawazon I: Balance
4. An Alif/An Apex
5. Tawazon II: or Lack of
6. The Descent (Maqam Nawa)
7. Reverie
+ Bonus Photo gallery with outtakes improvisation not on CD!

Robot In Disguise - Happiness Vs. Sadnes

2011-06-23T09:53:00.001+01:00

Il quarto album delle Robots In Disguise introduce una succosa e benvenuta novità, ovvero l’intervento concreto da parte di alcuni accesi fans nella fase produttiva. Descritte a più riprese come l’anello mancante tra Peaches, Le Tigre e Princess Superstar le nostre continuano a propiziare momenti di supremo intrattenimento con una musica che guarda tanto all’ electro rock, quanto al pop più sbarazzino ed alla wave post-romantica.
Dee Plume (chitarra e voce) e Sue Denim (basso e voce) - accompagnate dal vivo dal fido Ann Droid (batteria e voce) – sono riot grrl del terzo millennio, che non rinunciano mai all’effetto sorpresa, prediligendo una produzione che possa riscattare i momenti salienti del cultura DIY affrontando i nuovi ed infernali marchingegni da studio.
Quello che è evidente con Happiness Vs. Sadness è la dimostrazione di una crescita che va di pari passo con una maturità acquisita nella stesura dei brani. Che mai rinunciano a testi pregni di riferimenti socio-politici. Del resto questa loro attitudine le ha portate lontane, non solo i palchi inglesi ed europei, ma anche quelli giapponesi, fino a dividere gli stessi con stelle del calibro di Gary Numan, Cindy Lauper e Gossip.
Il nuovo quartier generale di Robots In Disguise ha un nome ed un idnirizzo, The Brainyard, proprio nel cuore della storica Kings Cross.
David Alexander (Yo Majesty/Dominique) e Tim Holmes (Death In Vegas) sono i produttori di riferimento che sottolineano l’esuberanza e l’urgenza del gruppo. La title-track è il loro assalto al dancefloor, mentre "Don't Go" assomiglia ad un anthem radiofonico scritto dai Blur. Peraltro non perdete l’occasione di ascoltare la loro hit alternativa per le Olimpiadi del 2012 a titolo "I'm A Winner", di per sé un buon auspico.

Debutto su Stones Throw per The Stepkids

2011-06-21T13:18:00.003+01:00

Gli Stepkids sono un trio di cantanti e songwriter bianchi, che rappresenta la nuova scommessa artistica in casa Stones Throw. Mai come ora la label americana sposta il baricentro con prepotenza verso l’universo indie, mantenendo comunque la medesima filosofia operativa. Parlare di indie-pop è in realtà fuorviante, perché il soul e la musica nera declinata in salsa hip-hop o break beat sono comunque una componente fondante dell‘universo Stepkids, che a volerla dir tutta stanno cercando di trasferire la psichedelia in una dimensione dancefloor da terzo millennio.
Le tre entità si fondono in un nevralgico assetto, i contributi alle composizioni arrivano da ogni parte, in un processo creativo che non impone individualismi di sorta.

Il fatto stesso che siano tre le voci in ballo, consente al disco di avere un respiro ancor più profondo, posizionando il debutto degli Stepkids su livelli di assoluta brillantezza. Non è nemmeno da trascurare il loro curriculum esterno, tanto che il chitarrista Jeff Gitelman – poco prima di entrare in studio – era reduce da un tour con Alicia Keys. Anche il batterista Tim Walsh ci tiene a precisare come nel debutto omonimo i ruoli siano interscambiabili. Una potenza di fuoco che anche per il terzo uomo Dan Edinberg (basso/tastiere) è la caratteristica portante di un gruppo che non si abbandona alle bizze di un leader.

Cresciuti nel circuito jazz ed r&b della costa est, ogni membro del gruppo ha avuto l’onore – e l’onere – di dividere il palco in qualità di session man con 50 Cent e Lauryn Hill, fino al tour in compagnia dei talenti punk Zox. Album solisti, musiche per film e spot pubblicitari sono stati poi il pane quotidiano di questo ensemble, che con grande nonchalance muove tra proto-punk e jazz, musica dell’africa occidentale e folk dei sessanta, blue eyed soul e musica da camera.

Un caleidoscopio in parole povere, una giostra infinita in cui vi sembrerà di scorgere i corpi affusolati di Flaming Lips e Tv On The Radio, Outkast e Syd Barrett, come in un museo dei talenti itinerante.

Scarica il singolo "Shadows on Behalf"

Son Lux -- We're rising (Anticon Records)

2011-06-21T11:05:00.001+01:00

Registrato in poco meno di un mese We Are Rising, porta con sé le stimmate del capolavoro, rivelando oltre ad una perizia strumentale inequivocabile, arrangiamenti semplicemente straordinari per quello che riguarda l’orbita indie. Andando a leggere tra le righe di una biografia già significativa, scopriamo che Ryan Lott – nato a Denver, Colorado, nel 1979 – è un musicista di estrazione classica. Sospetto che serpeggia per tutta la durata di questo album, il secondo ad esser licenziato da Anticon. Scorriamo i nomi delle figure coinvolte e le conferme non tardano ad arrivare. Innanzitutto il sestetto yMusic – che ha già coadiuvato in studio celebrità del calibro di Antony, Sufjan Stevens e the National – poi gli interventi scelti di Dm Stith e Shara Worden/My Brightest Diamond altri affiliati del clan Asthmatic Kitty.
La vena di Lott è miracolosa, è il frutto del lavoro di una one-man band che sfocia nei toni orchestrali di un ensemble più ampio e variegato, che ricuce gli strappi tra poetica folk e musica da camera, senza soprassedere sulla magia della musica elettronica e del dream pop. Ci sono così tanti particolari da analizzare che l’impressione di confrontarsi con un concept album dei ’70 è davvero vivida.
Se esistesse in terra una fantomatica etichetta pop progressiva, Son Lux sarebbe fuoriclasse nella categoria di riferimento. Con l’estate alle porte ed i primi consulti di metà anno, We Are Rising sembra possedere numeri importanti, tanto da lasciar presagire un futuro tra i più radiosi per l’autore di Denver.

Son Lux - Making of: "We Are Rising" Album Artwork by The Made Shop from anticon. on Vimeo.

Nuovo album per i Ladybug Transistor su Fortuna Pop!

2011-06-21T11:03:00.003+01:00

Con quelle loro arie tipicamente pop, e quell’atteggiamento sospeso tra innocenza adolescenziale e logico avvicinamento alla soglia della maturità, i Ladybug Transistor rappresentano l’archetipo della canzone melodica concepita ad arte. Con un piede nella California dei sessanta e l’altro nel twee-pop prodotto negli ’80 in terra d’Albione, con Clutching Stems ci offrono la loro disarmante escursione nei meandri della musica ‘da cameretta’. Natii della’area di Brooklyn ma con un piede saldamente impiantato nella cultura british, i ragazzi agli ordini del leader Gary Olson hanno licenziato qualcosa come 6 album in 16 anni di onorata carriera. Il numero sette è pubblicato negli States da Merge e licenziato in Europa – in maniera logica – da Fortuna Pop! Con l’ingresso dei nuovi membri Kyle Forester e Ben Crum i nostri hanno progressivamente riveduto il loro approccio nella seconda parte della scorsa decade, pur dovendo affrontare la dolorosa perdita dello storico batterista San Fadyl, venuto a mancare per un improvviso attacco d’asma. Circostanza che aveva compromesso il futuro della band stessa.

Clutching Stems nel ricordo del musicista e dell’amico perso, ripropone così un’impeccabile raccolta di brani, illuminati da una nuova vitale energia. Come se Brian Wilson incidesse per Creation o gli Smiths avessero dismesso i panni dell’urbana Manchester per guardare alle assolate rive californiane. Manifattura d’autore in un album da veri intenditori del pop adulto.

All'esordio il giovanissimo Federico Braschi

2011-06-16T12:50:00.004+01:00

E’ già tutto nel titolo, un pensiero che è via di fuga, ipotesi libertaria su una realtà metropolitana che opprime, tarpa le ali. “Tra le nuvole e l'asfalto” è l’opera prima del giovane Federico Braschi, che a ridosso del raggiungimento della maggiore età completava la sua opera prima, in una pratica non molto distante da quella dei più impegnati cantautori dei nostri Settanta. Ricordando quanto si è prodotto in patria pur rispettando le ambizioni ed i toni degli autori statunitensi, specchio culturale tangibile, il nostro ha scelto come musicisti e consulenti i campioni della canzone barricadera Gang, unitamente a Massimiliano Larocca, Lorenzo Semprini dei Miami And The Groovers, Franco D’Aniello, Davide Morandi e Francesco Moneti dei Modena City Ramblers. Prodotto in trio da Antonio Gramentieri, Franco Naddei e Diego Sapignoli, l’album lascia sgorgare istintivamente la penna di Braschi, che seppure all’esordio mostra già le doti di un veterano, agile nell’abbracciare toni elettro-acustici eleganti. Ci sono le ansie e le speranze di un’adolescenza che progressivamente scivola alle spalle, non c’è smania perfezionista, non c’è motivo di accelerare od inseguire una forma estetica definitiva. Che le emozioni siano in grado di sgorgare con naturalezza, accompagnate da una sei corde e da qualche lampo ritmico. Per i suoi collaboratori ‘adulti’ la condizione base implicava un gusto acerbo, incontaminato, c’era una freschezza da preservare, anche a scapito del formato. Ecco perché la semplicità negli arrangiamenti rimane una prerogativa di questo ‘Tra Le Nuvole E L’asfalto’ , avvincente nel suo intimismo. Eppure quella passione è scandita così chiaramente da risultare un urlo fragoroso, gioioso o riflessivo, a seconda dell’intensità con cui le dita si poggiano sulle corde. Di un cuore, quello sì, incontaminato.

Primo album per i romani Thegiornalisti

2011-06-16T11:51:00.001+01:00

La filosofia di base di Thegiornalisti è molto distante dalle teen band che per anni hanno ossessionato anche il mercato nazionale. Non un gesto che volesse essere programmatico non un ruolino di marcia che imponesse l’ossessione dei professionisti maniacali. Mai come in questo caso è l’istinto a parlare, l’idea di un incontro che rispettasse un’organizzazione orizzontale, senza leader. Di conseguenza nessuna adesione a priori a questo o a quel movimento, che in primis siano la musica ed i testi a parlare. Nasce tutto spontaneamente per la formazione romana, una grande stima reciproca, un contatto che viene stabilito tra le mura di casa, con la voglia di lasciarsi alle spalle tutti i trascorsi che ne avevano minato la crescita artistica. E’ una musica mai urlata, anzi sospesa in un nodo crepuscolare, romantica e beffarda allo stesso tempo. Con testi che sono cronache di tutti i giorni, scampoli di una vita non propriamente ai margini, ma nemmeno trascorsa nei locali à la page. C’è il senso di appartenenza semmai ad una propria scrittura, un proprio codice. Scegliendo la lingua italiana come mezzo, Thegiornalisti affrontano l’ impervia scuola del rock indipendente con spirito di sacrifico e dedizione, mettendo in cima a tutto l ‘originalità e l’onesta intellettuale. Nei dieci brani che vanno a costituire il loro debutto si parla necessariamente di qualità e di un background ampio, tale da consentire un raggio d’azione invidiabile. Ci sono raffiche rock’n’roll – che spingono in una danza rituale chi è solito seguirli dal vivo – e momenti più riflessivi che potrebbero rifarsi ad un immaginario ’60, il tutto appare estremamente bilanciato e l’alchimia è proprio in questi repentini cambi umorali. Pop che si sporca e si bagna nella psichedelia, in giochi di specchi che rifuggono momentaneamente dal quotidiano, alla ricerca di un’estasi del tutto individuale. ‘Autostrade Umane’ e ‘Siamo Tutti Marziani’ possono essere considerati a ragione brani manifesto. Il primo si insinua sottopelle con una melodia agrodolce, mentre il secondo – posto in apertura del disco – trasuda urgenza post-punk, con un basso che colpisce impertinente al centro del petto. E se ‘La Mano Sinistra Del Diavolo’ sembra davvero uno spaghetti western musicato da Morricone, potete star tranquilli che Thegiornalisti usano elementi doc per orchestrare il tutto, un dono che li accompagna per tutta la durata del disco. Arrangiato e prodotto dalla stessa band, che in Tommaso Paradiso trova il suo maggiore songwriter, il disco è stato registrato e mixato da Carlo Pinna all'Esagono Recording Studio (Rubiera, Emilia Romagana). La masterizzazione effettuata al celebre Master Disck di New york da Howie Weinberg ed in parte al Forward Studios di Grottaferrata, Roma. Prendete e ascoltatene tutti, questo è un sacrifico purissimo.

Thegiornalisti sono:
Tommaso Paradiso
Marco Primavera
Marco Antonio Musella
Emanuele Guidoboni

Diva "The Glitter End"

2011-05-24T15:26:00.004+01:00

The Wire ha già dedicato un ampio speciale alla scena underground di Los Angeles, puntando il dito su Not Not Fun, nuovo laboratorio dispensatore di idee e suoni. Diva Dompe è una figura centrale in questa scena che si estende in maniera capillare all’ombra delle colline di Hollywood. Acconciata come una starlette glamour versione dopo-bomba, non fa nulla per nascondere il suo eclettismo, a partire dall’immagine e dal titolo del disco che si chiama – non a caso – "The Glitter End". Fondatrice del trio mascherato BlackBlack assieme alla sorella Lola e soprattutto bassista nelle prematuramente sciolte Pocahaunted (la band di Amanda Brown, co-proprietaria del marchio Not Not Fun ora meglio nota come L.A. Vampires, e Bethany Cosentino di Best Coast), una delle formazioni shock del mutante indie californiano di inizio decennio. Questo suo debutto in solo è un affare davvero complesso, di certo possiamo dire di un viaggio personale ed articolato, quasi una seduta psicanalitica tradotta in musica. C’è spazio per numerosi elementi costituenti, che da tempo hanno fatto la forza della musicista. C’è la dimensione dreamy di certe produzioni 4AD – vengono in mente Cocteau Twins – ed un’attrazione fatale nei confronti della musica caraibica ed africana. E’ un animale a più teste "The Glitter End", uno di quei lavori che ti spiazzano al primo ascolto e rischiano di essere per lungo tempo incollati alla tua memoria. Diva conquista sulla distanza, forte di uno spontaneo egocentrismo. La sua musica sa di viaggi interstellari e l’utilizzo ricorrente a sonorità vintage non fa che sostenere l’ipotesi di una navicella alla gioiosa deriva nell’iperspazio. Diva di nome e di fatto per una delle pubblicazioni più a effetto di questo scorcio di stagione.

Las Kellies su Fire Records

2011-05-24T14:39:00.000+01:00

Trio tutto al femminile con passaporto argentino che in appena cinque anni di frenetica attività sembra aver raggiunto traguardi invidiabili, non fosse altro per l’estrema abilità nel muoversi tra le linee di confine, modellando agli esordi un ruvido rock’n’roll ed avvicinandosi in maniera impertinente alla mutant disco con il successore "Kalimera". Il quasi omonimo "Kellies" viene pubblicato dalla sempre più tentacolare Fire Records e riduce ulteriormente la severa linea di demarcazione tra dancefloor e rock da cantina. Artigiane abituate all’effetto sorpresa le ragazze sudamericane scelgono un produttore sicuramente destinato a dar maggior lustro alla loro proposta. Dietro al banco di regia siede infatti una leggenda del reggae come Dennis Bovell, bassista col gruppo Matumbi, ma soprattutto produttore di Slits e Pop Group. Ed il suo apporto non è certo indifferente, come seppe plasmare una pietra miliare quale Cut, oggi conduce per mano queste giovani eroine nei meandri di una musica da ballo sghemba, negroide. Le influenze sono presto dichiarate. Dalla cover di Erase You a firma ESG a mille minuziosi riferimenti a Tom Tom Club, Lene Lovich ed appunto The Slits, Las Kellies non si nascondono certo dietro ad un dito ed infilano una sequenza di brani che ha del miracoloso. Siamo in piena atmosfera eighties, ma nessuno si scandalizzi, chè le ragazze si mostrano fantasiose cerimoniere pronte ad officiare al gran ballo in società. Cecil Kelly (chitarra e voce), Betty Kelly (basso e voce) e Sil Kelly (batteria e voce), giocano con i loro stessi nomi come i fratellini Ramones e soprattutto non mostrano alcun timore reverenziale nei confronti delle band chiamate in causa. Il loro sound è febbricitante e nelle vostre nottate estive ci sarà un’ulteriore luce a brillare sul patio.

Fire Records pubblica il nuovo album dei Jackie O'Motherfucker intitolato "Earth Sound System"

2011-05-24T12:58:00.004+01:00

Quando si parla di new weird America bisogna necessariamente passare di qui, appuntarsi l’ultimo indirizzo noto di Tom Greenwood e soffermarsi nei pressi della sua improvvisata sala prove.
Stabilito un connubio artistico con Fire Records i suoi Jackie-O Motherfucker (un nome sempre gradito agli elettori democratici…) non conoscono soste e si imbarcano – impettiti – verso nuovi fronti.
Earth Sound System è il titolo ecologico di questa ennesima fatica da studio, che rispetta in pieno la visione psichedelica dell ‘ensemble, sempre aperto a forme di improvvisazione e musica creativa.
Con l’apertura 'In The Willows' si è trascinati in quello che è stato il campo principe dei primi Flaming Lips e poco più avanti dei Mercury Rev. E solo gente d’esperienza come Greenwood e compagni poteva uscire vincente da un confronto così rischioso.
In 'Raga Joining' viene fuori il minimalismo della musica indiana, altro argomento che da sempre ha ossessionato Tom. Per ascoltare la versione più ‘scoppiata’ del gruppo occorre portarsi avanti di due tracce e puntare il laser su 'Dedication' una vera e propria orgia freak folk, in cui la psichedelia sposa le scelte più ardite dell ‘impro jazz e del kraut rock via Faust. Si torna a respirare con Raga Separating mentre la conclusiva 'Where We Go' sembra una jam tra Gibby Haynes dei Butthole Surfers e J Mascis, sotto l’ombra di un cactus texano

Nonostante i molteplici cambi di line-up la quadratura del cerchio è completa ed è ancora Tom Greenwood a farsi sacerdote di quel rock acido e periferico che per anni ha corroso le fondamenta della musica dei benpensanti e dei predicatori. Lysergic emanations!

L'inglese Jon Allen torna con "Sweet Defeat"

2011-05-24T11:23:00.003+01:00

L’arte del saper scrivere canzoni indimenticabili. Potremmo dedicare un paragrafo a Jon Allen, che tra gli autori contemporanei ci sembra uno dei più lucidi interpreti di una tradizione che arriva sino ai tempestosi sixties. “Sweet Defeat” è il suo rientro sulle scene ed è licenziato dall’indipendente Monologue Records, con distribuzione One Little Indian. Il suo debutto “Dead Man’s Suit” – forte anche degli oltre 20mila download per il brano “Going Home”, utilizzato in una pubblicità della Landrover – impressionò soprattutto la critica più ortodossa, che nella penna di Allen ritrovò i prodromi di uno stile classico, legato ai folk singer più influenti del nostro tempo. Il disco esplose letteralmente in Inghilterra, per poi crescere esponenzialmente anche nel resto del vecchio continente. Oltre alla sfrenata sponsorizzazione di BBC Radio 2, fu il celebre Jools Holland a volerlo nello spettacolo televisivo “Later with Jools”, dopo aver ascoltato il suo brano “In Your Light” alla radio. Prodotto ancora da Tristan Longworth ed inciso con lo stesso team di musicisti che ne avevano impreziosito l’esordio, il secondo album di Allen trova fondamento nell’ immaginario West-coast, pur aprendosi ad interessanti coloriture soulful, che potrebbero far pensare ad un giovane Van Morrison. Indicato da più parti come il novello Bob Dylan, Allen ha in realtà personalità da vendere e ce lo dicono le 11 canzoni composte per l’occasione, tra solide riproposizioni dello stile Americana ed aperture al rutilante rock sudista. Britannico doc, il nostro autore sembra conoscere a menadito la geografia musicale a stelle e strisce, eppure – a ben senitre – il suo timbro è più prossimo ad un Rod Stewart meno roco. Ci sono canzoni incredibili in questo disco – dall’opener "Joanna" a "Broken Town" – ma tutto il disco merita di essere affrontato con rigorosa attenzione, proprio per cogliere tra le righe sfumature essenziali e profetiche visioni di un universo rock solo apparentemente autoreferenziale. C’è così tanta passione tra questi solchi che non saranno i volumi esagerati dell’ultima sensazione indie a farvi cambiare idea.

Jon Allen Music by Jon Allen Music